Die 100 besten britischen Filme

„Die Briten kommen“, trompetete es Streitwagen des Feuers Drehbuchautor Colin Welland berühmt-berüchtigt bei den Oscars 1982. In Wahrheit waren „die Briten“ schon da. Sie haben seit über einem Jahrhundert Filme gemacht, mit vielen aufklebbaren Meisterwerken in dieser Anzahl. Komödien, Dramen, Kriegsfilme, Horror ... Britische Filmemacher haben bewiesen, dass sie jedes Genre angehen können, und die besten britischen Filme können alles sein, was die besten britischen Filme mit allen anderen auf der Welt aufnehmen kann.

Von Hitchcock über Lean, Powell und Pressburger bis hin zu Loach und Boyle feiern die 100 besten britischen Filme von Apergo die Allerbesten unter ihnen. Hier ist die Liste ...

100. 45 Jahre (2015)

Unter der Regie von : Andreas Haigh

Mit : Charlotte Rampling, Tom Courtenay

Zwei Giganten der britischen Filmschauspielerei, die überraschenderweise zum ersten Mal zusammenarbeiten, machen hier einen zündenden Doppelpack Norfolk-Satz Zweihand . Charlotte Rampling erhielt ihre erste Oscar-Verleihung als Kate Mercer, die eine Hälfte eines lang verheirateten Paares, das sich einem wichtigen Meilenstein nähert. Die andere Hälfte, Ehemann Geoff ( Tom Courtenay ), hat lange versteckte Skelette im Schrank – oder in diesem Fall auf dem Dachboden – die sie in diesem entscheidenden Moment unwissentlich entdeckt. Aufbrauende Spannungen, qualvolle Seelensuche und ein Porträt der herbstlichen Herausforderungen der Ehe, das von Regisseur Andrew Haigh mit großer Subtilität und Sensibilität gehandhabt wird.

99. Die Ipcress-Akte (1965)

Unter der Regie von : Sidney J. Furie

Mit : Michael Caine, Gordon Jackson, Nigel Green, Guy Doleman, Sue Lloyd

Da es in den 60er Jahren einfach nicht möglich war, mit Connerys 007 in der Superspionage zu konkurrieren, geht Sidney J. Furies erste Adaption der Romane des zum Autor gewordenen Kochs Len Deighton in die andere Richtung. Während er entführte Wissenschaftler untersucht, macht der undisziplinierte Überwachungsmann Harry Palmer weder Weltenbummler noch Betthüpfer oder redet mit katzenstreichelnden größenwahnsinnigen Schurken; er verbringt seine Zeit mit alltäglichen Aufgaben zum Ausfüllen von Formularen in tristen Büros. Obwohl dieser labyrinthische Thriller vom Bondian-Kreativteam (Supremo Harry Saltzman, Designer Ken Adams, Editor Peter Hunt, Scorer John Barry) stammt, bietet er eine glaubwürdige Alternative zu Bond, während er gleichzeitig die britische Alltäglichkeit umfasst. Es gibt auch anständige Unterstützung (vor allem von Gordon Jackson), aber die Abenteuer sind sehenswert für Michael Caines (wohl) kultigste Rolle, in der seine einzigartige Art von Cockney-Coolness wirklich zu glänzen begann.

98. Ach! Was für ein schöner Krieg (1969)

Unter der Regie von : Richard Attenborough

Mit : Dirk Bogarde, John Mills, Vanessa Redgrave, Michael Redgrave, Maggie Smith, Laurence Olivier, Paul Shelley

Mit genügend Redgraves in der Hauptrolle, um eine kleine Insel zu bevölkern, stellt Richard Attenboroughs Great War-Musical eines der umfangreichsten Kontaktbücher der britischen Filmgeschichte zur Schau. Der Regisseur versammelte das Schauspieltalent der 60er Jahre, kleidete es in Khaki und ließ es auf eine einzigartig britische Satire los. Manchmal spielt es sich wie das thespischste I-Spy-Spiel der Geschichte. Der General hinter diesem buschigen Schnurrbart? Laurence Olivier natürlich. Dass Rekrutierungstrieb Chanteuse? Maggie Smith. Und leisten diese Dirk Bogarde, John Mills und Vanessa Redgrave nicht ihren Beitrag für die Kriegsanstrengungen? Oh! What A Luvvie War wäre vielleicht ein besserer Titel gewesen. Aber Ruhm beiseite, es summiert sich zu einer Anklage gegen das unermessliche Leid des Krieges, die sowohl vernichtend als auch zutiefst bewegend ist. Auch wenn der chronologische Ansatz dem Ganzen eine gelegentlich episodische Qualität verleiht, choreografiert Attenborough alles mit einem solchen Flair und Mitgefühl, dass es sich wie die schillerndste Geschichtsstunde der Welt anfühlt. Gefüllt mit den summbaren Melodien aus den Schützengräben und mit einer der herzzerreißendsten letzten Aufnahmen im Kino, ist es ein unbesungenes Epos.

97. 24 Stunden Party People (2002)

Unter der Regie von : Michael Winterbottom

Mit : Steve Coogan, Paddy Considine, Shirley Henderson

Angeblich ein Film über die Musikszene von Manchester zwischen '76-'92, 24-Stunden-Party-People verbringt mehr Zeit damit, sich über seinen Hauptdarsteller und Erzähler lustig zu machen, den Besitzer des Plattenlabels Tony Wilson (gespielt von Steve Coogan ), als die Geschichten von Joy Division, New Order und Happy Mondays weiterzugeben, die alle seine Umlaufbahn passierten. Aber wenn Sie sich lachend auf dem Boden wälzen, wenn Tony beim Drachenfliegen gegen einen Baum prallt oder von seiner Frau auf der Ladefläche eines „Nosh-Vans“ erwischt wird, während er „orale Freuden“ von einem Fremden bekommt, macht es Ihnen wirklich nichts aus wie viel Popkultur der 90er zum Leben erweckt wird – oder ob das, was auf der Leinwand gezeigt wird, überhaupt passiert ist. Geschickt geleitet von Winterboden , 24 PS (wie es nie jemand nennt) ist viel, viel lustiger, als irgendjemand jemals von einem Biopic erwarten sollte. Wenn man es ein Biopic nennen kann. Oder erwarte überhaupt etwas davon, wirklich...

96. Nil durch den Mund (1997)

Unter der Regie von : Gary Oldmann

Mit : Ray Winstone, Kathy Burke, Jamie Foreman, Charlie Creed-Miles

Wir alle wissen das Gary Oldmann ist ein Schauspieler-Schauspieler – seinen Ruf hat er sich in den letzten drei Jahrzehnten zweifelsfrei erarbeitet – aber diese (noch) einzige Leistung als Autorenfilmer zeigt, dass er auch ein Schauspieler-Regisseur ist. Dies gab einen verstörend ehrlichen und unbeirrbaren Blick auf die Praxis und die Folgen häuslicher Gewalt Ray Winstone eine erstaunliche Chance zu glänzen und ihn sowohl als Hardman als auch als Schauspieler zu etablieren, der zu großer Subtilität und Bandbreite fähig ist, selbst wenn er jemanden spielt, der beides nicht kann. Aber nicht weniger fähig ist Kathy Burke, die zuvor vor allem für TV-Comedy bekannt war, die eine dreidimensionale Leistung in einer Rolle abgibt, die eine einfache 'Opfer' -Rolle hätte sein können. Es ist kein Wohlfühlversuch – ganz im Gegenteil – sondern ein halbautobiografischer Exorzismus der Dämonen von Oldmans eigener Erziehung im Süden Londons, der eine Seite des Lebens zeigt, die wir alle lieber ignorieren würden. Nur wenige Debüts sind so kraftvoll oder unvergesslich.

95. Gregorys Mädchen (1981)

Unter der Regie von : Bill Forsyth

Mit : John Gordon Sinclair, Dee Hepburn, Jake D’Arcy, Claire Grogan

Es gibt viele Teenie-Komödien und Teen-Sex-Komödien. Keine jedoch kommt in die Nähe Gregorys Mädchen , eine Geschichte von Liebe und Lust, die in all ihrer jugendlichen Intensität brennt, die sowohl Realismus als auch unsagbare Heiterkeit schafft, ohne jemals zu vergessen, mit ihren Themen zu sympathisieren. John Gordon Sinclair ist der junge Mann, der von der hinreißenden, Football spielenden Dorothy (Dee Hepburn) überwältigt ist, während Grogan Susan spielt, Dorothys Freundin und eine viel bessere Wahl für den unbeholfenen Romeo. Es ist ein vertrautes Setup, aber es wurde fast nie so schön beobachtet oder intelligent geschrieben wie hier, wofür Bill Forsyth alle Anerkennung verdient. Immerhin klingen Verabredungen mit ziellosen Spaziergängen und Besuchen im Pommes-Laden nur ein bisschen lebensechter als die endlose Parade von Abschlussbällen, Strandpartys und Sportveranstaltungen im amerikanischen Kino. Betrachten Sie es als Begleitstück zu dem des Regisseurs Lokaler Held , und gönnen Sie sich einige der überzeugendsten Lacher aus dem wirklichen Leben, die Sie jemals im Film sehen werden.

94. Tinker Tailor Soldier Spy (2011)

Unter der Regie von : Thomas Alfredson

Mit : Gary Oldman, Colin Firth, John Hurt, Ciaran Hinds, Mark Strong, Tom Hardy

Elegantes und maßvolles Geschichtenerzählen sichert Tomas Alfredsons Thriller aus dem Kalten Krieg einen Platz auf der Liste. Angeführt von Gary Oldmann 's zugeknöpfter George Smiley ('Es ist eine Rolle im Sitzen', wie er es beschreibt), ist es eine altmodische Suche nach einem Maulwurf unter den Top-Spionen von 'The Circus', etwas, das durch die Tatsache, dass er es ist, erschwert wird offiziell im Ruhestand. Außerdem sind die Verdächtigen natürlich einige der besten Schauspieler von Blighty, von Colin Firth bis Toby Jones und Ciaran Hinds, während die Bauern, die auf dem Spiel stehen, Mark Strong, Benedict Cumberbatch und Tom Hardy umfassen, also werden sie nicht leicht zu lesen sein . Mit dieser Menge in Topform hätte man Alfredson vielleicht verzeihen können, dass er einfach die Kamera auf sie gerichtet und aufgegeben hat, aber tatsächlich kreiert er ein schmutziges London der 70er Jahre in gedämpften Tönen und düsteren Schatten und verleiht dem Ganzen einen unzweifelhaften Glanz Qualität.

93. Brasilien (1985)

Unter der Regie von : Terry Gilliam

Mit : Jonathan Pryce, Kim Greist, Robert De Niro, Michael Palin, Ian Holm, Bob Hoskins

Darin liegt eine grausame Ironie Terry Gilliam 's Hymne an die Nonkonformität lief direkt in den enormen Studiodruck, sich den Erwartungen des Publikums anzupassen. Insbesondere Sid Sheinberg, der Grande Fromage von Universal, glaubte, dass sein Ende zu trostlos sei und weniger, nun ja, Trostlosigkeit brauche. Als Sid Sheinberg war er in der Lage, seine berüchtigte „Love Conquers All“-Bearbeitung durchzusetzen und Gilliams einzigartigem Sci-Fi unabsichtlich die Big Brother-Figur zu verleihen, die es auf der Leinwand nicht gab. Sheinberg hatte weniger Glück damit, dem Film einen neuen Titel aufzudrücken – der Regisseur selbst durchforstete zahlreiche Ideen, darunter auch die Orwell-Referenz „1984“, bevor er sich für eine seitliche Anspielung auf ein Vorkriegslied namens „Aquarela do Brasil“ entschied – aber Er ließ den Film so lange im Regal ruhen, dass Gilliam dazu gezwungen war, in Anzeigen der Fachpresse um seine Veröffentlichung zu betteln. Auf der anderen Seite des Atlantiks schwelgte das Publikum in einer dystopischen Vision, die seitdem von allen, von den Coen-Brüdern bis hin zu Alex Proyas, erwähnt wird. Wie Metropole Mit viel mehr Papierkram ist es eine melonenverdrehende Vision einer zukünftigen Bürokratie, die zum Kracher geworden ist.

92. Vier Löwen (2010)

Unter der Regie von : Chris Morris

Mit : Riz Ahmed, Arsher Ali, Nigel Lindsay, Kayvan Novak, Adeel Akhtar, Craig Parkinson

Auf dem Papier sollte eine Komödie über radikalisierte britische Muslime, die sich beim London-Marathon in die Luft sprengen, nicht lustig sein, aber mit Chris Morris an der Spitze ist nichts selbstverständlich – nicht einmal Gags über Bombenbau oder explodierende Krähen. Morris vollbringt mit Hilfe einer talentierten Besetzung, Kayvan Novak als ernsthaftem Waj, einen unglaublichen Trick, um aus einer Katastrophe eine Komödie zu machen Nigel Lindsay als jähzorniger Bekehrter Barry. Morris entlockt Charakteren Bauchlachen nach Bauchlachen statt Grobheit, Sympathie statt Zurückhaltung, während er gleichzeitig auf die Natur des Terrorismus hinweist. Allein für diesen erstaunlichen Balanceakt Vier Löwen verdient einen Platz da oben mit Das Leben des Brian in der umstrittenen Comedy Hall of Fame. Sicher, das etwas unvermeidliche Ende findet sich nicht in den meisten Handbüchern zum Thema „Wie man Geld verdient“-Komödien, aber in Morris' meisterhaften Händen sind Ihnen hysterische Kicheranfälle sowie heftigeres Kopfkratzen garantiert .

91. Die Überreste des Tages (1993)

Unter der Regie von : James Elfenbein

Mit : Anthony Hopkins, Emma Thompson, Christopher Reeve, James Fox

Sie müssen an den Nachahmern und Parodien vorbeikommen, denn dieser Merchant-Ivory-Klassiker inspirierte Legionen von beiden, aber wenn Sie finden, dass dieses prächtig gedrehte, wunderschön zurückhaltende Drama die Mühe wert ist. Vergiss Hannibal Lecter: das ist Anthony Hopkins 'beste Leistung von einer Landmeile. Als zugeknöpfter Butler, der alles andere in seinem Leben mit Anstand anlegt, ist er an der Reihe, so zurückhaltend zu sein, dass er genauso gut eine Zwangsjacke tragen könnte, aber unter ihm ist jede Stimmung klar, wenn Sie aufpassen, wenn Sie mit faschistischen Sympathisanten verhandeln , amerikanische Newcomer und willensstarke Haushälterin von Emma Thompson. Der Roman von Kazuo Ishiguro vermittelte bereits das elegische Gefühl von Melancholie und verpassten Chancen, aber diese Adaption fügt wunderschöne Bilder und einen polierten Glanz hinzu, den sogar Hopkins' Steven bewundern würde.

90. Dracula (1958)

Unter der Regie von : Terenz Fischer

Mit : Christopher Lee, Peter Cushing, Michael Gough, Melissa Stribling

Hammers Einstellung zum großen Vater der Vampirwelt (vorausgesetzt, Vampire haben Väter) ist sexier und blutiger als jede frühere Adaption und die meisten nachfolgenden Bemühungen. Christopher Lee gibt einen imposanten, feurigen Grafen ab, der gegen Peter Cushings coolen, intellektuellen Van Helsing in einem Kampf um die Seele von Mina Harker und allen anderen hübschen Frauen, die zufällig seinen Weg kreuzen, antritt. Es ist eine rasante Nacherzählung der Geschichte, die nur hier und da einen Moment innehält, wenn Dracula bedrohlich über jemandes Hals ragt, und es hat eine reichhaltige Partitur, die das Blut in Wallung hält. Das grausame Ende des Grafen, das Fleisch schält und in der Sonne schmilzt, ist ein ikonisches Horrorbild und hat viel dazu beigetragen, den Hammer-Stil zu etablieren.

89. Die Eisenbahnkinder (1970)

Unter der Regie von : Lionel Jeffries

Mit : Jenny Agutter, Sally Thomsett, Gary Warren, Bernard Cribbens, Dinah Sheridan

Die Geschichte von E. Nesbit ist ein Kinderklassiker, und dies ist die endgültige Filmversion. Eine Familie wird in die Armut gestürzt und gezwungen, aufs Land zu ziehen, wenn ihr Vater des Hochverrats beschuldigt wird, aber zwischen dem Spielen auf den Eisenbahnschienen (Kinder: versuchen Sie das nicht zu Hause) und verschiedenen kleinen Heldentaten gewöhnen sie sich daran ihr neues Leben. Den widerspenstigen Bahnhofsvorsteher Bernard Cribbins für sich zu gewinnen und sich mit Fremden in Zügen anzufreunden, erweist sich am Ende als eigene Belohnung, die zu einem Happy End führt, das immer noch Tränen in die Augen treibt. Ernsthaft, wenn es dir nicht ein bisschen besser geht, wenn Jenny Agutter, die durch den Dampf schaut, ihren Vater entdeckt und schreit: 'Daddy, oh mein Daddy', können wir nur annehmen, dass es daran liegt, dass dir deine Tränendrüsen chirurgisch entfernt wurden.

88. Gandhi (1982)

Unter der Regie von : Richard Attenborough

Mit : Ben Kingsley, John Gielgud, Trevor Howard, John Mills, Martin Sheen

Es gibt episch, es gibt wirklich episch und dann gibt es noch Gandhi . Wie es sich für eine der wichtigsten Persönlichkeiten des 20. Jahrhunderts gehört, und sicherlich eine der bewundernswertesten unter diesen Persönlichkeiten, Richard Attenborough näherte sich diesem Biopic mit der Entschlossenheit, sowohl den erhabenen Idealen des Mahatma als auch dem schieren Ausmaß seiner Errungenschaften gerecht zu werden. So darf Star Ben Kingsley Gandhi über einen Zeitraum von 55 Jahren zum Leben erwecken, beginnend mit den ersten Schimmer seines politischen Gewissens bis zu seiner schließlichen Ermordung, umgeben von einigen der besten Schauspieler, die jemals auf der Bühne oder auf der Leinwand zu sehen waren. Auf dem Weg dorthin brachte Gandhi Indien die Unabhängigkeit, leistete Pionierarbeit bei friedlichen Protesten in großem Maßstab und setzte überall neue Maßstäbe für Idealisten. Kingsleys Leistung ist außergewöhnlich, aber er wird von Attenboroughs mitreißender Kinematografie und seinem enormen Ehrgeiz unterstützt – es gibt Hunderttausende Statisten in dieser Beerdigungsszene, die selbst die Armeen von Isengart in den Schatten stellen. Es ist ein verrückter Maßstab, der in diesen digitalen Tagen niemals bedroht wird, aber es ist schwer, sich ein würdigeres Thema vorzustellen.

87. Hoffnung und Ruhm (1987)

Unter der Regie von : John Boormann

Mit : Sarah Miles, David Hayman, Sebastian Rice-Edwards, Ian Bannen

Fünf Oscar-Nominierungen sind eine Hommage an einen nicht mehr britischen Film über den Blitz, der auf beiden Seiten des Atlantiks ein dankbares Publikum fand. Mit den Augen des zehnjährigen Billy (Sebastian Rice-Edwards) verwandelt John Boormans autobiografischer Film Londons zerbombte Vororte in einen riesigen Abenteuerspielplatz für Schuljungen. Ein interessantes – und wehmütiges – Gegenstück zu Steven Spielbergs Apergo der Sonne , fast gleichzeitig gedreht, ist es voller visueller Momentaufnahmen einer außergewöhnlichen Zeit in Englands Vergangenheit, ein Sepia-Fotoalbum, das wieder zum Leben erweckt wird. Es ist auch voll von überraschenden visuellen Hinweisen. Erleben Sie die plötzliche Explosion einer Luftwaffenbombe, die sich in entsetzlicher Zeitlupe entfaltet, oder die toten Fische, die Billy und seine Schwester treiben, um sie einzusammeln, nachdem eine abtrünnige Bombe im Fluss gelandet ist. Aber die Zufälligkeit der Auswirkungen des Krieges wird am besten durch die Entdeckung erfasst, dass eine weitere Schurkenbombe bedeutet, dass die Schule aus ist – für immer. 'Danke Adolf!' schreien fröhlich Billy und seine Kumpel. Sehen Sie, Krieg ist nicht immer die Hölle, besonders wenn er Sie aus doppelten Berechnungen herausholt.

86. Die Killing Fields (1984)

Unter der Regie von : Roland Joffe

Mit : Sam Waterston, Haing S. Ngor, John Malkovich, Julian Sands

Der Kriegsfilm von Roland Joffé, ein Oscar-gekrönter Film einer Pulitzer-prämierten Geschichte, ist eine atemberaubende, nüchterne Untersuchung einer menschlichen Katastrophe von kaum fassbarem Ausmaß. Es folgt New York Times der Journalist Sydney Schanberg (Waterston) und seine Dolmetscherin Dith Pran (der Oscar-Preisträger Ngor) durch das scharfe Ende von Amerikas Einfall in Kambodscha. Zumindest teilweise dank seines Films weiß jeder, was als nächstes geschah. Pol Pot und die Roten Khmer tauchten aus dem Rauch auf und verwandelten eines der schönsten Länder der Erde in einen Friedhof. Joffé erspart uns diese Trostlosigkeit nicht. Auf der anderen Straßenseite hat Brandos Kurtz vielleicht über „den Horror“ gemurmelt, aber hier war es, ganz nah und brutal unpersönlich. Schanberg mag diesen Pulitzer für seine Reportage gewonnen haben, aber Haing Ngors furchtloser Journo ist das schlagende Herz der Geschichte – und des Films. In einer tragischen Coda wurde der Mann, der ihn spielte, der erstmalige Schauspieler Haing Ngor, 22 Jahre später auf einer Straße in LA niedergeschossen.

85. Billy Lügner (1963)

Unter der Regie von : Johann Schlesinger

Mit : Tom Courtenay, Julie Christie, Wilfred Pickles

Vorher zog er über den Teich und machte Mitternachts-Cowboy und Marathon-Mann , leitete John Schlesinger eine der größten Hitting Streaks im britischen Kino. In vier glücklichen Jahren drehten er und sein Produzent Joseph Janni auf Billy Lügner , Schatz und Weit weg von der verrückten Masse . Der erste davon bleibt bis heute einflussreich, Tom Courtenays Walter Mitty-ähnlicher Kleinstadtjunge mit großen Plänen, ein Prototyp für tausend britische Träumer. Ricky Gervais zitiert Billy Lügner als Anregung für Friedhof Kreuzung ist gelangweilte Mittzwanziger, aber die skurrilen Nebendarsteller bunt zusammengewürfelter Briten, von Leonard Rossiters traurigem Leichenbestatter bis zu Leslie Randalls Fernsehpersönlichkeit mit Schlagworten ('It's aaall happen'), sind auch Bausteine ​​für Gervais' großartige Sitcoms. Billy jedoch ist Schlesingers Meisterstück und der Regisseur zeichnete Courtenays größte Leistung als den liebenswerten Romantiker, der zufällig jeden mit Maschinengewehren beschießt, der seine Pläne durchkreuzt (natürlich in seinen Träumen). Witzig und melancholisch, es ist eine ergreifende Hymne an zerbrochene Träumer.

84. Weiler (1948)

Unter der Regie von : Laurence Olivier

Mit : Laurence Olivier, Peter Cushing, Jean Simmons, Basil Sydney

Konfrontiert mit den Arbeitspraktiken der berühmten Methode Dustin Hoffmans weiter Marathon-Mann , soll Sir Laurence Olivier gedehnt gesagt haben: 'Versuchen Sie es mit der Schauspielerei, mein Lieber, es ist einfacher.' Das sagt er leicht; schließlich wurde er fast seit seiner Schulzeit als der größte britische Thesp gepriesen, und bis heute steht vor dem National Theatre ein aus Bronze gegossenes Denkmal für seinen Hamlet. Diese Zelluloid-Aufnahme seines Hamlet gibt uns eine Vorstellung davon: Unter der Regie von Olivier selbst (er war auch ein früher Multi-Bindestrich) auf dem Höhepunkt seiner Kräfte und Schönheit, ist dies immer noch ein überzeugendes Porträt des Dänen, wie weit die Schauspielstile auch sein mögen seitdem geändert. Während Kenneth Branaghs Weiler ist reicher an Drehorten und Außenszenen, es ist so viel Schaufensterdekoration neben der immer noch packenden Kraft der Geschichte selbst, und da glänzt Olivier.

83. Himmelssturz (2012)

Unter der Regie von : Sam Mendes

Mit : Daniel Craig, Javier Bardem, Ralph Fiennes, Naomie Harris, Ben Whishaw

Nach Quantum Trost , Sam Mendes ’ 007-Debüt fühlt sich an wie ein Neustart für die Daniel Craig Epoche. Das mysteriöse Quantum und sein hinterhältiger Plan, irgendetwas in Bolivien zu tun, waren verschwunden; Der Bogen kam herein und motivierte Silva ( Javier Bardem ), um dem Franchise eine dringend benötigte Dosis Theatralik und Bedrohung hinzuzufügen. Craig scheint in einer virtuosen Shanghai-Sequenz im Neonlicht neu belebt zu sein und mischt das Debonair mit dem Tödlichen, während die Geschichte von einer liebevollen Bond-Hommage zur nächsten rast. Keines der Nicken fühlt sich klobig an, ein Zeugnis von Mendes‘ Leichtigkeit, und das Ende hinterließ Großbritanniens bestaussehende Schiffsform.

82. Die Dame verschwindet (1938)

Unter der Regie von : Alfred Hitchcock

Mit : Margaret Lockwood, Michael Redgrave, Basil Radford, May Whitty, Naunton Wayne

Es spricht Bände für Hitchcocks Thriller, dass sie in modernen Threads immer wieder auftauchen. Heckscheibe wurde Störungen , Wählen Sie M für Mord wurde zu Der perfekte Mord , und dieser Thriller ließ Jodie Foster fieberhaft suchen Flugplan 's Verkehrsflugzeug für ihre vermisste Tochter. Alle drei sind eine praktische Erinnerung daran, dass niemand Hitchcock so mag wie der Mann selbst: Für zeitlose Charaktere und teuflische Pläne ist er einfach unvergleichlich. In seinen zuggebundenen Thriller steigen der Volksmusikwissenschaftler Gilbert (Redgrave) und seine neue Gefährtin Iris (Lockwood), eine kluge Frau, die nach Hause geht, um ihren „blaublütigen Scheckjäger“ zu heiraten, die sich zwischen einigen schießwütigen Agenten gefangen finden. Als die wählerische Gouvernante Miss Froy (Whitty) auf mysteriöse Weise aus dem Speisewagen verschwindet, setzt das funkelnde Paar ihre Amateurdetektivin ein, um sie aufzuspüren. Selbst mit der Hilfe der Cricket-besessenen Basil Rathbone und Naunton Wayne wird ihre Reise durch das fiktive Land Bandrika mit jedem Kilometer gefährlicher. Es macht so viel Spaß, wie Sie in einem Zug haben können, obwohl Sie, wenn Sie diesen Hitch-Cameo erkennen können, schärfere Augen haben als wir.

81. Paddington (2014)

Unter der Regie von : Paul König

Mit : Ben Whishaw (Stimme), Nicole Kidman, Hugh Bonneville, Sally Hawkins, Julie Walters

Eine große große Umarmung eines Films, Paddington verzauberte Publikum und Kritiker gleichermaßen mit einer der schönsten Überraschungen des Jahres 2014, die sich in den Kanon der beliebten Weihnachtsfilme einfügt und beweist, dass Bären nicht nur etwas für Werner-Herzog-Dokumentationen und wilde Leonardo DiCaprio sind. Paul König (Regisseur/Co-Autor), Ben Whishaw (Stimme) und Framestore (visuelle Effekte) kombinierten ihre Talente, um einen lustigen, bewegenden Plädoyer für ein freundlicheres, toleranteres Großbritannien zu machen. Nach dem Brexit fühlt es sich eher wie ein schöner Traum an. Halten Sie Ausschau nach Paddington, der in Paddington 2: Dark Territory gegen Nigel Farage kämpft.

80. Auf Wiedersehen, Herr Chips (1939)

Unter der Regie von : Sam Holz

Mit : Robert Donat, Greer Garson, Terry Kilburn, John Mills, Paul Henreid

Wenn Sie einen Lehrer kennen, der gerade einen schlechten Tag hatte, ziehen Sie dies an, um ihn daran zu erinnern, wie wichtig das ist, was er tut. Ein zutiefst bewegender, aber wunderbar unsentimentaler Blick auf die Karriere eines Lehrers über einen Zeitraum von 50 Jahren. Dies zeichnet seine holprigen frühen Jahre, die Veränderungen durch die Ankunft seiner Frau und die tiefen Wunden – sowohl persönlich als auch beruflich – auf, die auf seinem Weg zurückblieben. Während auf der einen Seite die aufeinanderfolgenden Generationen einer einzelnen Familie immer wieder in die Schule zurückkehren, sind es auf der anderen Seite die Gedenkgottesdienste für die Toten mehrerer Konflikte, die in den Verwüstungen des Ersten Weltkriegs gipfelten. Dies dient als Chronik der eine sich verändernde Welt sowie das Leben eines Mannes, und es dient als Hommage an die gewöhnliche, alltägliche Größe.

79. Die Rede des Königs (2010)

Unter der Regie von : Tom Hopper

Mit : Colin Firth, Geoffrey Rush, Helena Bonham Carter, Timothy Spall

Ein Film über einen stotternden Posho ist nicht der offensichtlichste Publikumsmagnet der Filmgeschichte, selbst mit einem Wunderkind-Regisseur und dem sympathischsten Star diesseits von Tom Hanks. Und doch ist das irgendwie so fesselndes, spannendes Kino , eine Art Felsig für den nicht-physischen Anwärter und eine Underdog-Geschichte, die einen Stein zum Jubeln bringen würde. Colin Firth spielt Bertie, den Prinzen aus den 1930er Jahren und zukünftigen George VI., der unter einem schrecklichen Sprachfehler leidet, der seine Bemühungen, öffentlich zu sprechen, lähmt; Helena Bonham Carter ist seine endlos unterstützende Frau und Geoffrey Rush sein exzentrischer Logopäde. Es ist gesprächig, es spielt größtenteils in einem Londoner Keller mit abblätternden Wänden und knarrenden Böden, und es ist ein krasser Stoff, als Bertie darum kämpft, ein Wort herauszubringen, und sowohl dem Thron als auch dem Ausbruch des Krieges mit weniger Beklommenheit gegenübersteht Er zeigt sich einem Mikrofon oder einem kleinen Publikum gegenüber. Rührendes Zeug, egal was Sie von der Monarchie halten.

78. Heinrich V. (1989)

Unter der Regie von : Kenneth Branagh

Mit : Kenneth Branagh, Derek Jacobi, Brian Blessed, Emma Thompson

Dies liefert möglicherweise nicht ganz die 'Muse des Feuers', die Shakespeares Erzähler beim Erzählen der Geschichte wünschte Heinrich V , aber es kommt näher als jede andere Adaption, um das Ausmaß und den Umfang seiner Kriege gegen die Franzosen zu veranschaulichen, und gibt sogar der früheren Goldstandard-Version von Laurence Olivier ein Rennen um sein Geld in Bezug auf den Charakter. Das Shakespeare-Wunderkind Branagh trat bei seinem Regiedebüt in Oliviers Fußstapfen und inszenierte sich selbst, als der junge König in einen Krieg in Frankreich getrieben wurde und sich überwältigenden Widrigkeiten gegenübersah. Diese Schlachten sind blutig, matschig und ungalant, nutzen die Möglichkeiten und Orte des Kinos optimal aus und sind weit entfernt von den oft trockenen Adaptionen, die zuvor die Regel waren. Die schiere Anzahl der Koryphäen in der Besetzung ist fast ablenkend (selbst Christian Bale ist irgendwo dort versteckt), aber wenn Sie bei der Rede zum St. Crispin's Day keine Bewegung spüren, sind Sie entweder innerlich tot oder französisch.

77. Harry Potter und die Heiligtümer des Todes: Teil Zwei (2011)

Unter der Regie von : David Yates

Mit : Daniel Radcliffe, Emma Watson, Rupert Grint, Ralph Fiennes

Der zweitjüngste Film auf der Liste bekommt einen Platz dafür, das Unmögliche zu tun: nicht mit einem Wimmern auszugehen. Die Erwartungen an diesen achten Teil der Serie waren so hoch, dass man Regisseur David Yates verziehen hätte, dass er sich in Dumbledores Büro eingesperrt und sich geweigert hätte herauszukommen, bis alles vorbei war, aber stattdessen ist er ein actiongeladener, charaktergetriebener Film geworden , bisweilen brutales Finale der Abenteuer des jungen Zauberers. Schließlich gibt es noch den totalen magischen Krieg, den die Serie immer umgangen hatte; Endlich gibt es eine Lösung für das Rätsel um Harry und Voldemort. Nicht zuletzt muss man die Chuzpe einer Serie bewundern, die sich nicht nur mitten im großen Endkampf Zeit für einen metaphysischen Ausflug nimmt, sondern auch das Undenkbare tut und den Bösewicht seinen Sieg auf der Strecke lässt.

76. Nackt (1993)

Unter der Regie von : Mike Leigh

Mit : David Thewlis, Lesley Sharp, Katrin Cartlidge, Ewen Bremmer

Naked repräsentierte eine Verschiebung in Mike Leighs Arbeit weg von durchdringenden Studien häuslicher Alltäglichkeiten hin zu etwas viel Ausgefallenerem. David Thewlis ist Johnny, ein überqualifizierter, arbeitsloser Herumtreiber, der auf der Flucht vor einem Sexangriff in Manchester nach London kommt und bei einer Ex-Freundin (Lesley Sharp) bleibt, mit ihrer Mitbewohnerin (Katrin Cartlidge) schläft und seine ätzenden Weltanschauungen im Allgemeinen jedem erklärt wer hört. Naked zeigt Leigh, wie sie sich nicht nur mit einer anderen Subkultur – dem Underground-London – auseinandersetzt, sondern auch mit dem Filmemachen, Dick Popes Kinematografie voller Kamerafahrten und interessanter Beleuchtungsstrategien, die sich in Leighs Arbeit neu anfühlten. Was nicht überrascht, ist die Tiefe der Darbietungen: Thewlis ist großartig als Johnny – bitter, artikuliert, zutiefst unangenehm, immer überzeugend. Wenn Sie ihn nur jemals gesehen haben Harry Potter , korrigieren Sie dies jetzt.

75. Lock, Stock und zwei rauchende Fässer (1998)

Unter der Regie von : Guy Ritchie

Mit : Jason Flemyng, Dexter Fletcher, Nick Moran, Jason Statham

Es gibt eine Dauerkneipen-Debatte, die die Frage aufwirft: Was ist besser, Schnappen oder Lager sperren ? Schnappen Apologeten reden ein gutes Spiel, aber die richtige Antwort ist natürlich, Guy Ritchie 's atemberaubendes Debüt. Immerhin ist dies ein Film, der der Welt „The Stath“ brachte, Vinnie Jones, der jemandem mit einer Autotür auf den Schädel hämmerte, und das Wissen, dass ein großer lila Dildo als Angriffswaffe eingesetzt werden kann. Im Grunde die zotteligste aller zotteligen Hundegeschichten – die Handlung als „komplex“ zu bezeichnen, bedeutet, ihr einen Bärendienst zu erweisen – es ist alles so raffiniert gemacht, mit solch einem Selbstvertrauen vorgetragen und mit einer so erstaunlichen Wendung geschrieben, dass irgendwie das verworrene zu- Hin und Her funktioniert wie ein Uhrwerk. Tatsächlich so gut, dass er über 18 Jahre später Ritchies bester Film bleibt, eine fantastische Leistung eines Erstlingsregisseurs, der eine Gruppe sorgfältig besetzter, aber relativ unbekannter Schauspieler nahm und sie zu solidem, verdammtem Gold versponnen hat.

74. In der Hauptrolle (2013)

Unter der Regie von : David Mackenzie

Mit : Jack O’Connell, Ben Mendelsohn, Rupert Friend

Eine glühende Visitenkarte für seinen Star, Jack O’Connell , und Regisseur, David Mackenzie, ein weiterer von Mit Sternchen auf 's MVPs ist eine angekündigte Zahl. Der Therapeut, der zum Drehbuchautor wurde, Jonathan Asser, wandelt seine eigene Erfahrung bei der Rehabilitierung von Gefangenen in eine gewalttätige, schmerzhafte und vor allem realistische Darstellung des Lebens im Inneren um. O'Connell verleiht der Rolle eines unkontrollierbaren jungen Straftäters, der in ein Erwachsenengefängnis „starrt“ musste, einen Laserstrahlfokus und Wildheit. Es ist eine großspurige, charismatische Wendung, die an Finney, Burton und Courtenay und an die Blütezeit der britischen New Wave erinnert.

73. Sühne (2007)

Unter der Regie von : Joe Wright

Mit : James McAvoy, Keira Knightley, Saoirse Ronan, Romola Garai, Vanessa Redgrave

Sühne sollte wie jedes britische Filmklischee sein: Es gibt ein bisschen in einem Landhaus, ein bisschen im Zweiten Weltkrieg und ein bisschen, wo es eine Küchenspüle gibt. Und doch Joe Wright 's Adaption von Ian McEwans Roman fühlt sich anders an und ist ein ganz eigenes Biest. Das liegt teilweise an großartigen Darbietungen und einer verwinkelten, nicht streng linearen Struktur, und teilweise an Joe Wrights bravourösem Geschichtenerzählen - seien Sie Zeuge der verheerenden Steadicam-Dünkirchen-Aufnahme oder der knappen Konfrontation zwischen der erwachsenen Briony (Ronan / Garai / Redgrave ) und das Paar, dem sie Unrecht getan hat (McAvoy und Knightley). Der anfängliche Fehler, geboren aus jugendlicher Dummheit und Selbstgefälligkeit, gerät außer Kontrolle, rollt ins Erwachsenenalter und überschattet eine Reihe von Leben. Die endgültige Enthüllung ihrer Folgen ist verheerend, egal wie unvermeidlich sie ist.

72. Der Mann im weißen Anzug (1951)

Unter der Regie von : Alexander Mackendrick

Mit : Alec Guiness, Joan Greenwood, Cecil Parker, Michael Gough

Alexander Mackendrick verdient es, prominenter in Erinnerung zu bleiben, als er unter den Titanen des britischen Films ist, da er für Klassiker wie verantwortlich ist Whisky in Hülle und Fülle! , Die Ladykiller und diese bissige Satire . Alec Guinness spielt den idealistischen jungen Chemiker, der einen revolutionären Stoff erfindet, der sich nie abnutzt oder gewaschen werden muss – nur um zu erfahren, dass sowohl Industrielle als auch Arbeiter gegen sein Wundertuch vereint sind, aus Angst, dass es die Wirtschaft zerstören und sie alle arbeitslos machen könnte . Wenn auch nicht so bösartig wie Mackendricks großer amerikanischer Versuch, Süßer Duft nach Erfolg , dies ist immer noch eine ziemlich zynische Sicht auf die Chancen für echte Innovation in unserer unvollkommenen Welt und fühlt sich heute genauso relevant an wie vor 60 Jahren, wenn nicht sogar noch mehr (siehe Wer hat das Elektroauto getötet? für eine reale Anwendung). Es ist eine Komödie – mehr oder weniger – aber es wird Sie noch lange nach dem Abspann zum Nachdenken bringen.

71. Kontrolle (2007)

Unter der Regie von : Anton Corbin

Mit : Sam Riley, Toby Kebbell, Samantha Morton, Alexandra Maria Lara

Ein frisches Gesicht Sam Riley nahm mit seiner Darstellung des Joy-Division-Frontmanns Ian Curtis seinen Platz im Pantheon der On-Screen-Rockstars ein. Wir sagen, er ist mehr als ein musikalisches Match für Ian Dury von Andy Serkis, Sid Vicious von Gary Oldman oder Jim Morrison von Val Kilmer – auch wenn seine Hosen nicht ganz so eng sind. Rileys Post-Punk-Star ist auf der Bühne voller nervöser Energie und Charisma und eine aufgewühlte Seele, die vor Hochgefühl in Verzweiflung umschlägt. Wir wissen, was von der ersten Rolle kommt, aber wir haben es mit den Augen von Debbie Curtis erlebt ( Samantha Morton ), sein Suizid kommt ihm trotzdem wie ein Schlag in die Magengrube. Wenn die Musik von Joy Division es nicht für Sie tut – und Riley und Co. Wiederholen Sie ihre größten Momente mit mehr Elan, als wir von Nicht-Musikern erwarten dürfen – das gibt es Anton Corbin 's atemberaubende Schwarz-Weiß-Fotografie zu schätzen und zu schätzen Tobi Kebbell 's urkomischer Rob Gretton zu genießen. Ehrlich gesagt, wenn dir das nicht reicht, bist du ein großer Hundeschwanz.

70.Casino Royale (2006)

Unter der Regie von : Martin Campell

Mit : Daniel Craig, Eva Green, Mads Mikkelsen, Judi Dench

Es war nicht Pierce Brosnan Schuld daran, dass das Bond-Franchise auf Grund gelaufen ist, kann man aber auch kaum tadeln Daniel Craig dass einige 007-Fanatiker nicht sehen konnten, dass er Brosnans höflichen Charme, Moores ironischen Humor oder Sean Connerys Fähigkeit widerspiegelt, selbst in Dad-Hosen und einem Golfvisier zutiefst sexy auszusehen. Das ganze Craig-not-Bond-Gewirr war eine Erinnerung daran, dass in den frühen 60ern sogar Connery nicht jedermanns erste Wahl war. Das schien gut zu funktionieren, und so tat es dies nachdrücklich. Sicher, wir hätten wahrscheinlich all diese Produktplatzierung vor dem Gadget-Teufel Q geopfert, und wir haben die albernen Kuss-Off-Zeilen irgendwie verpasst, aber die Rückkehr von Bond hat alle vernünftigen Erwartungen erfüllt und ist dann an ihnen vorbeigesprengt. Von Craigs erster 00-Auftritt , eine Bourne-ähnliche Rückblende, die so grausam war, dass sie die Kinobesucher in ihre Sitze zurückdrängte, fühlte sich jeder Kopfstoß, jeder niedergeschlagene und in Badehose gekleidete Schritt wie ein Leitbild für das wiedergeborene Franchise an. 'Wie ist er gestorben, Ihr Kontakt?' erkundigt sich bei einem Sachbearbeiter nach Bonds erstem Mord. „Nicht gut“, grollt 007. Man kann fast hören, wie das ferngesteuerte Auto eilig rückwärts in die Garage fährt.

69. Explosion (1966)

Unter der Regie von : Michelangelo Antonioni

Mit : David Hemmings, Vanessa Redgrave, Sarah Miles, John Castle

Wie man es von dem Mann dahinter erwartet Das Abenteuer und die Notiz , Michelangelo Antonionis swingendes London ist ein ziemlich hochmütiger Ort. Das 24/7 sexy Herumtoben in Modeschnapper Thomas (Hemmings) Wohnung mag heutzutage ein bisschen, nun ja, Austin Powers-y aussehen, aber der italienische Star meinte es todernst mit seiner Adaption von Julio Cortázars Kurzgeschichte. Hinter all dem Chiffon und Posieren steckt eine wirklich schlaue Prämisse, die Brian De Palma später für seinen Thriller ausleihen würde Ausblasen (1981). Es lässt Hemmings' David Bailey erkennen, dass er unwissentlich einen Mörder fotografiert hat, der in der Baumgrenze eines verlassenen Parks lauert. Als er am nächsten Tag zurückkehrt, stolpert er über die Leiche des Opfers, nur damit sie bald darauf verschwindet. Wird sich der Schnapper lange genug von dem sexy Herumtollen losreißen, um den Fall zu lösen und den Mörder vor Gericht zu stellen? Komm schon, wir reden hier von Antonioni. Wenn Sie gesehen haben Das Abenteuer , du wirst wissen, dass er es vorzieht, seine Geheimnisse ungelöst zu lassen.

68. Senna (2010)

Unter der Regie von : Asif Kapadia

Mit : Ayrton Senna, Alain Prost, Frank Williams

Weit entfernt von dem eingefleischten Petrolhead, den Sie vielleicht erwarten, Asif Kapadia Als er sich an die Arbeit an seiner faszinierenden Charakterstudie des brasilianischen Superstars Ayrton Senna machte, war sein Wissen über die Formel 1 ziemlich gering. Es spricht Bände für Sennas Charisma, dass das Ergebnis immer noch vor Fanboy-Zuneigung für sein Thema glüht. Wie Apergo In seiner Rezension wird darauf hingewiesen, dass sein Leben und sein Tod in einem „ehrgeizig konstruierten, zutiefst überzeugenden und spannenden“ Stil erzählt werden. Kapadia war damit noch nicht fertig: Er würde den Trick mit Amy Winehouse wiederholen Amy fünf Jahre später.

67. In der Schleife (2009)

Unter der Regie von : Armando Iannucci

Mit : Tom Hollander, James Gandolfini, Mimi Kennedy, Chris Addison, Peter Capaldi, Gina McKee.

Eindeutiger Beweis dafür, dass Politik – oder zumindest Filme über Politik – witzig sein können, In der Schleife ist eine mit Kraftausdrücken gefüllte Meisterklasse in moderner politischer Satire, die New Labour mit einem letzten cineastischen Tritt in die Eier auf Wiedersehen sagt. Im Wesentlichen ein Spin-off der ebenso urkomischen BBC-Sitcom Die Dicke davon , es hat viele der gleichen Charaktere, vor allem Peter Capaldis vulgärer schottischer Drehbuchautor Malcolm Tucker. Mit Einzeilern wie „Christus in einem kurvenreichen Bus. Sei nicht so ein verdammter Arsch“ und „Guten Morgen, meine kleinen Küken und Schwänze“ ist er definitiv der Star der Show, aber Chris Addison, James Gandolfini und Steve Coogan stiehlt auch eine gute Szene. Also Hut ab vor Autor/Regisseur/Walking-Talking-Real-Life-Genie Armando Iannucci dafür, dass er als Erster bewiesen hat, dass Sitcom-Spin-offs im 21. Jahrhundert funktionieren können. Wenn du bist Wenn Sie Lust auf mehr verfilmte Sitcoms haben, gehen Sie gleich hierher .

66. Mann auf Draht (2008)

Unter der Regie von : James Marsch

Mit : Philippe Petit, Jean Francois Heckel, Jean-Louis Blondeau

Es ist ein Dokumentarfilm über ein Ereignis, das so fantastisch ist, dass man es nicht schreiben könnte. Es ist ein Raubüberfallfilm ohne jeglichen Versuch des Diebstahls. Es ist ein Film über das World Trade Center, der die Ereignisse des 11. September nicht einmal flüchtig erwähnt. Und doch Mann auf Draht funktioniert nicht nur brillant, sondern greift auch wie ein Schraubstock, da es die Geschichte des Draufgängers Philippe Petit und seiner eindeutig nicht genehmigten Mission von 1974 erzählt, auf einem Seil zu laufen (und zu tanzen, sich zu drehen und zu sitzen) auf einem Seil, das 110 Stockwerke hoch zwischen den Gipfeln des Gebirges gespannt ist Zwillingstürme des WTC. Monate in der Planung und Stunden in der Ausführung gibt diese Kombination aus zeitgenössischem Video und teilweiser Rekonstruktion modernen Zuschauern die Möglichkeit, an den magischen und eindeutig unmöglichen (zumindest für alle rationalen Menschen) Heldentaten von Petit teilzuhaben, immer noch eine endlos energiegeladene Figur und , müssen wir annehmen, so etwas wie ein Zauberer. Und Weitere großartige Dokumentationen finden Sie in unserer Liste der besten Beispiele auf Netflix .

65. Hunger (2008)

Unter der Regie von : Steve McQueen

Mit : Liam Cunningham, Michael Fassbender, Liam McMahon

Wie Sam Taylor-Wood, Julian Schnabel und, ähm, Tony Hart, entpuppte sich der Künstler und Regisseur Steve McQueen als Meister in beiden Studioarten. Sein Debütfilm, eine nüchterne Meditation über politischen Protest, verdrängte die eigentliche Politik hinter Bobby Sands (Fassbender) Hungerstreik von 1981 weitgehend, um den Mann selbst näher zu betrachten. Es ist auf jeden Fall keine einfache Uhr. Michael Fassbenders erstaunliche Darstellung des sterbenden IRA-Mannes ist ein beunruhigender Anblick, während McQueens Labyrinth-Gefängnis, mit Fäkalien verschmierte Wände, mit Urin schwappende Korridore und all das, Ihre Träume verfolgen werden. Die 33 Pfund Fassbender verloren für das Teil, a Maschinist -ähnliche Abmagerung, übersetzt sich in eine Performance voller Entschlossenheit mit schweren Lidern: Der Körper des gebrechlichen Sands wird stärker, je stärker er erscheint, eine Dichotomie, die der Schauspieler voll auslotet. Sein 17-minütiger Austausch mit dem katholischen Priester von Liam Cunningham bietet eine elektrisierende Herzstückszene, die in einer unaufdringlichen Einstellung von McQueens Kamera eingefangen wurde. Okay, Hunger ist wahrscheinlich kein Film, in dem man sich mit einer Pizza niederlassen kann, aber es ist ein wesentliches Stück moderner Kunst von einem Regisseur, von dem wir noch viel mehr sehen werden.

64. Der Lavender Hill-Mob (1951)

*Unter der Regie von : Charles Crichton

Mit : Alec Guinness, Stanley Holloway, Sid James, Alfie Bass

Ein weiteres funkelndes Preisjuwel in der bereits glänzenden Krone der Ealing Studios, Der Lavender Hill-Mob ist eine urig britische, leicht satirische Komödie, die zu ihren besten gehört. Produziert mitten in den Jahren, die viele als die besten Jahre des Studios ansehen (die Nachkriegszeit von 1947 bis 1955), haben Regisseur Charles Crichton und der Oscar-prämierte Drehbuchautor T.E.B. Clark fabrizierte eine sympathische amoralische Krimikapriole, in deren Mittelpunkt Alec Guinness' sanftmütiger Bankangestellter steht, der beschließt, einen brillanten Goldraub durchzuziehen. Obwohl spätere Szenen auf eine möglicherweise dunklere Richtung hindeuten (die Verfolgungsjagd auf dem Eiffelturm zum Beispiel hat offensichtliche Nuancen von Hitchcock), ist dies eine leichtere Angelegenheit als andere Ealing-Meisterwerke wie Freundliche Herzen und Kronen oder Die Ladykiller . Die Besetzung singt (nicht wörtlich), aber die befriedigendsten Momente gehören beide zu Guinness; erstens, als ihm klar wird, dass er der Boss der gleichnamigen Mafia ist, und zweitens, als er liebenswürdig zugibt, dass er gerne 'Holländer' genannt werden würde.

63. Streitwagen des Feuers (1981)

Unter der Regie von : Hugh Hudson

Mit : Ben Cross, Ian Charleson, Nigel Havers, Cheryl Campbell, Ian Holm

Streitwagen des Feuers ist vielleicht die Definition eines Films, der zu erfolgreich für sich selbst wurde. Newcomer des 21. Jahrhunderts in Hugh Hudsons klassischem Sportdrama müssen sich durch einen Hype im Wert von Hindernissprüngen graben, ein Schlagwort, das wie eine Sturmwolke auftaucht (Drehbuchautor Colin Welland wird es immer bereuen, „The British are coming“, wenn er seinen Oscar abholt), und eine kleine Armee von Zylinder tragenden, immer so hochnäsigen Charakteren, über die man gelegentlich nicht lachen kann. Aber wenn Sie all das durchschauen können, gibt es darunter einen wunderschönen Film, der sich mit Hingabe und Identität, Religion und Ruhm befasst. Und ganz zu schweigen von Vangelis' immer noch umwerfender, wenn auch leicht klischeehafter Filmmusik, einem Synthesizer-lastigen Meisterwerk, das irgendwie perfekt zum Setting des Films aus den 1920er Jahren passt. Es ist ein Musikstück, das so großartig ist, dass es Zookeeper sehenswert machen würde, und wir sagen das nicht leichtfertig. Da das Jahr der Olympischen Spiele in London schnell näher rückt, können Sie davon ausgehen, dass der Film in einem Aufflammen von Nicht-Sonntags-Patriotismus und leicht melodischem Pfeifen wieder beliebt wird. Hurra!

62. Geheimnisse und Lügen (1996)

Unter der Regie von : Mike Leigh

Mit : Brenda Blethyn, Marianne Jean-Baptiste, Timothy Spall, Phyllis Logan

Wie viele Filme von Mike Leigh, Geheimnisse und Lügen wurde nur lose geschrieben, während die Besetzung den Rest improvisierte. Die zentrale Idee stammt ganz von Leigh – in diesem Fall entdeckt eine adoptierte schwarze Frau aus der Mittelschicht (Jean-Baptiste als Hortense Cumberbatch), dass ihre wahre Mutter weiß und aus der Arbeiterklasse stammt (Blethyn als Cynthia Purley), was beide Leben in eine emotionale Situation bringt Strudel - aber zum größten Teil sind die Texte die eigenen der Schauspieler. Das hielt die Akademie nicht davon ab, Leigh für das beste Drehbuch (sowie für die beste Regie und den besten Film, zusätzlich zu den Auszeichnungen für Jean-Baptiste und Blethyn) zu nominieren – und das hätte sie auch nicht tun sollen. Leighs unorthodoxe Regietechnik ist vielleicht nicht Hollywoods Art, Dinge zu tun, aber wenn das Ergebnis so berührend und urkomisch ist wie Geheimnisse und Lügen , es spielt keine große Rolle. Sicher, kein goldener Glatzkopf landete in Leighs Händen, aber viele BAFTAs taten es, ebenso wie die Palme d'Or, was es mit Sicherheit zum größten kritischen Erfolg seiner Karriere machte.

61. Der volle Monat (1997)

Unter der Regie von : Peter Cattaneo

Mit : Robert Carlyle, Mark Addy, Tom Wilkinson, Paul Barber, Hugo Speer

Zyniker kritisieren oft, dass das britische Kino in zwei unterschiedliche Kategorien fällt: die glänzenden Kostüme und die düsteren Dramen des Nordens. Dieser schafft es jedoch, die im ständigen Schatten des wirtschaftlichen Zusammenbruchs immer noch sehr präsente Grimmigkeit mit einem Sinn für Humor und stiller Entschlossenheit aufzusäuern, während eine Bande arbeitsloser Stahlarbeiter versucht, ein wenig Geld zu verdienen, indem sie sich entkleiden völlig nackt für eine Horde bellender Frauen. Es ist eine wahre Underdog-Geschichte, zusammengeklebt durch immens sympathische Darbietungen, besonders von Carlyle, Addy und Wilkinson, die alle nach ihren Auftritten hier in Hollywood eingeführt wurden. Sehenswert allein schon wegen der Tanzszene in der Warteschlange des Postamts, in der jedes Teammitglied leise beginnt, sich im Takt der Musik zu verschieben, während sie auf ihre Arbeitslosengeldschecks warten.

60. Die Nacht eines harten Tages (1964)

Unter der Regie von : Richard Lester

Mit : Paul McCartney, John Lennon, Ringo Starr, George Harrison

Dies ist mehr als nur eine Musikpromo. Es ist mehr als ein Vor-MTV-Versuch, eine Band durch Film zu vermarkten. Es ist eine ehrliche Komödie mit echtem Witz und Herz und auch - nicht zufällig - einigen tollen Melodien. Ein Tag im Leben der Fab Four auf dem Höhepunkt der Beatlemania, der vor ihrem unvermeidlichen Niedergang (so dachten die Führungskräfte) hinausgeeilt war, war ein langer Weg, um die populäre Wahrnehmung jedes einzelnen der Gruppe zu etablieren, mit Lennon als Klugscheißer McCartney der vernünftige, Harrison ruhig und Starr ein Clown. Abgesehen von den offensichtlichen Comic-Elementen entsprach vieles ihrem damaligen Leben, Drehbuchautor Alun Owen verbrachte Wochen mit der Band, um ihre Realität zu beobachten, bevor er sein Drehbuch erstellte. Richard Lesters sichere Regie und weitere fantastische Akzente rundeten das Bild ab, erfanden das Musikbiopic neu und inspirierten alles von Spionagefilmen bis zu The Monkees.

59. Spannender Tom (1960)

Unter der Regie von : Michael Powell

Mit : Carl Böhm, Anna Massey, Moira Shearer, Maxine Audley

Die dunklere Seite von Michael Powell, einer Hälfte von Großbritanniens größtem Filmemacher-Double-Act, kam zum Vorschein, wenn sein alter Kumpel Emeric Pressburger nicht da war. Powell machte sich mit diesem verblüffenden Thriller über einen serienmörderischen Filmemacher (Boehm), der seine Untertanen mit einer in seinem Stativ versteckten Klinge ermordet, auf den Weg. Publikum und Kritiker hassten es, und die Kontroverse um seine Veröffentlichung war so scharf, dass es Powells Karriere praktisch beendete. Seltsamerweise war es nicht ganz allein in seiner Grenzüberschreitung: Hitchcocks Psycho lieferte zur gleichen Zeit ähnlich psychosexuelle Schocks über den Teich. Der Unterschied? Hitch schnappte sich vier Oscars und genug Kassengewinn, um das Bates Motel zu füllen; Spanner vor leeren Kinos gespielt. „Ganz böse“, schimpfte ein Kritiker – und das war eine der positiveren Kritiken. Die verblüffenden Ideen von Peeping Tom – insbesondere die Andeutung, dass das Publikum an Böhms brutalen Morden mitschuldig war – waren einfach zu viel für die zeitgenössischen Zuschauer, um darauf herumzukauen. Wie Martin Scorsese, einer der großen Verfechter des Films, betont: „Es zeigt, wie die Kamera verletzt und die Aggression des Filmemachens.“ Wie Mann beißt Hund In einer reaktionäreren Ära sagte es Dinge, die niemand hören wollte. Glücklicherweise verging die Zeit viel freundlicher, obwohl es immer noch kein brillanter Verabredungsfilm ist.

58. Slumdog-Millionär (2008)

Unter der Regie von : Danny Boyle

Mit : Dev Patel, Freida Pinto, Madhur Mittal, Anil Kapoor

Zähle alle Punkte zusammen, Slumhund hat 2008 acht Oscars (von zehn Nominierungen) – darunter Bester Film, Beste Regie und Bestes adaptiertes Drehbuch – sowie sieben BAFTAs, vier Golden Globes und eine ganze Zugladung mehr Gongs abgeräumt. Wie auch immer Sie es schneiden, es ist eins groß Kaminsims. Wenn man es sich jetzt noch einmal ansieht, ist leicht zu verstehen, warum. Anthony Dod Mantles großartige Kinematographie macht Indien zu seinem ganz eigenen, und Jamal (Patel) und Latika (Pinto) liefern die süßesten romantischen Momente, die in diesem Jahrhundert in den Kinos zu sehen waren – einschließlich dieser glorreichen Tanzsequenz während des Abspanns. Einige Kritiker proklamierten es als „gut fühlen“, aber angesichts der anhaltenden Dunkelheit (Kindersklaverei, batteriegestützte Verhöre, Drogenhandel und Gewalt, irgendjemand?), die auftaucht, sind wir uns nicht sicher, woher sie diese Idee haben. Dennoch bleibt es ein atemberaubendes, Capra-artiges Hollywood-Melodram, das die Welt umgehauen hat und alle daran erinnert hat, was für ein fantastischer Regisseur Danny Boyle sein kann – als ob das zweifelhaft wäre.

57. Mein Name ist Joe (1998)

Unter der Regie von : Ken Loach

Mit : Peter Mullan, Louise Goodall, David McKay

Andere Ken Loach ein Stück unerschrocken realer sozialer Auseinandersetzung, ein weiteres Meisterwerk, das die Massen wahrscheinlich nicht gesehen haben werden. Wieder mit Fokus auf von Armut betroffene Personen, die im System gefangen sind, Mein Name ist Joe folgt Peter Mullan 's reformierter, alkoholkranker Spinner Joe, der die örtliche Fußballmannschaft in Glasgows gemeinen Straßen trainiert und versucht, die Flasche und jeden Ärger zu vermeiden. Umgänglich, gehetzt und sympathischer als Rocky, ist es eine atemberaubende Tour de Force des schottischen Szene-Stammgasts Mullan, die den Preis für den besten Schauspieler, den er in Cannes gewonnen hat, absolut verdient. Düster und tragisch, aber irgendwie hoffnungsvoll, viele werden sich ein weniger düsteres Finale wünschen, aber so sehr engagiert sich Loach für Realismus. Und im Blockbuster-Territorium sieht man selten so mutige Enden.

56. Shakespeare verliebt (1998)

Unter der Regie von : John madden

Mit : Joseph Fiennes, Gwyneth Paltrow, Geoffrey Rush, Ben Affleck, Judi Dench

Das war der Film, der schlug Der Soldat James Ryan zum Oscar für den besten Film, wahrscheinlich weil er spritziger und frivoler ist als Spielbergs Bemühungen, auf die die Akademie gelegentlich reagiert. Wie Biopics gehen, ist es hoch an Erfindung und wenig an Fakten, aber es ist auch ein herrlich witziger literarischer Insider-Witz, der Shakespeares Leben als eine Shakespeare-Komödie der Fehler neu interpretiert. Tom Stoppards Drehbuchdoktorarbeit ließ das Drehbuch übersät mit Insiderwitzen und direkten Anspielungen auf die Arbeit des Barden, während eine Spielbesetzung aus RSC-Stars wie Judi Dench (so gut wie Elizabeth I., dass ihr Cameo ihr einen Oscar einbrachte) und amerikanischen Emporkömmlingen wie damals – Ingenue Paltrow und Ben Affleck stürzten sich in die Kapriole. Tragödie und Komödie zu vermischen, ist vielleicht nicht – ganz – hohe Kunst, aber es macht riesigen Spaß.

55. Tom Jones (1963)

Unter der Regie von : Toni Richardson

Mit : Albert Finney, Susannah York, Hugh Griffith, Edith Evans

Die Bewegung hin zum sozialen Realismus in britischen Filmen der 1960er Jahre war nicht nur auf die Gegenwart beschränkt; Diese Bemühungen von Tony Richardson zeigten, dass sie auch auf historische Filme angewendet werden konnten, und noch dazu auf derbe literarische Adaptionen. Albert Finney zeigte sich von seiner übermütigen, charmanten Seite als der junge Rapscallion des Titels, der von einem freundlichen Adligen als Bastard aufgezogen wurde, aber seine wahre Liebe durch seine niedrige Geburt verleugnete. Stattdessen lässt er sich auf eine Reihe von Liebesaffären ein, die von einem eifersüchtigen Rivalen verfolgt werden, bis schließlich in letzter Minute alles zusammenpasst. Es ist akribisch recherchiert und konstruiert, aber alles mit einer so luftigen Unbekümmertheit und einem solchen Flair, dass die Charaktere sogar mit der Kamera interagieren und sich auf den Filmstil beziehen (zum Beispiel diese Stummfilmeröffnung), dass es sich sowohl durch und durch modern anfühlt (sogar jetzt) ​​als auch Sehr 60er Jahre, gewann eine Reihe von Oscars für seine Mühe.

54. Sonntag Blutiger Sonntag (1971)

Unter der Regie von : Johann Schlesinger

Mit : Peter Finch, Glenda Jackson, Murray Head

John Schlesingers Nachfolger des Oscar-Preisträgers Mitternachts-Cowboy ist der persönlichste Film in der Karriere des Filmemachers. Der erste Film, der ein nicht wertendes Porträt einer homosexuellen Figur in einer Hauptrolle zeigt, Sonntag blutiger Sonntag ist eine exquisit erforschte Menage a trois zwischen Peter Finchs schwulem jüdischem Arzt, Glenda Jacksons Karriereberater und dem Bildhauer (Murray Head – er von Eine Nacht in Bangkok Ruhm), den das Paar beide liebt. Dies ist kein Film über Sexualität (obwohl Finch und Heads liebevoller Kuss damals für Aufsehen sorgte); Es ist ein Film über die Details komplexer Beziehungen, der durch ein Trio großartiger Darbietungen verwirklicht wird. Halten Sie auch Ausschau nach einem 14-jährigen Daniel Day-Lewis in der Nebenrolle als Vandale.

53. Harry Potter und der Gefangene von Askaban (2004)

Unter der Regie von : Alfonso Cuaron

Mit : Daniel Radcliffe, Emma Watson, Rupert Grint, Gary Oldman, David Thewlis, Michael Gambon

Der dritte und immer noch der beste der Töpfer Filme, das war der, wo es magisch wurde. Befreit von den Welterschaffungspflichten, die Chris Columbus in den ersten beiden Filmen auf sich genommen hatte, reduzierte Alfonso Cuarón die Geschichte, verstärkte die Attitüde und fügte dem Verfahren eine gewisse Schärfe hinzu. Ihm hilft auch die Tatsache, dass dies vielleicht das beste der Bücher ist, das den Einsatz deutlicher erhöht als jede andere einzelne Folge und ein willkommenes Element der Mehrdeutigkeit in die heiligen Hallen von Hogwarts bringt, mit der Entwicklung, dass ein entflohener Gefangener dafür verantwortlich sein könnte Tod von Harrys Eltern (oder auch nicht) und dass der coole neue Lehrer gefährliche Geheimnisse verbergen könnte. Die Filme mögen immer dunkler werden, aber dieser hatte genau die richtige Mischung aus Schatten und Licht.

52. Die 39 Stufen (1935)

Unter der Regie von : Alfred Hitchcock

Mit : Robert Donat, Madeleine Carroll, Peggy Ashcroft, John Laurie

Bevor Michael Balcon das goldene Zeitalter der Ealing Studios präsidierte, erinnert man sich am besten daran, dass er einem talentierten Filmemacher aus East London einen Vorsprung in der knallharten britischen Filmindustrie verschaffte. Dieser Mann? Alfred Hitchcock. In den 20er-Jahren drehte er frühe Potboiler für Balcons Gainsborough Pictures, bevor er mit Balcon quer durch London in die Lime Grove Studios zog, die Heimat dieses Klassikers. Die 39 Stufen ist ein Kompendium klassischer Hitchcock-Markenzeichen, von Robert Donats „falschem Mann“ bis hin zu einem finsteren MacGuffin und einem verärgerten Hitch-Cameoauftritt, der die Kampagne „Keep Britain Tidy“ zu Todfeinden machen würde. Erleben Sie auch die Chemie, die er zwischen seinen romantischen Hauptdarstellern entfacht – das resolute Paar von Donat und Carroll, die sich ihren Weg durch die schottischen Highlands bahnen und sich in die Arme schließen – und die ständig wachsende Paranoia, während dieser Spionagering seine schändliche Arbeit verrichtet. Die Identität dieser Spione wird nie angegeben, aber wenn sie keine Reiseausgaben von Mein Kampf , du kannst unsere Gesichter schmelzen.

51. Wallace & Gromit im Fluch des Werhasen (2005)

Unter der Regie von : Steve Box, Nick Park

Mit : Peter Sallis, Helena Bonham Carter, Ralph Fiennes, Peter Kay

Wir hofften und beteten, dass Aardmans Stop-Motion-Zauberer einen Weg finden könnten, unsere Claymation-Helden in Filmstars zu verwandeln. Konnten sie den Witz und die Lebendigkeit von Wigans entzückendem Duo wirklich anderthalb Stunden lang aufrechterhalten? Würde Wallace unterwegs nicht eine Überdosis Käse nehmen? Wir hätten uns keine Sorgen machen müssen. Das Funkeln Fluch des Werhasen strotzt nur so vor Ideen und Energie, schillernde Filmfans mit schlauen Verweisen auf alles von Hammer-Horror und Der unglaubliche Hulk zu König Kong und Top Gun , und hüpft wie ein Hund in Eile. Die Handlung, von der wir törichterweise dachten, dass sie im Stich gelassen werden könnte, stellt den berühmt schweigsamen Dogwarts-Absolventen und seinen Wensleydale-kauenden Besitzer (Sallis) gegen den heimtückischen Victor Quartermaine (Fiennes) an, der mutierende Hasen, preisgekrönte Kürbisse und die noblen as-biscuits Lady Tottington (Bonham Carter) mit auf die Fahrt. Kurz gesagt, es ist die wunderbarste englische Animation, die es gibt.

50. Hot Fuzz (2007)

Unter der Regie von : Edgar Wright

Mit : Simon Pegg, Nick Frost, Jim Broadbent, Paddy Considine, Timothy Dalton, Edward Woodward

Für den Buddy-Cop-Actioner zu tun, was sie für den Zombiefilm getan haben Shaun of the Dead , Abstand Das kreative Trio von Simon Pegg, Nick Frost und Regisseur Edgar Wright schaffte es auf der großen Leinwand zwei für zwei. Wenn auch nicht ganz so durchweg urkomisch wie Shaun oder so blendend-frisch wie Abstand , die zweite ihrer geplanten Blood and Ice Cream-Trilogie, nagelt erneut die Genre-Klischees mit allen Mitteln fest Punktbruch zu Böse Jungs II (beide offen referenziert) humorvoll gehuldigt. Es ist zunächst ein bisschen verwirrend, Pegg als den heterosexuellen Mann zu sehen, aber seine natürliche Chemie mit seinem langjährigen echten Kumpel Frost bleibt liebenswert wie immer. An anderer Stelle, die Scooby Doo -trifft- Schrei Mystery ist gespickt mit Großbritanniens besten Talenten, die die Klischees der englischen Kleinstadt mit großer Wirkung in einer brillant unpassenden Begegnung von verschlafenem Landleben und stechender Gewaltaktion spielen.

49. Im Zorn zurückblicken (1959)

Unter der Regie von : Toni Richardson

Mit : Richard Burton, Claire Bloom, Mary Ure, Gary Raymond

Wenn er nicht seinen teuflischen Charme an Elizabeth Taylor ausübte, mit Peter O'Toole und Richard Harris in Bars abhing oder mit bloßen Händen Haie jagte, war Richard Burton auch ein großartiger Schauspieler. Hier ist ein früher Beweis. Burton kommt in Tony Richardsons Melodram als Jimmy Porter, ein Jazz-Mann, der in einer Art Sackgasse steckt, die mit britischen New-Wave-Rebellen gefüllt ist, seiner besten Form sehr nahe. Von brennender Wut geschürt, sind Porters Leidenschaften für den feurigen Burton das, was Broadsword für Danny Boy ist. Wenn er die schlaue Helena (Claire Bloom) anbrüllt: „Ich habe keine öffentlichen Schulskrupel, Mädchen zu schlagen“, dann weißt du, dass es keine leere Drohung ist. Er ist Straßenbahn 's Stanley Kowalski über drei Pints ​​Bitter; das, was das Derby der 1950er Jahre seinem eigenen Vulkan am nächsten kommt. So klaustrophobisch und unbequem wie das Bühnenstück von John Osborne, auf dem es basiert, war es die erste Salve im Klassenkampf des britischen Kinos.

48. Auf den Kopf gestellt (1999)

Unter der Regie von : Mike Leigh

Mit : Jim Broadbent, Allan Corduner, Timothy Spall, Kevin McKidd, Shirley Henderson

Hier ist ein Mike-Leigh-Film, selbst für Leute, die Mike-Leigh-Filme nicht mögen, der ultra-naturalistische Stil des Regisseurs, der durch die historische Kulisse gemildert und durch die gesteigerten Emotionen seiner Charaktere verstärkt wird. Es ist keine Küchenspüle in Sicht, als Gilbert (Broadbent) und Sullivan (Corduner) zusammenarbeiten, um ihre von Japan inspirierte Comic-Oper The Mikado zu schaffen, umgeben von Darstellern, die alle ihre eigenen Neurosen und Krisen haben (und die übrigens ihren eigenen Gesang machen). zu booten). Broadbent und Corduner sind ein wunderbar ungleiches, aber sich gegenseitig bewunderndes Paar: der eine ein solider Familienvater, der andere ein hurenliebender Drogenabhängiger. Leighs unaufdringlicher Stil verhindert, dass dieser Film in die üblichen selbstgefälligen Klischees des historischen Dramas abgleitet, und vermischt Komödie und Tragödie zu etwas, das sich so chaotisch und schön anfühlt wie das wirkliche Leben.

47. Der Weidenmann (1973)

Unter der Regie von : Robin Hardy

Mit : Edward Woodward, Christopher Lee, Britt Ekland, Diane Cilento

The Wicker Man ist nicht auf herkömmliche Weise beängstigend und wohl eher ein Gothic-Mystery als ein Horrorfilm, aber Sie würden sich schwer tun, ein verstörenderes und schrecklicheres Filmerlebnis zu finden. Robin Hardys seltsam verführerischer Kult-Chiller ist sicherlich einer der schaurigsten britischen Filme, die jemals gedreht wurden, und hat von dem Moment an etwas undefinierbar Beunruhigendes, als Edward Woodward die abgelegene schottische Insel betritt. Während sein zugeknöpfter Christian Copper vom Festland nach einem angeblich vermissten Mädchen sucht, entwickelt sich dieser seltsame Ort auf unheimliche Weise von einer kleinen Stadt exzentrischer Einheimischer zu einem paranoisch anmutenden Asyl ohne Ausweg. In der Hauptrolle war Woodward noch nie besser (außer vielleicht in The Equaliser), während niemand so finstere Drohungen macht wie Christopher Lee und seine brennenden Augen.

46. ​​Der englische Patient (1996)

Unter der Regie von : Anthony Minhella

Mit : Ralph Fiennes, Juliette Binoche, Kirsten Scott Thomas, Willem Defoe, Naveen Andrews

Auch wenn Anthony Minghellas Tod das britische Kino einer seiner schillerndsten Stimmen beraubt hat, ist diese herzzerreißende Kriegsromanze ein passender Beweis für sein Talent. Als Bester Film-Gewinner ist es eine perfekt abgestimmte Adaption von Michael Ondaatjes Roman, voller Zärtlichkeit und Sehnsucht. Als die Sonne Nordafrikas auf den rätselhaften Grafen Laszlo von Ralph Fiennes niederbrennt, der in seinem abgestürzten Doppeldecker schrecklich verbrannt ist, werden alle anderen Erwägungen außer einem hinweggefegt: seiner wilden Leidenschaft für die Frau, die er liebt. Ein Teil seines Erfolgs ist der herausragenden Crew der Oscar-prämierten Minghella zu verdanken. Walter Murchs Schnitt (ein weiterer Oscar-Preisträger) wechselt vom Drama aus Nordafrika zu Italiens muschelübersäten Seitenstraßen, während uns John Seales Fotografie (ja, Sie haben es erraten) eine der besten Werbungen für die Toskana bietet, die sich dem Zelluloid verschrieben hat. Wenn Sie sich diesen Film ansehen können und nicht direkt dorthin gehen und mit der Entschärfung von Bomben beginnen möchten, haben Sie sich einen anderen Film angesehen.

45. Schwarze Narzisse (1947)

Unter der Regie von : Michael Powell, Emeric Pressburger

Mit : Deborah Kerr, Sabu, Jean Simmons, David Farrar, Flora Robson

In dem von der Kritik gefeierten Gothic-Melodrama der Archers spielt Deborah Kerr Schwester Clodagh, eine junge Nonne, die mit vier anderen Schwestern ausgesandt wurde, um in einem verlassenen Palast im Himalaya ein Kloster zu gründen. An diesem Punkt beginnen die Dinge schief zu gehen. Sehr falsch. Zum Beispiel Nonne, die vor Eifersucht verrückt wird und unangemessen viel Eyeliner falsch aufträgt. Im Grunde ein Psychodrama, Schwarze Narzisse Die emotionale Resonanz von in einer von Nonnen benachteiligten modernen Welt mag etwas geringer sein, aber sein Einfluss unter modernen Regisseuren lässt sich nicht leugnen. Scorsese nennt ihn zum Beispiel als einen seiner Lieblingsfilme. Dann ist da noch die beeindruckende Kinematografie von Jack Cardiff, einer wahren Größe des britischen Kinos. Die glänzende Fotografie ist besonders erstaunlich, wenn man bedenkt, dass der Film, obwohl er in Darjeeling spielt, fast vollständig in den Pinewood Studios gedreht wurde. Kein Wunder also, dass sowohl Cardiff als auch Art Director Alfred Junge für ihre Arbeit Oscars gewonnen haben. Es bleibt eine der besten Technicolor-Produktionen aller Zeiten.

44. Sexy Biest (2000)

Unter der Regie von : Jonathan Glaser

Mit : Ray Winstone, Ben Kingsley, Amanda Redman, Ian McShane, James Fox

Wir alle kennen Sir Ben Kingsley, richtig? Kleiner Kerl, gespielt Gandhi , ziemlich raffiniert und gut gesprochen. Nun, nicht mehr. In dieser Variante des Gangsterfilms ist er der psychotische Gangsterboss Don Logan, der den glücklich pensionierten Gary Dove (Ray Winstone) von einem letzten Job zurück nach London ruft. Unheimlich magnetisch, wenn er still ist, absolut furchteinflößend, wenn er anfängt, Obszönitäten auszuspucken und sich zu verhalten, es ist eine Leistung, die Sie davon überzeugen wird, dass dieser Mann sogar den massigen Winstone zum Gehorsam einschüchtern könnte. Zugegeben, der One-Last-Job-Hook wurde schon einmal gemacht, aber die Charakterisierung ist hier so frisch und überraschend – und die Costa del Sol stellt eine so schöne Abwechslung zum üblichen düsteren Himmel dar – dass es sich sehr wie ein eigenes Biest anfühlt.

43. Große Erwartungen (1946)

Unter der Regie von : David Lean

/Mit John Mills, Valerie Hobson, Alec Guinness, Martita Hunt

Das Problem bei der Adaption von Romanen von Charles Dickens für die Leinwand ist, dass er im Wesentlichen nach dem Wort bezahlt wurde. Die daraus resultierenden weitläufigen Epen ergeben nicht die Art von schlanker, muskulöser Erzählung, die sich natürlich für einen Film eignet. Aber das Tolle an dieser Version seiner Fabel vom Tellerwäscher zum Millionär ist, dass es Lean und seinen Drehbuchautorenkollegen gelungen ist, eine zentrale Geschichte zu finden – Pips (Mills) Liebe zu Estella (Hobson) –, um den Film herumzuhängen, während sie dennoch genug Platz ließen für die einprägsameren Nebenfiguren (Hunts Miss Havisham, Francis L. Sullivans Jaggers, Finlay Curries Magwitch und Guinnesss Herbert Pocket). Die Schwarz-Weiß-Fotografie ist wunderschön, einige davon David Lean 's Vorfarbe am besten und die Geschichte so fesselnd, dass Sie die riesigen Zylinder übersehen können.

42. Der Mann, der auf die Erde fiel (1976)

Unter der Regie von : Nikolaus Griechenland

Mit : David Bowie, Rip Torn, Candy Clark

Wenn Sie ein Bowie-Fan sind, der nach einem weiteren Film mit Ziggy Stardust sucht, ist dies nicht der Film, den Sie suchen. Während Jim Hendersons mit Puppen gefülltes Spektakel Unterhaltung im Mittelpunkt hatte, versucht Nicolas Roegs überdenkliches Meisterwerk nur, Ihr Gehirn dazu zu bringen, mehrere Gedanken gleichzeitig zu machen. Schichten von Referenzen bedecken Decken aus Metaphern und machen aus einer scheinbar einfachen „Mensch aus der Zeit, aus der Bahn geworfen“-Geschichte einen kinnkratzenden Kultklassiker. Aber das ist eine sehr gute Sache. Roeg gibt Bowies schauspielerischem Können ein höllisches Training und führt ihn durch Phasen der Ekstase, der Qual und überall dazwischen, bevor er gebrochen, alkoholisiert und einsam ist, eine Million Meilen von zu Hause entfernt. Praktisch die Definition des Films, der wiederholte Betrachtungen erfordert, ist es interessant festzustellen, dass Bowies wegweisend ist Niedrig Das Album enthält Musik, die ursprünglich für den Soundtrack des Films gedacht war. Wenn Sie es sich also das nächste Mal ansehen, achten Sie darauf, es nebenher abzuspielen.

41. Monster (2010)

Unter der Regie von : Gareth Edwards

Mit : Scoot McNairy, Whitney Able

Die meisten Independent-Filme würden nicht einmal versuchen, die großen Studiobilder in Bezug auf den Produktionswert zu erreichen. Und in den meisten Fällen haben sie Recht, es nicht zu versuchen. Aber dem britischen Erstlingsregisseur Gareth Edwards gelang damit Erstaunliches Monster . Er führte nicht nur selbst Regie, schrieb, produzierte und drehte den Film (vor Ort in Süd- und Mittelamerika), er machte auch die visuellen Effekte und erschuf hoch aufragende Alien-Kreaturen, die so überzeugend und beeindruckend sind, wie man sie in jedem Hollywood findet Kassenschlager. Nicht, dass irgendjemand erwarten sollte, dass der Film ein vollwertiges Kreaturen-Feature ist; In einem kühnen Schlag stellt Edwards die Aliens-auf-Erde-Action größtenteils in den Hintergrund und konzentriert sich stattdessen auf das Paar (Whitney Able und Scoot McNairy), das gezwungen ist, durch die von Außerirdischen verseuchte „Infizierte Zone“ zu reisen. Eine Roadmovie-Lovestory mit Monstern? Warum nicht?

40. Herr Turner (2014)

Unter der Regie von : Mike Leigh

Mit : Timothy Spall, Dorothy Atkinson, Marion Bailey, Lesley Manville, Martin Savage

Vergiss das Grunzen, Timotheus Spall s Darstellung von J.M.W. Turner ist die Darbietung seiner illustren Karriere. Sein physischer Ausdruck des tiefen emotionalen Hinterlandes des großen Malers bringt zwar seinen Anteil an Schniefen, Grunzen und Keuchen mit sich, aber sie verleihen seinen Interaktionen nur einen seltsamen, pummeligen Charme, insbesondere mit seinem Vater (Paul Jesson), seiner Geliebten und Haushälterin (Dorothy Atkinson). ) und das Malen von Platzhalter Benjamin Haydon (Martin Savage). Die ersten beiden liebt er; Letzteres toleriert er wohlwollend. Das sanfte, angemessen kunstvolle Biopic, das entsteht, ist eines davon Mike Leigh Die schönsten Momente.

39. Der italienische Job (1969)

Unter der Regie von : Peter Collins

Mit : Michael Caine, Noel Coward, Benny Hill, Tony Beckley, Rossano Brazzi

Fragen Sie die meisten Filmliebhaber, woran sie sich am meisten erinnern Der italienische Job und die Worte „Turin-Stau“, „Raub“, „Mini“ und „Flucht“ werden prominent vertreten sein – und das zu Recht. Aber eine Wiederholung am Boxing Day wird jeden Gelegenheitsfan daran erinnern, was für ein Camp-Comic-Triumph dieser Film ist. Sicher, es geht auch um den Stolz, den jeder Engländer empfindet, wenn britisches Zupfen und Derring-do (einen Teil) des Tages (irgendwie) gewinnen, aber mit Charakteren wie Benny Hills Professor Simon Peach mit seiner Vorliebe für übergroße Damen und Noel Cowards nicht ganz königlich ernannter Gangsterboss Mr. Bridger, das lässt sich nicht leugnen Der italienische Job 's Kichern ist fest verwurzelt in frechen Küstenpostkarten und allem, was so weitergeht. Aber es liegt an diesem unantastbaren Team von komischen Talenten – Caine im Besonderen – sowie an den rasanten Raubpossen und dem „England! England!“ Welle des Patriotismus, die aus den Eingängen der Turiner Kanalisation bricht, es ist unvorstellbar, dass jemand, der auf dieser Zepterinsel geboren ist, zusehen kann Der italienische Job ohne zu lächeln.

38. Der Abstieg (2005)

Unter der Regie von : Neil Marshall

Mit : Shauna Macdonald, Natalie Jackson Mendoza, Alex Reid, Saskia Mulder

Er heulte mit einem Werwolf-Überraschungstreffer auf die Szene, Hunde Soldaten , aber Neil Marshall hat sich selbst mit dieser klaustrophobischen Fortsetzung übertroffen, in der sechs Höhlenforscherinnen im dunklen, tiefen Untergrund gefangen sind. In den USA angesiedelt (wo diese Dinge eher routinemäßig zu passieren scheinen), aber in Pinewood und vor Ort in Schottland gedreht, Der Abstieg nimmt einen von Natur aus gruseligen Ort ein und legt dann in einem nahezu unerträglichen Ausmaß Schrecken darüber. Während Sie also nur bei den alltäglichen Höhlenforschungsszenen zusammenzucken, werden Sie bald nostalgisch für diese Momente sein, wenn Sie vor Angst quasseln, wenn alles schief geht. Seine Errungenschaft ist unerbittlicher Terror, der bis zu den letzten Momenten (in der US-Version) oder vielleicht nicht einmal dann nachlässt. Letztendlich ein einfaches Konzept, das gekonnt umgesetzt wird, mit einer ausgewogenen Charakterdynamik, die Marshalls fachmännisches Verständnis des Horrorfilmemachens untermauert.

37. 28 Tage später (2002)

Unter der Regie von : Danny Boyle

Mit : Cillian Murphy, Naomie Harris, Christopher Eccleston, Brendan Gleeson

Ob wir ihn technisch als Zombiefilm einstufen oder ihn als „infiziert“ bezeichnen, es steht außer Frage, dass Danny Boyles Film den britischen Horror im Besonderen und das Horrorgenre im Allgemeinen aufgepeppt hat. Gedreht auf einem digitalen Video, das sowohl düster als auch hinreißend aussieht und Momente des herzzerreißenden Schreckens mit Abschnitten stillen Entsetzens angesichts des zutiefst unnatürlichen Anblicks eines leeren London kombiniert, ist es zum neuen Maßstab geworden und inspiriert eine Fülle von Nachahmern, aber nur wenige Gleichgestellte . Boyles Auge für Talente zahlt sich ebenfalls aus: Die Newcomer Cillian Murphy und Naomie Harris behalten selbst im Herzen des Sturms die Aufmerksamkeit, wie viele der monströsen Horde sie auch verfolgen, während Christopher Ecclestones spätes Erscheinen uns daran erinnert, dass Menschen nicht infiziert sein müssen ernsthaft störend sein. Dennoch muss es wiederholt werden: Die Infizierten sind wirklich schnell und ernsthaft beängstigend.

36. Wenn .... (1968)

Unter der Regie von : Lindsay Anderson

Mit : Malcolm McDowell, David Wood, Richard Warwick, Christine Noonan

Malcolm McDowell, dessen Talent, dem moralischen Empfinden Großbritanniens den sprichwörtlichen Stiefel zu verpassen, seine volle Stimme erhielt Ein Uhrwerk Orange , fand einen verwandten Geist in der öffentlichen Schule Old Boy und Brit New Wave-er Lindsay Anderson. Drei Jahre vor dieser Zusammenarbeit mit Kubrick ließ Anderson McDowell auf dem Dach des Cheltenham College mit einer Bren-Kanone und einigen ernsthaften Problemen mit der Robentyrannei des Internatslebens ausrüsten. Der Titel deutet wohl darauf hin, dass das von Kugeln durchsetzte Finale – Ein anderes Land trifft The Expendables – mag ein riesiger Käsetraum von McDowells anarchischem Schüler Mick Travis sein, aber der leidenschaftliche Aufschrei der Klassenrebellion des Films war ernst gemeint. Die einzige Frage: Wie um alles in der Welt hat Anderson seine Alma Mater dazu überredet, ihn dort filmen zu lassen? Wenn es eine schlechtere Werbung für ein Internat gibt – körperliche Bestrafung, Schwuchteln, VD-Klinik und so – haben wir sie definitiv nicht gesehen.

35. Ein Fisch namens Wanda (1988)

Unter der Regie von : Charles Crichton

Mit : John Cleese, Jamie Lee Curtis, Kevin Kline, Michael Palin

Vielleicht die beste Comic-Stunde aller ehemaligen Pythons, Ein Fisch namens Wanda war ein Ausreißer, 60-Millionen-Dollar-Hit. Er brachte Michael Palin einen BAFTA, Kevin Kline einen Oscar ein und bewies, dass ein Regisseur, der 25 Jahre nicht gearbeitet hatte, immer noch einen Fünf-Sterne-Film produzieren konnte. Auszeichnungen und Kassenschlager beiseite, die Tatsache bleibt: Es ist verdammt urkomisch. Bestimmte Szenen bleiben in Erinnerung, insbesondere John Cleeses grob unterbrochener Striptease für Jamie Lee Curtis, Michael Palin, der von Kevin Kline Chips in die Nase gerammt bekommt, Mrs. Coadys unglücklicher Tod durch Herzinfarkt und natürlich die Dampfwalze, um alle Dampfwalzen zu beenden , aber es ist das vereinte, bizarre, verrückte Ganze, das es zu einem Muss für jeden britischen Comedy-Fan macht. Darüber hinaus ermöglichte es das spätere Britcom-Oeuvre von Richard Curtis, indem es feststellte, dass sich britischer Exzentrismus verkaufen kann, das weltweite Interesse an Ealing-Komödien wiederbelebte und es einer Figur mit Cary Grants richtigem Namen – Cleeses unbeholfenem Anwalt Archie Leach – ermöglichte, wieder auf der Bühne zu leben großer Bildschirm. Nicht schlecht für einen Film, oder?

34. Ein Mann für alle Jahreszeiten (1966)

Unter der Regie von : Fred Zinnmann

Mit : Paul Schofield, Robert Shaw, Orson Welles, Susannah York, John Hurt, Corin Redgrave, Vanessa Redgrave

Jüngste Verleumdungen bei Hilary Martell Wolf Halle Ungeachtet dessen ist der Thomas More, der hier von Regisseur Fred Zinneman, dem Dramatiker und Drehbuchautor Robert Bolt und dem Schauspieler Paul Scofield präsentiert wird, die Art von Kerl, hinter der wir alle stehen können. More ist an der Spitze der Welt, ein Freund und Vertrauter von König Heinrich VIII., bereit für Macht und Reichtum – aber er kann sein eigenes Gewissen nicht kompromittieren, um Eigeninteressen zu verfolgen, also wenn der König eine Scheidung anstrebt und sich von ihm löst Church, More bringt sich selbst in Gefahr. Die Struktur, die sich so zwangsläufig aus den beteiligten Persönlichkeiten und ihrer Unnachgiebigkeit aufbaut, ist der Stoff der klassischen Tragödie, und sie wird hier wunderschön – und witzig – zum Leben erweckt. Kostbares Zeug aus einer Zeit, als das Kostümdrama noch kein Klischee für sich war.

33. Zulu (1964)

Unter der Regie von : Cy Endfield

Mit : Michael Caine, Stanley Baker, Jack Hawkins, James Booth

Auch nach den stark CG-unterstützten Likes von 300 oder Die zwei Türme , Zulu- bleibt die ultimative Kampfgeschichte in Unterzahl und Belagerung. Nach dem realen Vorfall, bei dem etwa 140 walisische Infanteristen während des Anglo-Zulu-Konflikts ihren isolierten Außenposten gegen über 4000 Krieger verteidigten, hängt seine Wirkung direkt von der Größe Ihres Seherlebnisses ab – also nicht weniger als ein Flachbildschirm in Juggernaut-Größe tun. Sicher, die erste Stunde oder so erfordert Geduld, aber wenn die ausschwärmenden Zulus in endlosen Wellen angreifen, ist es aufwühlend, obwohl Regisseur Cy Endfield offensichtlich bequemer mit dem Charakterdrama zwischen den Angriffen umgehen kann. Obwohl täuschend eher als Durchbruch für einen jungen Michael Caine bekannt (der gegen den Typ spielt und – keuch! – vornehm wird), ist es ein wichtiger Kriegsfilm für sich und ein liebevoller Gruß an die britische steife Oberlippe und Bewunderung der Außenseiter.

32. Sinn und Sinnlichkeit (1995)

Unter der Regie von : Die Lee

Mit : Emma Thompson, Alan Rickman, Kate Winslet, Hugh Grant

Im September 1995 erschien die mittlerweile legendäre sechsteilige BBC-Adaption von Stolz und Vorurteile begann und tätowierte das Bild eines fast hemdlosen und völlig durchnässten Mr. Darcy (Colin Firth) fest auf die Unterseite der Augenlider jeder britischen Frau. Beinahe brutal entfesselte Ang Lee Sinn und Sensibilität auf die von Darcy betrunkene Öffentlichkeit ein paar Monate später. Kinogänger standen angesichts dieses Glanzkreigs der Jane-Austen-Manie hilflos da und standen in Scharen Schlange, um den Doppelschlag zu erleben, den Hugh Grant und Alan Rickman in Reithosen anziehen und umwerben. Ein Großteil des Lobes sollte Thompsons Regie zuteil werden, die mit ihrem Oscar-prämierten Drehbuch und ihrer sanften, perfekten Darbietung den Film wunderbar trug, aber Lees Blick von außen erweckte Austen mit einem Elan und Verständnis zum Leben, über das die meisten englischen Filmemacher nur staunen konnten. Was ist mehr, Sinn und Sensibilität machte Kate Winslet auch zu einem nachweisbaren Filmstar. Austen wäre stolz.

31. Aufführung (1970)

Unter der Regie von : Nic Roeg, Donald Cammell

Mit : James Fox, Mick Jagger, Anita Pallenberg

Nic Roeg ist nicht nur einer der größten britischen Regisseure, sondern hat auch eine Simon-Cowell-ähnliche Begabung dafür, schauspielerische Fähigkeiten in Rockstars zu entdecken. Er hat überraschend gelungene Wendungen von Mick Jagger, Art Garfunkel und David Bowie (zweimal) gezeigt. In Jaggers Fall war das keine Kleinigkeit: Sein Ned Kelly war hölzerner als das Wohnzimmer eines Koalas, aber der Rolling Stone legte in Roegs Debütfilm noch einen Gang zu. Okay, er spielt einen Rockstar – da ist das –, aber seine hagere Coolness mit Gummilippen verleiht Roegs lysergischem Gangsterstreifen eine ernsthaft subversive Qualität. Seine Sexszenen mit Anita Pallenberg, der Femme Fatale, die sich in Turners Londoner Schlupfloch versteckt hatte, kamen bei seinem Bandkollegen, ihrem damaligen Freund Keith Richards, nicht besonders gut an, aber ihre Chemie auf (und außerhalb) des Bildschirms brachte einen zum Leuchten Alt-Gangster-Streifen, der von vornherein nicht gerade zu kurz kommt. James Fox' ausgefranste Kapuze hingegen ist eine wandelnde Fallstudie sexueller Unterdrückung und aufgestauter Gewalt, während Roegs visuelle Schnörkel uns in eine heruntergekommene Welt der Hipster und des Heroins der späten 60er-Jahre locken, die sich anfühlt wie eine X-Rated-Folge von Durch das Schlüsselloch .

30. Die Ladykiller (1955)

Unter der Regie von : Alexander Mackendrick

Mit : Alec Guinness, Cecil Parker, Herbert Lom, Peter Sellers, Katie Johnson

Der Film, der die Messlatte für kleine alte Damen überall höher gelegt hat, Die Ladykiller ist eine der schwärzesten Komödien in Ealings Repertoire an Freuden (lesen Sie weiter). Es ist nicht schwer zu verstehen, warum die Coen-Brüder trotz aller Mängel ihrer Version versucht haben, sie neu zu machen. Wie könnten sie nicht von einer Komödie mit einer höheren Körperzahl als Psycho gekitzelt werden? Rückblickend konnten Tom Hanks, J. K. Simmons und andere nie hoffen, mit dem fröhlichen Hämmern von Sellers, Guinness, Lom und ihrer Bande mithalten zu können, einer Identitätsparade von Vaudeville-Schurken mit genug punktgenauem komischem Timing, um die Atomuhr zurückzusetzen. Chuck in Katie Johnsons alte Liebe – und an einem Punkt versuchen sie genau das zu tun – und Sie haben eine urkomisch zynische Verzerrung der menschlichen Natur. Tatsächlich ist es ein Film, der so teerschwarz ist, dass er ein weiterer Klassiker von Alexander Mackendrick ist, Süßer Duft nach Erfolg , sehen aus wie Curly Sue.

29. Wer (1969)

Unter der Regie von : Ken Loach

Mit : David Bradley, Brian Glover, Freddie Fletcher

Immer noch Ken Loachs bester Film, schildert dieser wunderbar die Beziehung zwischen dem 15-jährigen Barnsley-Schuljungen Billy Casper (David Bradley), der zu Hause gemobbt und geschlagen, in der Schule ignoriert wird, und dem kleinen Turmfalken, den er aufzieht und liebt. Es ist eine fantastische Mischung aus dem Poetischen – Kameramann Chris Menges hat die Sequenzen von Billy mit seinem Vogel im Moor wunderbar inszeniert – und dem Alltäglichen – die Langeweile und der Rhythmus des Schullebens wurden selten eingefangen. Jeder erinnert sich an Brian Glover als den sadistischen Sportlehrer, der mit einem absurden Fußballspiel davonläuft, aber dies ist ein Film voller großartiger Leistungen, insbesondere Bradley als verletzlicher, glaubwürdiger Held. Immer wenn jemand die britische Filmindustrie mit a Sexleben der Kartoffelmänner oder ein Fette Arten , es ist ermutigend, sich daran zu erinnern, dass wir auch zu solch erhabener Brillanz fähig sind.

28. Borat (2006)

Unter der Regie von : Larry Charles

/Mit Sacha Baron Cohen, Ken Davitian, Pamela Anderson

Borat wurde vollständig von Sacha Baron Cohens Four By Two (Cockney reimender Slang für „Jude“ übrigens) produziert – und es ist leicht zu verstehen, warum. Denn welches große Studio würde einen Film über einen rassistischen, sexistischen, perversen Pseudo-Kasachstan-Journalisten produzieren, der durch die USA rennt und nach seiner neuen Frau – natürlich Pamela Anderson – sucht, während er die Amerikaner in der Nähe in Verlegenheit bringt und im Allgemeinen ein Arschloch ist? Allein der Mankini wäre Grund genug, ihn zu meiden, ganz zu schweigen von Antisemitismus und nacktem Wrestling (unsere Augen! Unsere Augen!). Zum Glück für Baron Cohen traf sein frei erfundener, absurd anstößiger Humor beim Kinopublikum einen Nerv, mit einem weltweiten Gewinn von 261 Millionen US-Dollar aus einer Investition von 18 Millionen US-Dollar. Nimm diesen Ali G, du großer Firmenausverkauf, du.

27. Schuhe des toten Mannes (2004)

Unter der Regie von : Shane-Wiesen

Mit : Paddy Considine, Toby Kebell, Stuart Wolfenden, Gary Stretch

Die meisten Filme auf dieser Liste sind in erster Linie wegen der Person hinter der Kamera hier. In diesem Fall und ohne Missachtung der zugesicherten Regie von Shane Meadows ist es die atemberaubende Wendung von Star und Co-Autor Paddy Considine, die ihm einen Platz einbrachte. Er ist das Rückgrat des Films, ein Ex-Soldat, der in seine Heimatstadt zurückkehrt und den Männern, die seinen jüngeren Bruder gemobbt haben, eine Welt voller Schmerzen bereitet. Das Ergebnis ist eine Art „Sympathy For Mr Derbyshire“, ein brutaler, aber seltsam mitfühlender Blick auf eine rücksichtslose und gewalttätige Figur, eine Art umgekehrter Slasher-Film. Ein Schaufenster für einen verdienten Schauspieler und ein perfektes Beispiel für die Fähigkeit des Indie-Sektors, Handlungsstränge anzugehen, vor denen Studios zurückschrecken würden, ist dies einer der besten britischen Filme seit Jahren.

26. Flaches Grab (1994)

Unter der Regie von : Danny Boyle

Mit : Ewan McGregor, Christopher Eccleston, Kerry Fox, Keith Allen, Peter Mullan, Ken Stott

Eine Welle des Hype trug diesen Thriller und drohte, ihn mit Proklamationen zu überschwemmen, dass die Briten kommen würden, dass Schottland sexy sei, dass dieser Ewan McGregor-Typ gut für sich selbst sein könnte. Nun, das ist alles wahr (außer dass Schottland sowieso sexy ist), aber es gibt noch mehr zu tun Flaches Grab als ein Schuss in den Arm für das britische Kino. Danny Boyles unglaublich stilvolle Geschichte über tote Leitungen, einen Koffer voller Geld und grassierende Paranoia ist eine inspirierte Mischung aus pechschwarzer Komödie und blutiger Gewalt, zusammengehalten von Karriere machenden Darbietungen und vernichtendem Witz. Drei zentrale Charaktere, die so fehlerhaft und böse sind, sind ein seltener Anblick im amerikanischen Kino – selbst im Independent-Bereich – und sie sind von einer verdammt guten Nebenbesetzung umgeben. Sie alle profitieren von Boyles aufkeimendem Regie-Flair und der erfolgreichen Partnerschaft mit dem Autor John Hodge und dem Produzenten Andrew MacDonald. Die Allround-Alchemie, kombiniert mit der Intelligenz und dem schieren Elan, die hier gezeigt werden, machen es zu einem Muss.

25. Das Leben und der Tod von Colonel Blimp (1943)

Unter der Regie von : Michael Powell, Emeric Pressburger

Mit : Roger Livesey, Deborah Kerr, Anton Walbrook

Winston Churchill mochte es nicht Oberst Blimp . Vielleicht lag es daran, dass seine Berater es als unpatriotisch abtaten, oder vielleicht lag es daran, dass er etwas von sich selbst in der Figur von Clive Candy sah. Was auch immer der Grund war, jedermanns beliebter, schwerfälliger Premierminister tat sein Bestes, um die Produktion zu stoppen, bevor die Apparatschiks des Informationsministeriums und des Kriegsministeriums es trotzdem erlaubten, weiterzumachen. Es ist auch gut so: Powell und Pressburger, Gründer des großen britischen Produktionshauses Archers Film Productions, betrachten es als ihr größtes Werk. Es ist sicherlich der Film, auf den sie am meisten stolz waren. Es ist ein großartiger, glorreicher Film, der sich mit der Natur des Patriotismus, der Essenz des Britischseins, dem Begriff der Ehre und dem Schrecken des Krieges durch die Karriere eines einzelnen Mannes befasst, und ein Lehrstück für die Erstellung des perfekten – wenn auch fiktiven – Biopics. Außerdem hätte Winston sich nicht mit dem ganzen Zensur-Gewirr herumschlagen müssen: Dies ist wahrscheinlich der patriotischste Film in der DVD-Sammlung eines Filmliebhabers – und wir schließen es ein Der italienische Job hier.

24. Mond (2009)

Unter der Regie von : Duncan Jones

Mit : Sam Rockwell, Kevin Spacey

Nachdem er drei überstanden hat Transformer Filme, Kampf gegen Los Angeles und Grüne Laterne , wäre Ihnen vergeben worden, wenn Sie dachten, dass Science-Fiction für hirntot zurückgelassen worden wäre. Aber dann kam Duncan Jones' Mond , ein intelligenter, abgespeckter Denksport, der Spannung aufbaut und komplexe philosophische und ethische Probleme mit wenigen Sets und einer einzigen zentralen Darbietung (von Sam Rockwell) behandelt. Die Einrichtung ist ein wenig Mittag (High Moon?), über das eigene Sci-Fi-Remake dieses Films Scherbenwelt , aber die externe Bedrohung (das Eintreffen von „Hilfe“) ist nur der Hintergrund für Sams eigene existenzielle Krise. Der klare, saubere Look des Films ist reines Sci-Fi der 70er Jahre, aber es gibt clevere Umkehrungen. Sams digitale Assistentin GERTY (Kevin Spacey) wirkt unheimlich, macht aber kein HAL. Und der große „Twist“ offenbart sich tatsächlich relativ früh. Es geht nicht so sehr darum, das Publikum mit der überwältigenden Offenbarung zu überwältigen, sondern vielmehr darum, zu beobachten, wie die Figur – oder vielmehr die Figuren – reagiert.

23. Rebekka (1940)

Unter der Regie von : Alfred Hitchcock

Mit : Laurence Olivier, Joan Fontaine, Judith Anderson, George Sanders

Technisch gesehen war dies Alfred Hitchcocks erster amerikanischer Film – aber da er in England spielt und eine größtenteils englische Besetzung spielt, erlauben wir ihn trotz Studiounterstützung. Immerhin ist es ein hervorragendes Beispiel für Hitchs Fähigkeiten im Umgang mit altmodischem Filmemachen, lange bevor er für Spannung und Schocktaktiken bekannt wurde. Was nicht heißen soll, dass es hier keine Spannung gibt: Als zweite Mrs de Winter legt sich die sanftmütige Joan Fontaine mit einer bösartigen Haushälterin an, die die Neuankömmling – unvorteilhaft – für immer mit ihrer Vorgängerin Rebecca vergleicht. Ihr entfernter Ehemann hilft nicht viel, und bevor man Kostümparty sagen kann, müssen Selbstmordversuche, Seitensprünge und Mordvorwürfe bearbeitet werden. Herrlich gedreht und wunderschön aufgeführt, ist dies ein würdiger Abschied von der frühen Phase von Hitchcocks Karriere.

22. Samstagnacht und Sonntagmorgen (1961)

Unter der Regie von : Karl Reisz

Mit : Albert Finney, Shirley Anne Field, Rachel Roberts

Einer der Schlüsselfilme der realistischen Bewegung der 60er Jahre ist der mit Albert Finney als übermütigem Fabrikarbeiter ('Lass dich nicht von den Bastards zermalmen. Das ist eine Sache, die du lernst'), der Doreen (Shirley) den Hof macht Anne Field) und herumspielen mit der verheirateten Brenda (Rachel Roberts). Es ist jetzt schwierig, seine Rohheit einzuschätzen, aber dies ist immer noch hervorragend inszeniert und erfüllt von einer greifbaren Sehnsucht nach einem besseren Leben. Nicht zuletzt hat sich der Film als enorm einflussreich auf die nordische Indie-Musik erwiesen; eine Zeile aus dem Film – „Ich möchte dorthin gehen, wo Leben und Menschen sind“ – tauchte in The Smiths auf Es gibt ein Licht, das niemals ausgeht , und der Film inspirierte den Titel des Debüts der Arctic Monkeys Was auch immer die Leute sagen, ich bin, das bin ich nicht .

21. Vier Hochzeiten und ein Todesfall (1994)

Regie führt Mike Newell

Mit : Hugh Grant, Andie MacDowell, Kristen Scott Thomas, Simon Callow

Denken Sie zurück an das Jahr 1993. Hugh Grant ist immer noch „der Typ aus diesem seltsamen Film von Roman Polanski“; Richard Curtis ist am besten bekannt als der Mann hinter Blackadders niederschmetternden Niederschlägen, die Leute begrüßten den Regen immer noch mit einem Wort aus vier Buchstaben, anstatt sich über Andie MacDowell lustig zu machen, und nur die gebildetsten konnten W. H. Auden von WHSmith unterscheiden. Kann mich nicht daran erinnern? Wir auch nicht. ' Vier Hochzeiten “ (in dieser Kurzschrift wird das „Begräbnis“ fröhlich weggelassen) ist 22 Jahre später eine beruhigend britische Institution. Ein Großteil seiner Langlebigkeit ist Curtis' spielerischem Dialog zu verdanken, der Grants unbeholfenem Romantiker und Andie MacDowells schüchternem Außenseiter, gleichermaßen betört und verblüfft, genug Gold verleiht, um selbst die Granitherzen zu bezaubern. Es ist eine wahre Petrischale britischer Idiosynkrasien und britischen Humors („Willst du mir sagen, ich kenne meinen eigenen Bruder nicht!“), mit etwas sanft neckender Satire, die für ein gutes Maß eingemischt ist. Wenn dich jemals ein Außerirdischer bittet, zu erklären, wie sich die englische Mittelschicht selbst sieht, zeige ihm das. Dann hol dir Hilfe.

20. Eine Frage von Leben und Tod (1946)

Unter der Regie von : Michael Powell, Emeric Pressburger

Mit : David Niven, Kim Hunter, Raymond Massey, Marius Goring, Roger Livesey

Wenn Sie darüber nachdenken, ist dies eine sehr seltsame Mischung von Themen. Ein Pilot aus dem Zweiten Weltkrieg wird in einer nebligen Nacht über dem Kanal abgeschossen – aber im Nebel wird seine Seele nicht sofort gesammelt, was dazu führt, dass er an Land gespült wird und sich in den Funker verliebt, der sein letzter Kontakt war, vor -Absturz. Er wird dann im Wesentlichen wegen seines Lebens vor Gericht gestellt, wobei der Himmel einerseits besorgt ist, dass er zum Sterben bestimmt war, andererseits aber gezwungen ist, das neue Element in Betracht zu ziehen, dass er sich verliebt hat. Wir haben also Romantik, Metaphysik, bürokratische Verwechslungen und Krieg, zusammen mit einer Prise Pingpong als Zugabe – kaum ein typischer Blockbuster. Trotzdem ist dies dank des sicheren Fingerspitzengefühls des Autors und Regisseurs und David Nivens nie mehr englischem, nie mehr sympathischem Burschencharakter ein denkwürdig anderes Weepie aus Kriegszeiten.

19. Der lange Karfreitag (1980)

Unter der Regie von : John Mackenzie

Mit : Bob Hoskins, Helen Mirren, Derek Thompson, Bryan Marshall, Eddie Constantine

Lange bevor Guy Ritchie und Jason Statham ankamen, legte John Mackenzie die Messlatte für britische Gangsterfilme mit dem Rohen und immer noch einflussreichen hoch Langer Karfreitag . Es ist veraltet, sicher, aber es gibt eine Menge denkwürdiger Sequenzen (einschließlich des berüchtigten Meat-Hook-Verhörs), eine unglaublich eingängige Saxophon-Partitur und den salzigsten, knackigen Dialog diesseits von Michael Caine („Ein schlafender Partner ist eine Sache – aber du liegst im verdammten Koma!'). Als Kingpin des East End, dessen Imperium schnell zusammenbricht, liefert Bob Hoskins eine überragende Leistung ab (sehen Sie sich seine wortlose letzte Szene an), während eine junge Helen Mirren als sexy Femme Fatale funkelt und die Unterstützung mit bekannten Gesichtern übersät ist (darunter Pierce Brosnan, ein paar Ritchie-Stammgäste und Charlie aus Unfall ). Produziert für dürftige 930.000 £ (undenkbar heutzutage), fehlt ihm der Glanz der heutigen Nachahmer, aber in jeder anderen Abteilung bläst sie das um.

18. Monty Python und der Heilige Gral (1975)

Unter der Regie von : Terry Gilliam, Terry Jones

Mit : Graham Chapman, John Cleese, Terry Jones, Michael Palin, Eric Idle

Monty Pythons erster erzählender (ähnlicher) Film hat vielleicht nicht den Biss von Brian, aber es ist ein so inspiriertes Stück Albernheit, dass es einen Stein zum Lachen bringen würde. Inspiriert von der Arthurianischen Legende, aber mit gesellschaftlichen Kommentaren (oder zumindest Comedy), anachronistischen Akzenten und surrealen Zwischenspielen, ist dies vielleicht der am meisten zitierfähige und zitierte Film auf der gesamten Liste und verdient auch unseren Dank dafür, dass er die Gruppe gerettet hat, nachdem sie es fast getan hatten Ausgebrannt nach drei TV-Serien und der unterdurchschnittlichen Leistung von And Now For Something Completely Different. Von Sträuchern über Eltern, die nach Holunder riechen, bis hin zu Fleischwunden und Frauen, die mehr wiegen als Enten, alles menschliche Leben ist hier – solange es, wie die Pythons selbst, gleichzeitig extrem albern und sehr, sehr schlau ist. Elvis bestellte eine Kopie dieses Comedy-Klassikers und sah ihn sich fünfmal an. Wenn es gut genug für den König ist, ist es gut genug für dich.

17. Billy Elliot (2000)

Unter der Regie von : Stephen Daldry

Mit : Jamie Bell, Julie Walters, Gary Lewis, Jamie Draven

Was dieses Coming-of-Age-Drama so frisch erscheinen lässt, war nicht nur die erfrischend unscheinbare Mischung der Themen, sondern auch die Geschicklichkeit, mit der sie zusammengebracht wurden. Der verheerende Bergarbeiterstreik von 1984 ist die Kulisse, aber im Vordergrund steht ein 11-jähriger Junge, der Ballett lernen möchte. Die Probleme, mit denen er konfrontiert ist, sind immens: Geld, Klasse (auch wenn das in der Casting-Szene nur ein bisschen übertrieben ist) und der völlige Mangel an Erfahrung in seiner Stadt mit Jungs, die Ballett mögen. Die Lehrerin Mrs. Wilkinson (Julie Walters) sieht sich fast gezwungen, zwischen der Welt des Balletts und der Bergarbeiter zu übersetzen. Am Ende sind jedoch die gegenseitige Verblüffung zwischen Billy und seinem schroffen Vater und die wahre Liebe, die darunter offenbart wird, der Schlüssel, um dies noch höher steigen zu lassen als diese letzten Jets.

16. Goldfinger (1963)

Unter der Regie von : Guy Hamilton

Mit : Sean Connery, Honor Blackman, Gert Frobe, Shirley Eaton, Harold Sakata, Bernard Lee, Lois Maxwell, Desmond Llewelyn

Für viele von uns Goldener Finger ist immer noch die Quintessenz der James-Bond-Erfahrung. Der dritte 007, der den perfekten Mittelweg zwischen den realistischeren ersten beiden Teilen und den zunehmend fantastischen späteren Connerys einnimmt, hat die perfekte Balance der Bondian-Formel gefunden. Die Vorlage nahm, was das Publikum bereits liebte (Sean, Mädchen, Spionage, exotische Orte) und fügte neue Zutaten hinzu (Popstar-Themenmelodie, nicht verwandte Pre-Credits-Sequenz, Q-Murren), die Vorlage wurde hier zum Maßstab und prall gefüllt mit ikonischen Elementen. Connery auf seinem männlichen Höhepunkt, der Aston Martin mit Schleudersitz, Shirley Eaton in Goldfarbe, der brillante Smoking-unter-dem-Neoprenanzug-Eröffnungsgambit, der oft zitierte Laserstrahlwechsel ('Erwarten Sie, dass ich rede?'.. „Nein Mr. Bond, ich erwarte, dass Sie sterben! Erwarten wir, dass es Ihnen gefällt? Nein, wir erwarten, dass Sie es lieben.

15. Brücke am Kwai (1957)

Unter der Regie von : David Lean

Mit : William Holden, Alec Guinness, Jack Hawkins, Sessue Hayakawa

Unmöglich mit dem Wort 'episch' zu beschreiben, David Lean Das zu Recht gefeierte Brückenbau-Drama des Zweiten Weltkriegs ist großartig, spektakulär und, nun ja, episch. Obwohl es kaum echte Kriegsführung und eine Laufzeit gibt, die Ihren Hintern betäuben wird wie ein Kameltrekking durch Leans Breitbildversion von Arabia, ist dieser Preismagnet ein eiskalter (oder sollte das glühend heiß sein?) Klassiker. Es gibt eine üppige Kinematografie und eine erstklassige Besetzung, aber es ist die zugrunde liegende psychologische Charakterreise von Alec Guinness' hartnäckig trotzigem und unermüdlichem Colonel Nicholson, die Ihnen im Gedächtnis bleibt. Entschlossen, einen Weg zu finden, seine Männer zusammenzuhalten und die Moral zu stärken, stürzt er sich auf die Brückenbauarbeit, die ihnen als Mittel zu seinem Zweck zugewiesen wird – und vergisst eher, zumindest vorübergehend, die Hilfe, die sie dem Feind gibt. Seine letztendliche Erkenntnis seines Fehlers ist unvergesslich. Das und die ansteckende, mittlerweile berüchtigte „Colonel Bogey March“-Pfeife (die oft für „Hitler, has only got one…“ verwendet wird).

14. Der dritte Mann (1949)

Unter der Regie von : Carol Reed

Mit : Orson Welles, Joseph Cotten, Alida Valli, Trevor Howard

British Noir vom Feinsten, Carol Reeds Klassiker wird für viele Dinge verehrt. Da ist Robert Kraskers vielgepriesene Kinematografie, eine Meisterklasse in Hell-Dunkel-Optik voller Winkel und Schatten, die geradezu darum betteln, mit Schurken gefüllt zu werden; der unverwechselbare Klang der Zither von Anton Karas; und der von Trümmern übersäte Unterweltkriegsveteran Reed übersetzt so brillant aus Graham Greenes Thriller. Dann ist da noch der vielzitierte Diss der Schweizer, Kuckucksuhren und so. Über allem thront jedoch Harry Lime (Orson Welles), ein Bösewicht für die Ewigkeit und das dunkle Herz von Reeds Film. Wo die vom Krieg verwüsteten Wiener Leid sehen, sieht Lime Chancen: Er ist im Grunde der Prototyp für eine Vielzahl von Hedgefonds-Managern. So sehr er der abscheulichste Bösewicht diesseits von Brighton Rocks Pinkie ist, das britische Kino wäre ohne ihn ein viel ärmerer Ort. Allerdings muss er sich mit seiner Uhrmacherei auskennen: Die Deutschen haben die Kuckucksuhr erfunden.

13. Entfernte Stimmen, Stillleben (1988)

Unter der Regie von : Terence Davis

Mit : Freda Dowie, Pete Postlethwaite, Angela Walsh, Dean Williams

Aus seiner eigenen Kindheit im Liverpool der 40er und 50er Jahre herausgerissen, ist Terence Davies' brutaler, aber poetischer Spielfilm weniger ein Film als vielmehr eine gefilmte Erinnerung. Der erste, härtere Teil, Distant Voices, zeigt das Leben während des Krieges und die Schreckensherrschaft, die Davies' Vater – brillant umgesetzt von Pete Postlethwaite – der Familie zugefügt hat, während der zweite Still Lives das glücklichere Leben seiner stoischen Mutter (Freda Dowie) und Schwester Eileen (Angela Walsh), deren Ehe für frischen Wind im Haushalt der Davies sorgt. Das mag wie eine Seifenoper klingen, aber Davies zeichnet die Höhen (Hochzeitsfeiern, Kneipenlieder) und Tiefen (häusliche Gewalt, zerstörte Hoffnungen) des Alltags in wunderschönen Kamerafahrten und inspirierter Musikauswahl nach, die nicht weiter von der Küche entfernt sein könnten Waschbecken. Es ist eine schwierige Aufgabe – besonders wenn Sie vom konventionellen Geschichtenerzählen entwöhnt wurden –, aber es gibt keinen persönlicheren, visuell beeindruckenderen und bewegenderen Film auf dieser Liste.

12. Das ist England (2005)

Unter der Regie von : Shane-Wiesen

Mit : Thomas Turgoose, Stephen Graham, Jo Hartley, Andrew Shim

Aus dem Vorspann des Ska-Klassikers von Toots & The Maytals 54-46 (Das ist meine Nummer) , rhythmisch synchronisiert mit einer Identitätsparade von Helden und Bösewichten aus der Falkland-Ära, gab es das Gefühl, dass Shane Meadows einen Film abliefern würde, der seinem Mission-Statement-Titel gerecht wird. Und so hat es sich erwiesen, auch wenn das drakonische 18-Zertifikat der BBFC dazu führte, dass die Leute, an die es gerichtet war, es nicht wirklich sehen konnten. Gelegen in der Nottinghamshire Boundocks, Das ist England ist ein Stück britischer Realismus mit einer ganz eigenen Energie, ein Film mit ernsthaftem Feuer im Bauch. Die Quelle seines Eifers, Meadows, bewegt sich auf Zehenspitzen zwischen Brutalität und Zärtlichkeit mit der Gelassenheit eines Tänzers – allerdings eines Tänzers, der ein bisschen wie ein Requisit nach vorne aussieht. Es ist eine Feier der Freundschaft, ein Liebesbrief an die Teenagerjahre seines Regisseurs (Shaun von Thomas Turgoose ersetzt den jungen Meadows) und ein großes altes „V“-Zeichen für die National Front. Es brachte auch einen großartigen Fernseher in Form von Channel 4 hervor Das ist England Spin-Off-Serie. Ziemlich gut für einen selbsternannten „Kult“-Film.

11. Ein Uhrwerk Orange (1971)

Unter der Regie von : Stanley Kubrick

Mit : Malcolm McDowell, Godfrey Quigley, Anthony Sharp, Patrick Magee, Warren Clarke

Malcolm McDowell hat das beim Dreh immer behauptet Ein Uhrwerk Orange er hatte den Eindruck, dass es sich um eine Komödie handelte. Wie Hans Gruber sagen würde: 'Ho... ho... ho'. Bei seiner Veröffentlichung im Jahr 1971, inmitten eines Wirbelsturms von Kontroversen, der Stanley Kubrick schließlich dazu bringen würde, seinen Film aus den Kinos zu ziehen, hätte ein solcher Kommentar gewirkt Tägliche Post Leser, die in ihren Morgentee stottern. Jetzt scheint es aber irgendwie passend: Der 20-minütige Amoklauf der Droogs, Alex' 'Rehabilitation' und die Rekrutierung seiner Freunde bei der Polizei und so weiter, sind auf ihre eigene düstere und verdrehte Art äußerst witzig. Aber was noch wichtiger ist, sie sind auch schulterschüttelnd vorausschauend. Bis heute ist seine Wirkung auf den Erstzuschauer nicht zu leugnen. Hier, Filmliebhaber, ist ein Crashkurs in Humanismus (mit massiven Dildos, Orgien und Gehirnwäsche), den nur Kubrick liefern kann.

10. Withnail & ich (1987)

Unter der Regie von : Bruce Robinson

Mit : Richard E. Grant, Paul McGann, Richard Griffiths, Michael Elphick

Ein weiterer Beitrag des britischen Mini-Produktionshauses Handmade, dies ist eines dieser Meisterwerke, die fast nicht entstanden wären. Produzent Denis O'Brien hasste die ersten Anstürme und drohte, Autor/Regisseur Bruce Robinson zu feuern – der am ersten Tag schon einmal vor dem Mittagessen gekündigt hatte. Doch irgendwie hielten sie alle durch wie ein alkoholsüchtiger Schauspieler, der entschlossen nach seinem nächsten Schluck suchte, und alles klappte. Der Film ist möglicherweise eines der besten Drehbücher, die jemals geschrieben wurden, zum Leben erweckt mit unkonventionellen Darbietungen und einem zurückhaltenden Stil, den der Mainstream einfach nicht im Traum versuchen würde. Leider ist ein Großteil seiner Popularität in der Studentengemeinschaft zu finden, die sich auf den Fokus auf starkes Trinken fixiert und immer noch glaubt, dass das endlose Zitieren der Zeilen (oft falsch) sie so lustig macht wie die Titelfiguren, aber lassen Sie das Genie nicht sauer werden .

9. Lokalmatador (1983)

Unter der Regie von : Bill Forsyth

Mit : Peter Riegert, Peter Capaldi, Burt Lancaster, Dennis Lawson, Jenny Seagrove

Wir alle wissen, was passiert, wenn Big Business versucht, sich in einer kleinen Stadt einzumischen, richtig? Sie werden allgemein angefeindet und aufs Ohr gehauen – oder in diesem Fall nicht ganz. Sicherlich hat der Tycoon Burt Lancaster Pläne mit dem kleinen schottischen Dorf Ferness und schickt seinen Agenten „Mac“ MacIntyre (Riegert) dorthin, um den Deal zu besiegeln, und sicherlich laufen die Dinge nicht glatt, aber es gibt hier wenig Feindseligkeit und keinen wirklichen Konflikt . Mac kommt allmählich in das langsamere Leben des Dorfes, auch wenn die Dorfbewohner auf das Geld springen, das aus den Ölkäufen fließen sollte – und wenn es nicht so läuft, wie alle es geplant haben, na, Ende gut, alles gut. Wunderschön gedreht und gleichermaßen skurrilen und nüchternen Realismus mischend, ist dies der wohlfühlendste Film aller Zeiten, der einen (buchstäblichen) Hasenkessel enthält.

8. Trainspotting (1996)

Unter der Regie von : Danny Boyle

Mit : Ewan McGregor, Robert Carlyle, Jonny Lee Miller, Ewen Bremner, Kevin McKidd, Kelly Macdonald

Trainspotting hat das britische Kino nicht so sehr neu belebt, als dass es Heroin in seine Ader gesteckt hat. Bei der Adaption des Kultromans von Irvine Welsh hat sich Regisseur Danny Boyle erneut mit dem erfolgreichen kreativen Talent hinter Shallow Grave (Produzent Andrew Macdonald, Drehbuchautor John Hodge) zusammengetan, und das Ergebnis ist ein weiterer unkonventioneller Ansturm von dunklem, orgasmischem Kino. Ungeachtet der Boulevard-Argumente, ob der Film den Drogenkonsum verherrlicht oder nicht (das tut er nicht), sollte eine schmuddelige Darstellung der Junkie-Subkultur in Edinburgh einfach nicht so unterhaltsam sein. Aber durch die Verschmelzung eines wild fantasievollen Stils (Rentons Eintauchen in die schmutzigste Toilette Schottlands) mit naturalistischen, aber geistreichen Dialogen, einem unglaublich ikonischen Soundtrack, einigen wirklich verstörenden Bildern (das Baby, irgendjemand?) Und, äh, Dale Winton, sprach es zu den ' Chemische Generation der 90er Jahre. Von Robert Carlyle's schmerzendem Psycho bis zu Jonny Lee Millers Connery-verehrendem Wideboy ist es auch voll von denkwürdigen, zitatwürdigen Charakteren, während Mark Renton die Leistung von Ewan McGregors Karriere bleibt.

7. Freundliche Herzen und Kronen (1948)

Unter der Regie von : Robert Hammer

Mit : Dennis Price, Alec Guinness, Joan Greenwood, Valerie Hobson

Eine bissige Klassensatire, eine urkomische Farce, eine pechschwarze Komödie, das ist das Juwel in der glitzernden Krone der Ealing Studios. Oh, es mag amoralisch und durch und durch unartig sein, aber das trägt nur zur Köstlichkeit dieser Geschichte bei, in der Louis Mazzini (Price), ein verarmter Ableger einer Adelsfamilie, seine Verwandten (alle gespielt von Guinness) auf seinem Weg zu einem Titel ermordet . Price ist unglaublich bereit für die Hauptrolle, aber es ist Guinness, das die meiste Aufmerksamkeit in einer Reihe von edlen Wendungen auf sich zieht, die die Bandbreite von Fop bis Fog über Suffragette abdecken. Mit einer von Bonmots triefenden Wildean-Stimme ('Es ist so schwierig, einen ordentlichen Job zu machen, Leute zu töten, mit denen man nicht befreundet ist') und einem gründlichen Bösewicht als seinem Helden, ist dies bei weitem nicht so kuschelig wie, sagen, Reisepass nach Pimlico oder Whisky in Hülle und Fülle! , aber es ist eine äußerst unterhaltsame Verirrung für das Studio.

6. Shaun der Toten (2004)

Unter der Regie von : Edgar Wright

Mit : Simon Pegg, Kate Ashfield, Lucy Davis, Nick Frost, Dylan Moran, Bill Nighy

Bei Shaun of the Dead 's großes, schönes Herz, gibt es einen einzigen, einfachen Witz: Die modernen Londoner verhalten sich wie Zombies, also was wäre, wenn es eine echte Zombie-Apokalypse gäbe? Würden all die U-Bahn-fahrenden, sich am Hintern kratzenden Pendler überhaupt etwas bemerken? Auf die Leinwand gebracht von der Holy Comedy Trinity, das sind Simon Pegg, Nick Frost und Edgar Wright, ist es ein Meisterwerk, ganz oben mit dabei Böser Tod II als eine der besten Horror/Komödien aller Zeiten. Es ist ein Film, der so gut ist, dass Sie diesen Film lieben, selbst wenn Sie Horror nicht mögen. Es ist ein Film, der so gut ist, dass selbst wenn Sie ihn nicht mögen Abstand Crew, du liebst diesen Film. Es ist alles, weil es mit solcher Leidenschaft, Energie und reinem, unverfälschtem Charme geschrieben, produziert und gespielt wurde, dass es fast unmöglich ist, es nicht zu genießen. Egal, welche großartigen Taten das Trio in Zukunft vollbringen wird, wir haben einen leisen Verdacht Shaun of the Dead wird der Liebling vieler Leute bleiben.

5. Kurze Begegnung (1945)

Unter der Regie von : David Lean

Mit : Celia Johnson, Trevor Howard, Stanley Holloway, Joyce Carey

Der vielleicht größte Weepie aller Zeiten, der garantiert jede steife Oberlippe ein wenig wackeln lässt. Johnson ist Laura, die Hausfrau, die eine unschuldige Freundschaft mit Trevor Howards Alex schließt, einem Arzt, den sie bei ihrem wöchentlichen Einkaufsbummel in der Stadt trifft. Aber Freundschaft dreht sich um etwas mehr, und bevor Sie Tee und Fladenbrot sagen können, erwägt dieses respektvolle, eher seriöse Paar, alles um der Liebe willen wegzuwerfen. Dies beweist, dass selbst unter der am engsten zugeknöpften Strickjacke tiefe Quellen menschlicher Emotionen existieren, und er hat den starken Anspruch, der englischste Film zu sein, der je gedreht wurde (zusammen mit Das ist England , natürlich) - mit endlosen Tassen Tee und einem Besuch bei Boots für ein gutes Maß.

4. Schau jetzt nicht hin (1973)

Unter der Regie von : Nikolaus Griechenland

Mit : Julie Christie, Donald Sutherland

Mit dem berühmtesten Zwerg diesseits von Thorin Oakenshield, zutiefst ergreifenden Wendungen von Donald Sutherland und Julie Christie und dieser berühmten Haben-sie-haben-sie-nicht-sie-Sexszene (sie haben nicht) ist Nic Roegs großes Meisterwerk langsam eingesickert Britische Filmgeschichte. Es strotzt vor unauslöschlichen Momenten – der blinde Seher im Restaurant; das zusammenbrechende Gerüst; der blutige Höhepunkt – und strahlt eine feuchte Bedrohung aus, die dich wie ein venezianischer Nebel umhüllt. Vieles stammt originalgetreu aus den Seiten von Daphne Du Mauriers Kurzgeschichte. Es gibt jedoch einen kleinen, aber entscheidenden Switcheroo: Die Tochter der Baxters stirbt nicht an Meningitis, sondern ertrinkt vor ihrer eigenen Nase, was die Gefühle, die das trauernde Paar empfindet, noch schuldiger macht. Roegs Fähigkeit, eine Atmosphäre aufzubauen und die Chronologie zu manipulieren, was damals so innovativ war, macht diesen Film zu einem der einflussreichsten Filme im Kino. Fragen Sie einfach Steven Soderbergh, Christopher Nolan oder Danny Boyle.

3. Die roten Schuhe (1948)

Unter der Regie von : Michael Powell, Emeric Pressburger

Mit : Moira Shearer, Anton Walbrook, Marius Göring

Es gibt einen Grund, warum die meisten Bewertungen von Schwarzer Schwan auf diesen Nachkriegs-Klassiker von Powell und Pressburger zurückgegriffen: Dies ist der definitive Ballett-Tänzer-findet-das-Leben-mit-der-Kunst-Zusammenstoß-Film. In Technicolor gedreht, um diese roten Schuhe besser zum Leben zu erwecken, spielt Moira Shearer die leidenschaftliche junge Ballerina mit einer perfekten Mischung aus Leidenschaft und Besessenheit. Sie ist bereit, alles für den Tanz zu opfern – zumindest am Anfang, und das ist etwas, das der Svengali Lermontov (Walbrook) rücksichtslos ausnutzt, indem er sie zum Ruhm drängt, aber nicht bereit ist, alles zu akzeptieren, was ihre zielstrebige Hingabe gefährdet. Also läuft er dem jungen Komponisten Julian (Goring) davon, um sie im Geschäft zu halten – aber lassen sich menschliche Emotionen so leicht kontrollieren? Die Bühne ist bereit für ein explosives Ergebnis, obwohl selbst diejenigen, die die dunkle und ziemlich verdrehte Geschichte von Hans Christian Anderson gelesen haben, die dies inspiriert, schockiert sein werden, wie sich herausstellt. Es ist vielleicht melodramatisch, aber es ist leuchtend inszeniert und hat gerade genug unheimliche Kanten, um jeden Vorwurf der Mädchenhaftigkeit zu entkräften.

2. Monty Pythons Leben des Brian (1979)

Unter der Regie von : Terry Jones

Mit : Graham Chapman, John Cleese, Eric Idle, Terry Jones, Michael Palin, Terry Gilliam

Die meisten von uns kennen inzwischen die Ursprünge von Pythons zweitem richtigen Film – auf einer Pressekonferenz schlug Eric Idle lachend vor, dass ihr nächstes Projekt „Jesus Christ: Lust For Glory“ sein würde. Was sie schließlich herausbrachten, war viel besser – eine konkurrenzlose Satire auf die Religion und wahrscheinlich der lustigste Film, der je gedreht wurde. Das Problem war, dass niemand im Filmgeschäft den Mumm hatte, es zu schaffen. Von seiner Eröffnungssequenz (der erste Witz ist ein Pratfall) ist es offensichtlich, dass dies Python auf höchstem Niveau sein wird, aber es ist der Zusammenhalt der Geschichte, der das alles so gut funktionieren lässt. Indem sie nicht Christus (der technisch gesehen mit Ehrfurcht behandelt und auf Distanz gehalten wird), sondern alle kleinlichen, politischen, opportunistischen Eiferer um ihn herum hochsandte, hatte die Truppe in ihrem Thema endlich eine Idee gefunden, die groß genug war, um lächerlich gemacht zu werden um ihrer schnellen Würgerate und Stilbreite gerecht zu werden. Natürlich ist Brian nicht der Messias (das wäre der Junge auf der Straße), aber versuchen Sie es ihnen – und den Finanziers – zu sagen. Eintreten Apergo 's Lieblings-Beatle und Eckpfeiler der britischen Filmindustrie für das nächste Jahrzehnt, George Harrison (und sein Geld), und der Rest ist Geschichte. Die Entstehung von handgemachten Filmen. Aufruhr. Empörung. Zensur. Genius.

1. Lawrence von Arabien (1962)

Unter der Regie von : David Lean

Mit : Peter O'Toole, Alec Guinness, Anthony Quinn, Jack Hawkins, Omar Sharif

Entfernen Sie seine Größe und Pracht und Lawrence von Arabien scheint die Art von Geschichte vom Tellerwäscher zum Millionär zu sein, die im Kino zwei Schilling kostet: ein gewöhnlicher Mann, der die Mittelmäßigkeit abschüttelt, um dem Ruf der Größe zu folgen. Es ist Rocky in Beduinenroben. Außer natürlich, es ist viel mehr als das. Über dreieinhalb Stunden David Lean gibt uns das Porträt eines Mannes, der von Widersprüchen durchdrungen ist, von Zweifeln überschwemmt und mit genügend Blockaden gefüllt ist, um Freud eine Migräne zu bereiten. Durch seine sagenumwobene Reise, Peter O’Toole 's T.E. Lawrence vereint irgendwie die arabischen Stämme und führt sie durch Aqaba und auf den blutbefleckten Weg zur Nation. Wenn „El-Aurens“ komplex genug ist, um einem Vergleich mit Charles Foster Kane oder Michael Corleone standzuhalten, verdient sein Co-Star, die weite und prächtige arabische Wüste, voll und ganz den zweiten Platz. Eingefangen von Freddie Youngs Kameras in seinem ganzen Breitbildrauschen und von Maurice Jarres mitreißender Musik zum Sprechen gebracht, ist es Freund, Feind, Trost und unerbittlicher Beobachter in einem; eine epische Leinwand, auf der Lean ein episches Bild malt.

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