Die 50 besten Animationsfilme

Die 50 besten Animationsfilme

Es gibt zumindest fünfzig Gründe zu sehen Die Drillinge von Belleville , das erstaunliche Debüt des französischen Trickfilmzeichners Sylvain Chomet. Für den Anfang gibt es die praktisch dialogfreie Handlung (eine klumpfüßige Großmutter startet eine Rettungsmission, um ihren Enkel während der Tour de France vor der Mafia zu retten), die Versatzstücke (die Eröffnungsmusiknummer, eine Tretbootjagd, eine letzte Rolle Flucht), eine großartige Nebenbesetzung (Radfahrer mit traurigen Gesichtern, überlebensgroße Gangster) und die titelgebenden alternden Varieté-Stars, die allen die Show stehlen. Es peppt einen Stummfilm-Look mit Surrealismus auf, lebt aber davon, sich an einen Ort zu wagen, an den sich die meisten Animationen nicht wagen: Es pendelt zwischen Traurigkeit und Satire (Belleville ist ein leicht verhülltes Amerika) und Nostalgie, um ein Lobgesang auf vergangene Zeiten zu werden . Irgendwie schafft es es auch, höllisch witzig zu sein.
Lesen Sie die Apergo-Rezension .

Es ist nicht gerade ein Easy-Watching-Favorit, aber Disneys dritter Zeichentrickfilm ist in vielerlei Hinsicht ein Blockbuster. Die Verbindung der charakteristischen, mitreißenden Animation des Mouse House mit einer Reihe beliebter klassischer Musiksuiten (die „Playlist“ enthält sozusagen Knaller von Bach bis Beethoven) führt zu etwas weitgehend Spektakulärem. Die Sequenz, in der man sich am besten erinnert, ist der eskalierende Besen-Albtraum von „The Sorcerer’s Apprentice“ (ein seltener Auftritt von Mickey Mouse selbst in einem Mainline-Disney-Film), aber es gibt erstaunliche apokalyptische Visionen, die in dem Urknall-zentrierten „Rite Of Spring“ zu finden sind “ (alias der Dinosaurier) und das stürmische „Night On Bald Mountain“ mit dem gespenstischen Teufel Chernabog. Die Präsentation ist auch verspielt, mit Sequenzen, die die Talente des Dirigenten Leopold Stokowski als Silhouette zeigen und ein wenig dem „Soundtrack“ selbst gewidmet sind. Ein zweistündiger Augen- und Ohrenschmaus – aber überspringen Sie vielleicht den seltsamen Zentauren-Teil.
Lesen Sie die Apergo-Rezension .

Kein U2-Song, Es ist so ein schöner Tag ist Film als Flimmerbuch. Als Feature-Version der Kurzfilm-Trilogie des Indie-Cartoonisten Don Hertzfeldt folgt er der Strichmännchen-Figur Bill – runder Kopf, ovaler Körper, Punkte als Augen, cooler Hut – in kurzen Vignetten durch sein Leben, alles gefiltert durch eine verschwommen gerahmte Iris . Für einen so dünnen Charakter hat Bill ein überraschend reiches Innenleben. Während Hertzfeldt eine Erzählung von Wand zu Wand liefert, endet die Geschichte in scheinbar zufälligen kleinen Details – König der Löwen Pantoffeln, Laubbläser – das verschmilzt zu einer gewaltigen Erkundung unseres Platzes im Universum. Die Animation ist das kratzigste Schwarz-Weiß-Bild, das man sich vorstellen kann, daher ist der Effekt handgefertigt, charmant und irgendwie seltsam bewegend. Ein 62-minütiges Doodle zum Genießen, bei dem Sie sich nur wünschen würden, Sie hätten mehr mit diesen geistesabwesenden Kritzeleien gemacht, die Sie während Double Maths gemacht haben.

Die Statistiken rund um Lieber Vincent sind aus dem Schneider. Über einen Zeitraum von sechs Jahren malte ein Team von 125 Malern aus 20 Ländern über 65.000 Filmbilder im Stil von Vincent Van Gogh (Sie wissen schon, der Sonnenblumentyp). Verwendung einer von Richard Linklater bevorzugten Rotoskoptechnik in Erwachendes Leben und Ein Scanner im Dunkeln schaffen die Regisseure Dorota Kobiela und Hugh Welchman eine lebendige Hommage an Van Goghs Kunst, eingebettet in eine Detektivgeschichte, um die wahre Natur des Todes des Malers aufzudecken. Es hat seine Kuriositäten – man kann sehen, wie Leute wie Saoirse Ronan und Chris O’Dowd aussehen würden, wenn sie für VVG posieren würden – aber es ist kompliziert gestaltet als Hommage an Van Goghs Handwerk, sowohl im Überblick (die sanften Pastelltöne, die Tintenschwarz) und die Details (der Abspann weist auf die genauen Gemälde hin, die gehuldigt wurden). Es beginnt mit Van Goghs Zitat – „Wir können nicht anders sprechen als durch unsere Bilder“ – und endet Lieber Vincent wird zu einem lebendigen Einblick in das Leben des Künstlers, indem er die Form zum Inhalt werden lässt.
Lesen Sie die Apergo-Rezension .

Nachdem sie während des Zweiten Weltkriegs zu Paketfilmen im Anthologie-Stil zurückgekehrt waren, schlug Disney mit einem Bibbidi-Bobbidi-Banger zurück – ihrem zweiten Prinzessinnenfilm, der den Archetyp, den sie mit ihrem allerersten Spielfilm begannen, weiterentwickelte und neu definierte. Es ist eine klassische Geschichte von Elend, Magie und Mäusen, in der das reinherzige Cinderella von ihrer bösen Stieffamilie wie Dreck behandelt wird – bis ihre gute Fee (endlich) eingreift und sie zum Ball schickt. Trotz seines wackeligen Tempos (die offenen 20 Minuten bestehen aus Mauspossen in der Küche) ist es durch und durch ein reines Disney-Märchen – mit lebhaften Liedern, einem ikonischen Kleid und einem unterschätzten Bösewicht in Eleanor Audleys beeindruckender Lady Tremaine. Auch wenn die Animation selbst nicht die gewagteste von Disney ist, rühmt sie sich dennoch einiger wunderschöner Schnörkel der legendären Konzeptkünstlerin Mary Blair – und findet den charakteristischen Charme des Studios voll im Fluss.
Lesen Sie die Apergo-Rezension .

Während DreamWorks Animation dafür kritisiert wurde, den Franchise-Drachen zu jagen (Wortspiel völlig beabsichtigt), ist diese Trilogie ein herausragendes Beispiel, auf das das Unternehmen hinweisen kann, warum es nicht immer der Feind von Kreativität und Charme ist. Ins Leben gerufen von Dean DeBlois und Chris Sanders (mit den beiden nachfolgenden Filmen hauptsächlich unter DeBlois 'Uhr), Drachenzähmen leicht gemacht läuft auf die Geschichte eines Jungen und seines Hundes hinaus – wo der Junge ein nerdiger, unbeholfener Wikinger ist und der Hund ein mächtiger Night Fury-Drache ist, der eine natürliche Tarnung hat und Plasmastrahlen aus seinem Mund schießen kann. Anstatt die Charaktere an Ort und Stelle laufen (oder fliegen) zu lassen, trifft die Serie (und ihre Spin-offs für kleine Bildschirme) die kluge Wahl, die Geschichte weiterzuentwickeln und die Emotionen zu vertiefen, und der Look der Filme ist malerisch, oft spektakulär Einsatz von CGI.
Lesen Sie die Apergo-Rezension .

Nur wenige würden es als ihren Lieblings-Disney-Film bezeichnen, aber ohne Schneewittchen kein anderer Film auf dieser Liste könnte überhaupt existieren – so einfach ist das. Der erste amerikanische Animationsfilm in Spielfilmlänge bildete die Vorlage für alles, was folgte – Walts Animationsteam nutzte bahnbrechende Mehrebenen-Kameratechniken, um das Publikum in ein altes deutsches Märchen mit allen üblichen Elementen (eine unschuldige junge Prinzessin, eine eifersüchtige alte Königin, niedliche Waldtiere, das drohende Gespenst des Todes). Auch wenn er narrativ episodisch ist und mehrere Sequenzen zusammenfügt, die wie die Silly Symphonies-Kurzfilme entwickelt wurden, für die das Studio lange bekannt war, spielt er sich immer noch wie ein zeitgenössischer Zeichentrickfilm – nicht schlecht für einen fast 100 Jahre alten Film. Mit seinen unverwechselbaren Charakteren (jeder Zwerg hat sein eigenes Flair), seinem brillanten Design (der tropfende vergiftete Apfel ist eine Ikone) und Ohrwürmern wie „Heigh Ho“ ist es kein Wunder, dass er die Fantasie des Publikums anregte und den Lauf Hollywoods für immer veränderte.
Lesen Sie die Apergo-Rezension .

Zwanzig Jahre später fühlt sich Dreamworks' Seitenhieb auf Disneys Dominanz der animierten Landschaft vielleicht nicht mehr so ​​frisch an wie früher – aber wenn es nicht mehr das schärfste Werkzeug im Schuppen ist, ist es immer noch eine laute, farbenfrohe Explosion. Gleich von seinen Eröffnungsmomenten an, Shrek zerreißt das märchenhafte Regelbuch und wischt sich damit buchstäblich den Arsch ab – indem es einen riesigen grünen Oger als unseren Helden in den Mittelpunkt stellt, die Prinzessin im Herzen zu einem Monster macht und den Bösewicht als unterdrückerischen Herrscher des Disneyland-ähnlichen Königreichs Duloc darstellt. Wenn der schottische Akzent von Mike Myers (Betonung auf „ish“) eine inspirierte Note ist, ist es Eddie Murphys Donkey, der den ganzen Film belebt – der legendäre Komiker in voller freilaufender Form. Als Kumpel-Komödie, die großzügig die Tropen und Charaktere eines ganzen magischen Königreichs streift und die (im Guten wie im Schlechten) eine neue Ära popkultureller Referenzen in Hülle und Fülle einleitete, bleibt sie bahnbrechend und sehr, sehr lustig .
Lesen Sie die Apergo-Rezension .

Der Midas-Touch der Produzenten Lord und Miller setzte sich mit Mike Riandas Abenteuer über eine dysfunktionale Familie fort, die gegen einen Aufstand von KI-Assistenten kämpft – eine Sci-Fi-inspirierte Action-Komödie, die sich schneller, lustiger und freilaufender anfühlt als die Arbeit jeder anderen aktuellen Animation Haus. Mitchells ist eine Freude für Filmfans – Hauptdarstellerin Katie (Abbi Jacobson) ist eine aufstrebende Filmemacherin, deren tiefe Schnitte (es gibt Witze über Celine Sciamma und Agnes Varda) und ihre reiche Vorstellungskraft in Form von karikaturartigen Kritzeleien auf die Leinwand strömen, eine Besonderheit Maximalistische visuelle Identität, unterstützt durch die 2D-3D-Hybridtexturen, die von entwickelt wurden In den Spinnenvers . Es ist unerbittlich witzig, bietet atemberaubende Action-Beats und in seinen besten Momenten – ein lärmendes Set-Piece in einem Einkaufszentrum, komplett mit einem empfindungsfähigen Furby in der Größe eines Kaiju – schafft es beides gleichzeitig. Das Beste von allem ist, dass seine zentrale Vater-Tochter-Beziehung echte emotionale Schlagkraft enthält und die Gefühle trifft, während es die Augäpfel brutzelt.
Lesen Sie die Apergo-Rezension .

Für die meisten Leute, Grab der Glühwürmchen ist die Art von Meisterwerk, das Sie wahrscheinlich nur einmal sehen werden. Der erste Film von Isao Takahata, der Sonstiges Säule von Studio Ghibli neben Mitbegründer Hayao Miyazaki, ist eine erschütternde, herzzerreißende Geschichte des Zweiten Weltkriegs – sowohl eine Hommage an die Menschenleben, die durch die Auswirkungen des Konflikts verloren wurden, als auch eine Anklage gegen das gesellschaftliche Versagen, das zu den tragischen Todesfällen führte von so vielen Leben abseits der Front. Es geht um den Teenager Seita (Tsutomu Tatsumi) und seine kleine Schwester Setsuko (Ayano Shiraishi), die vertrieben werden, nachdem Bomben ihre Heimatstadt Kobe zerstört haben. Sie leben bei ihrer Tante, bis sie gezwungen sind zu gehen, als die Rationen zur Neige gehen – und von da an kämpfen die beiden ums Überleben in der Wildnis und schätzen die Zeit, die sie zusammen verbringen können, während der Hunger einsetzt. Lebhaft animiert , mit aufwühlenden Bildern – die titelgebenden Glühwürmchen bieten abends ein schwaches Leuchten, wenn das Paar in einem verlassenen Luftschutzbunker kauert – es ist eine meisterhafte, emotionale Arbeit. Aber seien Sie gewarnt: Es ist wirklich, Ja wirklich traurig (wie es der Gegenstand verlangt).
Lesen Sie die Apergo-Rezension .

Der Spielfilm des israelischen Filmemachers Ariel Folman ist eine Mischung aus Animation und Dokumentarfilm, aus Persönlichem und Politischem – und als solcher ein Film wie kein anderer. Im Wesentlichen ist es ein geständnisvoller Bericht über Folmans Erfahrungen als frischgebackener Soldat während der israelischen Invasion im Libanon 1982. Nur an einen Abschnitt seines Lebens kann sich „Ari“ – der animierte Avatar des Regisseurs – nicht erinnern, also interviewt er ehemalige israelische Soldaten, um die Erfahrung zusammenzusetzen. Das Filmemachen ist außergewöhnlich – die Eröffnung mit einem Rudel von 26 knurrenden Hunden, die unter einem Senfgashimmel durch eine Stadt bombardieren, packt von Anfang an – eine Mischung aus aufschlussreichen Momenten der Selbstbeobachtung und surrealen Bildern (der Walzer des Titels wird von einem einzelnen Soldaten getanzt). und Kampfaufnahmen, die immer noch Narben hinterlassen. Filmisch, intellektuell, emotional, Walzer mit Bashir ist dieser seltene Film, der das Medium zu größeren Höhen antreibt.
Lesen Sie die Apergo-Rezension .

Im wahren Lord & Miller-Stil hätte es nicht funktionieren sollen – aber ein Film, der von einem unbelebten Spielzeug abgedreht wurde, wurde irgendwie zu viel mehr als einer zynischen Geldsumme. Der Lego Film mischt sich geschickt in das kreative Ethos des Baukastenspielzeugs ein, um eine Geschichte über Vorstellungskraft und die Kraft des Spiels zu erzählen, die auch über die Gefahren der Konformität und die Notwendigkeit der Selbstentfaltung handelt – alles verpackt in rasante Gags der Popkultur . Während sich der Film auf Emmet (Chris Pratt), eine Arbeiterdrohne als Minifigur, und seine „Auserwählte“-Reise konzentriert, um Lord Business (Will Ferrell) zu besiegen und Baumeister zu werden, sind es die verrückten Cameos, die allen die Show stehlen – besonders Will Arnetts urkomischer treten gegen Batman an, der kurz darauf seinen eigenen Film erhält. Das Beste ist, dass die CGI-Animation das Aussehen und Gefühl von Stop-Motion imitiert und den gesamten Film als ein echtes (imaginäres) LEGO-Abenteuer präsentiert, komplett mit Markierungen und Kratzern auf jedem Stein.
Lesen Sie die Apergo-Rezension .

Dass Disney klassischen Märchen eine andere Wendung gibt, ist kein neues Phänomen, aber Verheddert stellt ein erfolgreiches Beispiel dafür dar, wie das Maushaus das Format ändert und dabei an einigen Tropen festhält. Unsere Heldin Rapunzel (Mandy Moore) ist eine langhaarige Träumerin, die von der alten Mutter Gothel (Donna Murphy) in einem Turm versteckt wurde, die die magischen Kräfte begehrt, die im wallenden Haar ihrer Tochter gespeichert sind. Alles ändert sich, als der charmante Dieb Flynn Rider (Zachary Levi, in guter, kluger Form) über den Turm stolpert. Es gibt Witze, Lieder, Abenteuer und einige starke Visuals, aber um wirklich ehrlich zu sein, ist es Maximus, das hochmütige Pferd, das allen die Show stiehlt – ein Breakout-Star, der kriminellerweise nie seinen eigenen Spin-off-Film bekommen hat. Er taucht zumindest in beiden auf Verheddert -erzeugte TV-Serie.
Lesen Sie die Apergo-Rezension .

Als Charlie Kaufman in die Welt der Stop-Motion-Animation eintrat, war dies nie ein Kinderspiel. Das Leben als Einakter beginnend und von Kickstarter finanziert (es gibt 1070 besonderen Dank im Abspann), Er beendet , unter der Co-Regie von Animator Duke Johnson, ist ein kleiner Herzensbrecher von einem Bild. Es ist im Grunde eine Studie über Langeweile in der Mitte des Lebens, als der demotivierte Motivationsredner Michael Stone (David Thewlis) für eine Konferenz in ein Hotel in Cincinnati eincheckt. Er trifft Lisa (Jennifer Jason Leigh, die mehrere Rollen spielt) und was folgt, ist eine wunderschön beobachtete erste Begegnung, gespickt mit Unsicherheiten und Reue, die sich zu Puppensex und Lisas herzzerreißender Interpretation von Cyndi Laupers „Girls Just Want To Have Fun“ entwickelt '. Natürlich betritt der letzte Akt seine eigene Zone der Fledermaus-Verrücktheit (Hallo, antiker japanischer Dildo), aber was Ihnen vielleicht mehr als jedes andere Kaufman-Werk bleibt, ist eine zärtliche Interpretation dessen, was es bedeutet, ein Mensch zu sein.
Lesen Sie die Apergo-Rezension .

Hoch hinaus vom Erfolg von New-Wave-Princess-Filmen wie Verheddert und Gefroren , lieferte Disney einen weiteren zeitgenössischen Klassiker, vollgepackt mit Ohrwurm-Songs aus einer frischen Hamilton Lin-Manuel Miranda. Wenn Moana selbst in eine Linie gehört, die bis zu Schneewittchen zurückreicht, ist sie fest in der Form von „Disney Princess 2.0“ – die Tochter eines Häuptlings, eine tapfere Seefahrerin, die eine bessere Zukunft für ihr Volk sucht, ohne Liebesinteresse an Sicht. Der Film glänzt von Anfang bis Ende mit seinen liebenswerten Charakteren und lebendigen pazifischen Inselbildern – alles strahlend blaue Meere und üppige Vegetation – und rühmt sich einer Ghibli-ähnlichen Herangehensweise an Gut und Böse, wobei er Gleichgewicht und Harmonie zugunsten des traditionellen, im Kampf gewonnenen Sieges genießt. Berücksichtigen Sie einen Stapel unverblümter Disney-Knaller, Jemaine Clement, die Bowie als riesige glamouröse Monsterkrabbe kanalisiert, und a Verrückter Max -Stil-Action-Sequenz mit Krieger-Kokosnüssen, und Sie haben einen modernen großartigen.
Lesen Sie die Apergo-Rezension .

Dazwischen essenzielles Coming-of-Age-Drama Mädchenzeit und das alles erobernde Meisterwerk Porträt einer brennenden Dame , Céline Sciamma – eine der aufregendsten Filmemacherinnen der Welt von heute – schrieb eine Stop-Motion-Komödie über ein Kind namens Icare mit blauen Haaren und einer Nase wie eine (Sie haben es erraten) Zucchini. Doch so seltsam es scheinen mag, der von Claude Barras inszenierte Film hat überall Sciammas Fingerabdrücke, von Icares alkoholabhängiger Mutter – sie ist es, die ihm den Spitznamen Courgette gibt – über Selbstmord bis hin zum Leben von geschädigten Kindern in einem Waisenhaus. Wenn es düster klingt, ist es das auch, aber die Dunkelheit wird mit Wärme, Humor und Weisheit ausgeglichen. Es ist auch voller lebhafter Animationen – eine Punk-Disco, die von den Lehrern für die Kinder geschmissen wird, ist eine Freude – die nachvollziehbar bleibt und es der Empathie, Sensibilität und Hoffnung der Geschichte ermöglicht, den größten Eindruck zu hinterlassen.
Lesen Sie die Apergo-Rezension .

Es stimmt, dass einige Elemente von Dumbo sind unglaublich schlecht gealtert – nicht nur die berüchtigten rassistisch karikierten Krähen, sondern auch das weniger gut in Erinnerung gebliebene „Roustabouts“-Lied, das die einzigen Farbigen des Films zu fröhlichen, gesichtslosen Sklaven reduziert. Ansonsten ist es ein Meisterwerk. Es ist schmerzhaft melancholisch und trügerisch dunkel – eine Geschichte von Ausbeutung, Elend und schließlicher Verwandlung, als das großohrige Elefantenbaby Jumbo Jr. von Gleichaltrigen gemobbt, von seiner „verrückten“ Mutter getrennt, zu gefährlichen Zirkusdarbietungen gezwungen und schließlich entdeckt wird sein größter Unterschied kann zu seiner Superkraft werden. Es hat einen reißerischen Song in „Baby Mine“, die Zirkussequenzen sind lebhaft umgesetzt und „Pink Elephants On Parade“ bleibt eine der kühnsten, barmherzigsten Animationsstücke, die jemals aus den Walt Disney Animation Studios hervorgegangen sind. All diese Jahre später, Dumbo steigt immer noch.
Lesen Sie die Apergo-Rezension .

Eine charmante Kombination aus mythisch inspirierter Animation und Screwball-inspirierter Komödie macht Herkules ein bequemer Einstieg in die Disney-Renaissance der 90er Jahre, auch wenn es zum Zeitpunkt der Veröffentlichung etwas unterschätzt wurde. Die Studio-Stars Ron Clements und John Musker machten ihren Nachfolger Aladdin Eine weitere Underdog-Geschichte, diesmal über den Sohn der griechischen Götter Zeus und Hera, der zu einem menschlichen Ausgestoßenen mit göttlichen Kräften wird, nachdem die Handlanger des Hades es nicht geschafft haben, ihn vollständig sterblich zu machen. Zu den herausragenden Sprechern gehören Danny DeVito als auch Danny DeVito in Satyrform und Susan Egan als die von Barbara Stanwyck inspirierte Anti-Jungfrau-in-Not Meg. Fügen Sie einen Soundtrack aus Gospelknallern hinzu – ganz zu schweigen von Michael Boltons mitreißender Interpretation von „Go The Distance“ – und Sie haben eine energiegeladene, hinterhältig lustige Toben.
Lesen Sie die Apergo-Rezension .

Wie verfolgen Sie den bahnbrechendsten Animationsfilm seit Jahrzehnten weiter? Sie erweitern die Charakterliste mit mehr Spielzeugen, in die sich das Publikum verlieben wird (Hallo, Woodys Round-Up-Gang), vertiefen die emotionale Anziehungskraft (wer weint nicht bei „When She Loved Me“?) und häufen die Menge an Apergo schlägt zurück Verweise. Wenn es niemals hoffen könnte, die Überraschung des Originals wiederzuerlangen, Spielzeuggeschichte 2 bewies, dass Pixar keine Eintagsfliege war – eine Fortsetzung, die ursprünglich für Straight-to-Video bestimmt war, war einfach zu gut, um nicht auf die große Leinwand zu kommen. In Wahrheit Apergo Stil erweitert es die Welt und spaltet unsere Bande – es schickt Woody in die große böse Welt der Retro-Spielzeugsammler und schickt Buzz und Co, um ihn bei einem Ausflug zu retten, der eine urkomische Barbie-zentrierte Reise durch Al's Toy Barn beinhaltet. Es ist eine Fortsetzung, die zeigt, dass in diesen Spielzeugen noch viel Leben steckt – und dieses Mal alle habe gesucht.
Lesen Sie die Apergo-Rezension .

Schlag auf Schlag mitten in Disneys silbernem Zeitalter kam ein Abenteuer, das anders aussah als jeder andere Film aus dem Studio davor. Die verschwenderischen, weiten Ausblicke auf Schlafende Schönheit wurden dank des neuen kostensenkenden Xerox-Animationsverfahrens durch texturierte, skizzenhafte Kritzeleien ersetzt – das Ergebnis ist ein Film, der sich wie von Hand gefertigt und voller Leben anfühlt, simpatico mit seiner jazzigen Partitur. Die Adaption von Dodie Smiths Roman war (damals) ein seltener zeitgenössischer Disney-Film, der das London der 1960er Jahre in der Geschichte eines verliebten Paares, ihrer rehäugigen Hunde und einer wahnsinnigen Modefanatikerin zum Leben erweckte, die darauf bedacht war, ihren Wurf zu machen von neugeborenen Welpen, um einen Pelzmantel zu machen. Wenn die Dalmatiner selbst hinreißend sind, ist es Cruella De Vil, die den Film stiehlt – ein wahrhaft ikonischer Bösewicht, eine dürre Kreatur in einem riesigen Pelzmantel, mit grünen Rauch speienden Zigaretten und diesem verdammten Kreischen von „Idioten!“ Alles in allem ist es ein hundegeiler Genuss.
Lesen Sie die Apergo-Rezension .

Sowohl optisch als auch emotional Bambi ist ein starker Anwärter auf Disneys schönsten Animationsfilm. Gleich von seiner ausgedehnten Öffnung mit mehreren Ebenen, die durch Schichten und Schichten von dichtem Wald geschossen wird, ist es eine üppige pastorale Coming-of-Age-Geschichte, die darin schwelgt, das Lebensgefühl, die Liebe und den Verlust nachzubilden, die der natürlichen Welt innewohnen. Die Handlung ist minimal – besonders in der ersten Hälfte, mehr darauf bedacht, die Zuschauer in die Flora und Fauna des Waldes einzutauchen – aber letztendlich sehr bewegend, als das neugeborene Kitz Bambi Freunde findet und seine Mutter verliert (in einer Sequenz, die jetzt mehrere Generationen von Kindern traumatisiert hat). zu Jägern, verliebt sich und wächst wie sein Vater zu einem stoischen Great Prince Of The Forest heran. Die Reife der Erzählung kollidiert manchmal mit kinderfreundlicheren Charakteren wie dem hyperaktiven Hasen Thumper und Stinktier Flower, aber ihre abschließende zyklische Bildsprache ist richtig mitreißend.
Lesen Sie die Apergo-Rezension .

Es ist nicht jeder Film, der zwei geliebte Stop-Motion-Charaktere aus einer Reihe von Kurzfilmen und TV-Specials für eine ausgelassene, vom Hammer-Horror inspirierte Komödie auf die große Leinwand bringen kann. Aber Wer-Kaninchen ist nur ein Grund, warum niemand das Aardman-Team unterschätzen sollte, das seine britische Sensibilität in einen (relativ) großen amerikanischen Animationsfilm einbringen konnte. Die größere Leinwand kann den Charme des Erfinders Wallace (des verstorbenen, großartigen Peter Sallis) und seines stillen, intelligenten Hundekumpels nicht kurzschließen, und dies ist vollgestopft mit der Art von schlauen Augenzwinkern und lustigen Charakteren, von denen wir mittlerweile erwarten Ausflüge des Duos. Der Film selbst hat vielleicht keine Kassenrekorde aufgestellt (wir haben merklich keinen zweiten Film mit dem Paar gesehen), aber er gewann 2006 den Oscar für animierte Spielfilme – und das ist auch gut so, wenn auch nur für all die Gartenwitze.
Lesen Sie die Apergo-Rezension .

Der zweite Film des irischen Animationshauses Cartoon Saloon ist atemberaubend schön – malerisch und ätherisch, er verbindet stilisierte Charaktermodelle mit fein detaillierten Hintergründen, die mit einer Biolumineszenz leuchten, die zu seiner subaquatischen Selkie-zentrierten Geschichte passt. Wenn Lied vom Meer spielt für Kinder als geradliniges Abenteuer, für ältere Zuschauer ist es eine fein gezeichnete Fabel über Trauer und Familie, während der stoische Vater Conor (Brendan Gleeson) seinen Sohn Ben (David Rawle) und seine neugeborene Tochter Saoirse (Lucy O' Connell), nachdem seine Frau bei der Geburt gestorben ist – und hinter Saoirse steckt vielleicht mehr, als man auf den ersten Blick sieht. In Anlehnung an die irische Folklore und durchdrungen von einem Sinn für kulturelle Besonderheiten, Lied vom Meer bestätigte Cartoon Saloon als eine wichtige neue Stimme im Medium – eine, deren Kunstfertigkeit, Geschichtenerzählen und Charme mit den Größen von Ghibli, Disney und Pixar mithalten kann.
Lesen Sie die Apergo-Rezension .

Makoto Shinkais rekordverdächtiger Body-Swap-Anime glitzert und glänzt – Licht prallt in herrlichem Schimmern von Oberflächen ab, bricht sich am Himmel, wird von Gebäuden und iPhone-Bildschirmen mit atemberaubender Schönheit reflektiert. Es ist ein Film aus zwei Hälften – die erste ist süß, charmant und witzig, als das Kleinstadtmädchen Mitsuha (Mone Kamishiraishi) und der Tokyo-Junge Taki (Ryunosuke Kamiki) im Körper des anderen aufwachen, vielleicht dank der kosmischen Einmischung von a vorbeiziehender Komet. Und sobald ihre wachsende metaphysische Beziehung Sie einbindet, schaltet die zweite Hälfte des Films in ein Melodram mit hohem Einsatz und großer emotionaler Wucht. Wenn es viel Subtext über Japan selbst gibt – das Hin und Her zwischen ländlichen Traditionen und pulsierenden Städten, seine Geschichte von Naturkatastrophen – dann sind es die schillernden Bilder, der hochfliegende Soundtrack der Band Radwimps und diese zentrale Paarung, die es ausmachen Ihren Namen. ein sofortiger Klassiker. Passenderweise ist es ein Body-Swap-Film, der unter die Haut geht.
Lesen Sie die Apergo-Rezension .

Eine Fortsetzung der frühen Mission von DreamWorks Animation, ein Konkurrent von Disney zu werden und gleichzeitig Animationen einem älteren Publikum zugänglich zu machen, Der Prinz von Ägypten verbindet meisterhaft CGI mit traditioneller 2D-Animation; eine Premiere für das Studio. Eine Armee von Animatoren wurde gerufen, um dieses biblische Epos zu machen, das von Studio-Mitbegründer Jeffrey Katzenberg als animierte Adaption von The Ten Commandments vorgestellt wurde. Neben seinen atemberaubenden ägyptischen Ausblicken und fein gezeichneten, expressionistischen Charakteren – ganz zu schweigen von einer schwindelerregend angespannten Wagenrennen-Sequenz – bietet es eine gigantische Starpower der 90er Jahre, mit Michelle Pfeifer, Sandra Bullock und Jeff Goldblum unter den Stimmen, mit Val Kilmer in einem Doppelrolle – er verleiht Moses und Gott selbst sein reiches Timbre. Als ob das nicht genug wäre, machen Hans Zimmers umwerfend cineastische Klanglandschaft und ein Oscar-gekröntes begleitendes Duett der Gesangskraftwerke Whitney Houston und Mariah Carey dieses ehrgeizige Unterfangen zu einem lohnenden Einstieg in einer Zeit, als DreamWorks zu einem lebensfähigen Disney-Rivalen wurde.
Lesen Sie die Apergo-Rezension .

Cartoon Saloon (und Co-Regisseur Tomm Moore) beendete seine Irish Folklore Trilogy mit dieser neuesten Veröffentlichung, einer fantastischen Geschichte, die sich mit dem sehr realen Problem der englischen Kolonialzerstörung in Irland auseinandersetzt. Robyn (Honor Kneafsey), die Tochter eines Jägers, der ausgesandt wurde, um die örtliche Wolfspopulation auszulöschen, entdeckt einen verwandten Geist in einem Rudel und die junge Mebh (Eva Whittaker), die im Schlaf einen Wolf verkörpert. Gemeinsam machen sich die beiden auf den Weg, um die Wölfe und den Wald vor den Machenschaften des Lord Protector (Simon McBurney) zu retten. Moore und die Saloon-Bande sind schon immer ihren eigenen animierten Weg gegangen, und Wolfwalker ist nicht anders und mischt einen kastenförmigen Holzschnittstil für die Stadtbewohner mit lockeren, fließenden Linien für die Kreaturen des Waldes. Sowohl süß als auch kraftvoll, ist es ein Verbrechen, das aufgrund der Pandemie überwiegend online veröffentlicht wurde.
Lesen Sie die Apergo-Rezension .

Wenn Sie ein perfektes Beispiel dafür suchen, wie ultra-ausdrucksstarke Animationen eine freilaufende Comic-Meisterklasse einer Sprachdarbietung ergänzen und davon profitieren können, sind Sie hier genau richtig Aladdin – weil der Titelfigur von Robin Williams‘ Genie die ganze Show gestohlen wird. Der große blaue Kerl ist eine Kreation reiner, cartoonartiger Elastizität – er verändert seine Form von Sekunde zu Sekunde, während die stark improvisierte Darbietung der Comedy-Ikone in mehrere Richtungen gleichzeitig explodiert. Dass die visuelle Komödie Williams Witz gerecht wird, ist ein Wunder – kein Wunder, dass Will Smith und Guy Ritchie in der Live-Action-Version nicht mithalten konnten. Jenseits des Genies, Aladdin ist dank seiner Alan Menken / Howard Ashman-Songs, Gilbert Gottfrieds bitterem Iago und seiner Underdog-Geschichte einer „Straßenratte“, die sich eine Wunderlampe einpackt, immer noch ein echter Hingucker – und könnte vielleicht das Herz von Prinzessin Jasmine (Linda Larkin) erobern. . Die nahöstlichen Klischees fliegen heute sicherlich nicht, aber alles andere schon – der Teppich eingeschlossen.
Lesen Sie die Apergo-Rezension .

Disneys zweiter animierter Spielfilm ist ein großer Sprung nach vorne Schneewittchen – erzählerisch weitläufiger, technologisch komplexer und viel, viel dunkler. In Anlehnung an Carlo Collodis Roman folgt es der titelgebenden Holzpuppe auf einer existentiellen Suche nach Menschlichkeit – eine, die ihn von einem zwielichtigen Showbusinessmann ausgebeutet, von einem tobenden Wal namens Monstro verschluckt, von einem verstörenden Katzenmenschen gejagt, und, und, findet eine wirklich verstörende Sequenz, die von einem dämonischen Kutscher auf die sündige „Vergnügungsinsel“ gebracht wird, wo rebellische Jungen zu Eseln mutiert und für schändliche Zwecke verschifft werden. Kurz gesagt, es ist nicht wirklich eines für Kinder – aber Erwachsene werden viel technische Meisterschaft in seinen lebendigen Kamerafahrten und gruseligen Charakteranimationen finden. Außerdem hat es einen herausragenden Song in „When You Wish Upon A Star“ – heutzutage die inoffizielle Disney-Titelmelodie.
Lesen Sie die Apergo-Rezension .

Pixar, angeführt von Lee Unkrich, ist selten ein Team, das sich auf seinen Lorbeeren ausruhen kann (und es hat einige wohlverdiente Lorbeeren). Zumindest ist das der Hintergrund – die wahre Geschichte hier handelt vom jungen Miguel (Anthony Gonzalez), der davon träumt, ein berühmter Musiker wie sein Idol Ernesto de la Cruz (Benjamin Bratt) zu werden. Das ist kein direkter Ehrgeiz, besonders wenn seine Familie die Musik verboten hat, nachdem der Ehemann seiner Ururgroßmutter sie verlassen hat, um eine Karriere als Künstler zu verfolgen. (Buchstäblich) vergrabene Geheimnisse kommen ins Spiel, als Miguel in das Land der Toten aufbricht, um die Wahrheit zu erfahren. Kokosnuss ist ein lebendiger Film, der mexikanische kulturelle Traditionen ehrt und – weil das Emeryville-Studio so gut darin ist – so effektiv an den Herzen zupft wie einige der Gitarristen hier. Sowohl der Film selbst als auch der Originalsong „Remember Me“ gewannen wohlverdiente Oscars.
Lesen Sie die Apergo-Rezension .

Es ist Rudyard Kiplings Quellenroman nicht gerade treu, aber Das Dschungelbuch zeigt, was Disney-Adaptionen am besten können – die langweiligen Teile entfernen, den Spaß steigern und eine Handvoll Ohrwurmmelodien anhäufen, um den Deal zu besiegeln. Der letzte Animationsfilm unter der Leitung von Walt Disney, der etwa neun Monate vor seiner Veröffentlichung starb, schlendert auf die gleiche Weise dahin wie seine Hauptfigur – obwohl die Handlung im Wesentlichen den Menschenjungen Mowgli (Bruce Reitherman) vorfindet, der vor dem rachsüchtigen Tiger um sein Leben rennt Shere Khan (George Sanders), es ist wirklich ein angenehmer Spaziergang durch den üppigen indischen Dschungel, wenn er auf den lebenslustigen Faultierbären Baloo (Phil Harris), den schützenden Panther Bagheera (Sabastian Cabot) und den hypnotisch fauchenden Kaa (Sterling Holloway) trifft. Trotz all der Pyrotechnik seiner feurigen letzten Rolle ist es wirklich der Doppelschlag der Disney-Knaller im Kern, der Bestand hat: die jazzige Explosion von „I Wanna Be Like You“ mit freundlicher Genehmigung von King Louie (Louis Prima) und die lässigere Hymne „Bare“. Notwendigkeiten“.
Lesen Sie die Apergo-Rezension .

In Disneys bahnbrechendem Märchen trifft ein hochfliegendes Musical von Broadway-Kaliber auf raffinierte, bahnbrechende Animationen. Die Schöne und das Biest ist wirklich ein Wunderwerk animierter Architektur – von der höhlenartigen, gotischen Burg der Bestie bis zu den überfüllten Regalen von Belles (Paige O'Hara) geliebter Buchhandlung. Doch Disney opferte seinen kindlichen Sinn für Wunder nicht im Namen der Demonstration seiner neuen Herangehensweise an Animationen. Die Choreografie des Films gehört nach wie vor zu den besten des Studios, sei es Belles Eröffnungsnummer mit ihrer Nase in einem Buch, die glückselig durch das Innenleben ihrer kleinen Stadt gleitet, oder das zentrale Ballsaal-Setpiece, das die zaghafte Romanze zwischen Schönheit und Bestie hervorlockt. Sein Funkeln liegt jedoch in der Charaktergestaltung der verfluchten Bewohner des Schlosses – jeder ein wenig traurig und schief, aber nicht ohne viel Charme – sowie in den vielgeliebten Texten von Howard Ashman, die einige der schönsten Momente des Films erzählen. 'Probieren Sie das graue Zeug, es ist köstlich. Glauben Sie mir nicht? Fragen Sie das Geschirr!'
Lesen Sie die Apergo-Rezension .

Von der mittelalterlichen Kulisse über den legendären Bösewicht bis hin zur schieren Breite des Rahmens fühlt sich alles an Disneys drittem Prinzessinnenfilm episch an – eine reichhaltige Fantasy-Saga, die mehr als nur Romantik im Sinn hat. Im Laufe von acht Jahren sorgfältig produziert und von einer von Tschaikowsy inspirierten Partitur unterstützt, Schlafende Schönheit ist in jeder Hinsicht hinreißend – voller stilistischer Akzente, die von der Kunst der Renaissance inspiriert sind, mit atemberaubend detaillierten Hintergründen und dynamischen Charakterdesigns, die auf einer weitläufigen Cinemascope-Leinwand präsentiert werden. Wenn die Geschichte selbst ziemlich oberflächlich ist (böse Fee verflucht Baby, Baby wird erwachsen und fällt schließlich in einen verzauberten Schlaf, der Kuss eines Prinzen bricht den Bann), wird alles von der großartigen Maleficent (Eleanor Audley) belebt, einer knackigen, gackernder Bösewicht mit einem Gespür für das Dramatische, der sich für einen Höhepunkt, der noch heute nachhallt, sogar in einen grünes Feuer speienden Drachen verwandelt Game of Thrones . Ironischerweise wurde zuerst darauf geschlafen – floppte bei der Veröffentlichung und wurde in den folgenden Jahrzehnten nur als das gesehen, was es war: eine absolute Schönheit.

Wenn Sie eine Liste der liebenswertesten Charaktere von Pixar und eine weitere Liste der brillantesten und fantasievollsten Welten zusammenstellen, die sie geschaffen haben, Monster AG. würde in der Nähe des oberen Endes von beiden herauskommen. Nach zwei Spielzeuggeschichte Filme u Das Leben eines Käfers , bewies das Studio, dass es wirklich das Zeug dazu hatte, einer der ganz Großen zu werden, mit einer süßen, albernen und sentimentalen Buddy-Komödie über Monster, die heimlich Angst vor den Kindern haben, die sie jede Nacht erschrecken. Mit James P. Sullivan (John Goodman) und Mike Wazowski (Billy Crystal) abzuhängen – ein pelziger blauer Top-Schrecker und sein süffisanter grüner Ball von einem Kollegen – ist eine absolute Freude, ebenso wie Zeit in den Straßen von Monstropolis zu verbringen , vollgepackt mit auffälligen Bestien, Gags in Hülle und Fülle und Harryhausen Insider-Witzen. Wenn die Fisch-aus-dem-Wasser-Situation (Mike und Sully lassen versehentlich das Menschenmädchen Boo in der Monsterstadt frei) für große Lacher sorgen, sorgt es für einen enormen emotionalen Schlag, als sie erkennen, dass sie überhaupt keine Gefahr ist – nur Versuchen Sie, bei diesem abschließenden „Kitty!“ nicht zu weinen.
Lesen Sie die Apergo-Rezension .

Tim Burtons Gothic-Musical, ein animierter Hoffnungsschimmer für Jack Skellingtons überall, bleibt ein geliebter, erbärmlicher festlicher Schatz. Alles an dieser hinreißenden Gothic-Stop-Motion-Fantasie hat wegen ihres schrägen Charmes Bestand, beginnend mit dem eckigen und unverhältnismäßigen Charakterdesign, das Burton zusammen mit dem visionären Effektkünstler Rich Heinrichs erdacht hat. Das Juwel in der Krone ist natürlich Skellington (Chris Sarandon) – der verärgerte Kürbiskönig, der unter den leuchtenden Lichtern der Weihnachtsstadt ein neues Leben findet – aber jede grässliche und/oder gruselige Ergänzung des Ensembles ist ein knorriger, leicht erschreckendes Kunstwerk. Der Komponist Danny Elfman, ein bekennender Skellington-Typ, der sogar die Singstimme der Figur lieferte, erfüllte den Film mit seinen eindringlichen Kadenzen und morbiden Geräuschkulissen, die sich manchmal in berauschenden Musiknummern manifestieren. Der Film nahm eine mäandrierende Reise auf die Leinwand, zum Teil aufgrund von Disneys Versäumnis, Burtons Vision zu akzeptieren – aber als er ankam, war er anders als alles, was es je zuvor gegeben hatte, und berührt weiterhin die Herzen von Außenstehenden überall.
Lesen Sie die Apergo-Rezension .

Das Original Spielzeuggeschichte war ein Wegbereiter. Spielzeuggeschichte 2 rettete eine Fortsetzung aus dem Rachen der direkten Videovergessenheit. Kein Druck also für den dritten Einsatz, der diesen beiden Treffern folgen musste. Unter der sorgfältigen, nachdenklichen Regie von Lee Unkrich (der seit dem ersten Film bei Pixar war) Toy Story 3 vertieft die Erzählung von Woody, Buzz und dem Rest der Bande, indem sie sich der Aussicht stellen, in ein neues Zuhause zu ziehen, wenn ihr Besitzer Andy ihnen entwächst. Das Spielzeuggeschichte In Filmen ging es schon immer um Herz, Verlust, Familie und furchteinflößende, beckenschlagende Affen (okay, vielleicht trifft das nur auf den Dreier zu), aber der dritte findet Team Pixar in fantastischer Form. Besonders eine Szene (ein Wort: Verbrennungsofen) versetzte Fans – einschließlich Quentin Tarantino, der ihn zu seinem Lieblingsfilm des Jahres 2010 ernannte – mit seinem spürbaren Sinn für Endgültigkeit in Anfälle von Sorge und Schniefen.
Lesen Sie die Apergo-Rezension .

Nur wenige internationale Animationsfilme haben den gleichen globalen Erfolg wie Persepolis . Dass der Film inmitten der islamischen Revolution spielt – eingefangen durch einen breiten, schnörkellosen Animationsstil in einer meist monochromen Palette – ist nur ein weiterer Beweis für die Kraft seines Geschichtenerzählens. Der Film ist eine Co-Adaption von Marjane Satrapi aus ihrer gleichnamigen autobiografischen Graphic Novel-Reihe. Durch die Dokumentation ihres jungen Lebens in Teheran und später in Österreich erzählt Satrapi die Qualen, die ihrer linken Familie und ihren Freunden vom Schah zugefügt wurden, durch die Augen ihrer punkigen, Bruce-Lee-liebenden Abtrünnigen. Die Art und Weise, wie Satrapi ihre humanistischen Überzeugungen in diese einfache, aber elegante Erzählung einwebt, ist mühelos bewegend und machte sie zur ersten Regisseurin, die bei den Oscars 2008 für den besten animierten Spielfilm nominiert wurde.
Lesen Sie die Apergo-Rezension .

Die Magie von Ratatouille ist nicht nur, dass Pixar einen Film über einen Rattenkoch gemacht hat, der das Publikum irgendwie nicht dazu bringt, zum nächsten Eimer zu rennen – es ist die sinnliche Eleganz, die am schillerndsten ist. Die beeindruckendste Leistung von Regisseur Brad Bird besteht darin, Gerüche in Sehenswürdigkeiten zu verwandeln – Zutaten werden zu abstrakten Farbschwaden, die sich gegenseitig ergänzen, während unterdurchschnittliche Gerichte zu kulinarischen Kunstwerken werden, eine Symphonie aus wirbelnden Düften, die von Michael Giacchinos großartiger Musik vervollständigt wird. Patton Oswalt leiht Remy seine Stimme – einer Ratte mit einem Talent fürs Kochen, die sich mit dem hoffnungslosen menschlichen Linguini (Lou Romano) zusammenschließt, um seine Gerichte in die Welt hinauszutragen. Aber angesichts von Remys Nagetierstatus würde die Entdeckung des echten kleinen Kochs eine Katastrophe für seine Zukunft bedeuten. Selbst nach Pixar-Maßstäben strotzt diese manchmal übersehene Anstrengung vor Charme und Schönheit – sehen Sie sich nur die Szene an, in der der hochnäsige Kritiker Anton Ego (Peter O'Toole) in das Titelgericht des Films beißt und in die Wärme und Liebe von ihm zurückversetzt wird die Küche der eigenen Mutter. Nicht schlecht für einen Film mit einem ziemlich einfachen Wortspieltitel.
Lesen Sie die Apergo-Rezension .

Ein paar Jahre bevor die Macher des Marvel Cinematic Universe ihre überzeugende Mischung aus superheldenhafter Action und witzigem Humor fanden, übertraf Brad Bird sie. Die Unglaublichen , sein erster Pixar-Film, katapultierte ihn direkt in den „Brain Trust“ des Unternehmens, bestehend aus Regisseuren, die helfen, die Arbeit anderer Filmemacher zu leiten, und entpuppte sich als lebhafte, warmherzige Interpretation der Art von Familiendynamik, die in Teams wie z Die fantastischen Vier . Mit Fokus auf die „Supers“ Bob (Craig T. Nelson) und Helen (Holly Hunter) Parr, die das Heldenspiel aufgegeben haben, um ihre Familie großzuziehen, juckt es Bob, trotz des Drucks der Regierung, sich aus dem Weg zu gehen, wieder in Aktion zu treten . Eine mysteriöse Gelegenheit bietet mehr, als er erwartet hatte, und der Parr-Clan muss seine Fähigkeiten bündeln, um eine neue Bedrohung zu bekämpfen. Bird war nicht nur an der heroischen Front dem Spiel voraus – er wies auch auf die Gefahren von giftigem Fandom und die Gefahren von Umhängen auf Kostümen hin. Letzterer Punkt wurde natürlich von der von Bird gespielten Edna Mode, Modeberaterin für Helden, umrissen. Ein Charakter für die Ewigkeit, Dahling.
Lesen Sie die Apergo-Rezension .

Jeder spricht über die Eröffnung 10 Minuten Hoch . Und das zu Recht – es ist ein eigenes Mini-Meisterwerk, wunderschön und herzzerreißend, wenn das entzückende Paar Carl und Ellie die Höhen (Ehe, Picknicks, Tanzen) und Tiefen (Fehlgeburt, Trauerfall) des Lebens in einer einzigen Montage erlebt, die Tränenfluten garantiert. Aber was als nächstes kommt, ist ebenso wundersam – ein wilder, seltsamer Abenteuerfilm, in dem der ältere Carl (Ed Asner) und der energiegeladene Pfadfinder Russell (Jordan Nagai) unwissentlich in einer Flut leuchtender Ballons nach Südamerika schweben und einem riesigen Vogel begegnen, der gerufen wird Kevin, ein Rudel sprechender Hunde („Eichhörnchen!“) und ein böser Entdecker. Es ist eine berauschende Mischung, aber Regisseur Pete Docter fügt alles spektakulär zusammen – die geerdete Trauer und der exotische Eskapismus existiert irgendwie in perfekter Harmonie. Jetzt das ist ein Pixar-Wunder.
Lesen Sie die Apergo-Rezension .

Im Herzen von Disneys Renaissance der 90er Der König der Löwen fand das Studio wieder auf dem Höhepunkt seiner Kräfte – und seine anthropomorphisierte Tierversion Weiler ist eine erstaunliche Sache. Im Wesentlichen ein sonnengeküsstes afrikanisches Pendant dazu Bambi , Es ist eine Coming-of-Age-Geschichte voller Mord und List – als das Löwenjunge Simba (Matthew Broderick) in den Weiten von Pride Rock aufwächst, einen lebenszerstörenden elterlichen Tod erlebt und schließlich den Platz seines Vaters als Herrscher von einnimmt Das Tierkönigreich. Timon und Pumbaa (Nathan Lane und Ernie Sabella) tauchen als Goldstandard-Kumpel auf, sobald Simba von zu Hause wegläuft, die von Elton John verfassten Songs sind aus der Kette („The Circle Of Life“! „Hakuna Matata“! „I Just Can 't Wait To Be King'!), und kein Geringerer als James Earl Jones leiht dem Patriarchen Mufasa seine dröhnende Stimme. All diese Jahre später ist es noch klarer – Der König der Löwen ist kein vorübergehender Wahnsinn.
Lesen Sie die Apergo-Rezension .

Zu diesem Zeitpunkt war bereits klar, dass das in Portland ansässige Animationsstudio Laika großartige Filme produzieren könnte – aber Für Sie wird weithin als der Höhepunkt ihres bisherigen Filmemachens angesehen. In Anlehnung an Samurai-Geschichten folgt es dem jungen Kubo (Art Parkinson und seiner, äh, herausfordernden Familie. Seine Mutter liegt im Sterben, sein Großvater stahl ihm eines seiner Augen, als er noch ein Kind war, und sein Vater wird vermisst, vermutlich tot. Unter Beschuss von Seine Tanten (die von seinem Großvater geschickt werden, um sein anderes Auge zu stehlen) muss Kubo auf die Suche nach der Rüstung seines Vaters machen, von der er hofft, dass sie seinen Großvater aufhalten kann Ralph Fiennes, Charlize Theron, Matthew McConaughey und George Takei sowie eine hervorragend wiederhörbare Partitur von Dario Marianelli und hat sich seinen Platz als eines der kreativsten und stilvollsten Beispiele für Stop-Motion verdient.
Lesen Sie die Apergo-Rezension .

Bevor er zum CG-Giganten Pixar kam, arbeitete Regisseur Brad Bird mit Co-Autor Tim McCanlies zusammen, um (sehr locker) Ted Hughes' Der Eisengigant . Ein schöner, emotionaler Rückblick auf die Paranoia-Thriller der 1950er Jahre, der im Kern das Ermutigende erzählt E.T -ähnliche Geschichte eines einsamen Jungen und des riesigen Roboters, der sein bester Freund wird. Bird webt Themen wie Identität und den Kampf gegen die Box ein, in die die Leute Sie vielleicht schieben möchten, und zeigt gleichzeitig, wie beeindruckend traditionelle Animationen sein können (auch wenn der Riese selbst eine computergenerierte Kreation ist). Fügen Sie einen Kies gurgelnden Vin Diesel als Stimme des hoch aufragenden Metal-Mannes hinzu, und Sie haben einen Gewinner, der leider nicht an den Kinokassen angekommen ist, aber längst den Status eines Kultklassikers erlangt hat. Oh, und halten Sie eine riesige Schachtel Taschentücher für die Tränen bereit, die Sie am Ende vergießen werden.
Lesen Sie die Apergo-Rezension .

Sagen Akira wahnsinnig einflussreich ist, wäre eine große Untertreibung. Nicht nur in der Welt des Anime, sondern darüber hinaus – alles aus Die Matrix zu Fremde Dinge lässt sich auf das monolithische Meisterwerk von Katsuhiro Otomo zurückführen. Es spielt in der (früheren) Zukunft von 2019 und folgt einer Bande von Biker-Kids in der weitläufigen Stadt Neo-Tokyo. Als Tetsuo (Nozomu Sasaki) bei einem Unfall verletzt und in eine streng geheime Einrichtung der Regierung gebracht wird, verleihen ihm Experimente telekinetische Kräfte, die bald außer Kontrolle geraten und die Stadt zu zerstören drohen – so wie es der mysteriöse Akira 30 Jahre zuvor tat. Es liegt an seinem Freund Kaneda (Mitsuo Iwata), zu versuchen, Tetsuo daran zu hindern, ein Monster zu werden. Visuell verblüffend, thematisch vielschichtig und mit schillernd kinetischer Action, Akira ist fesselnd – auch wenn seine letzte Rolle zu einer zunehmend abstrakten Mischung aus metaphysischen Gedanken und fleischveränderndem Körperhorror wird.
Lesen Sie die Apergo-Rezension .

Der Film, der Studio Ghibli in den westlichen Mainstream brachte, ist seltsamerweise nicht sein zugänglichstes Werk – aber Hayao Miyazakis Coming-of-Age-Märchen ist so durchdrungen von wunderschönen, kulturspezifischen japanischen Bildern, dass es kein Wunder ist, dass es die Fantasie der Welt beflügelte. Düsterer als die typische Disney-Kost, dreht es sich um Chihiro (Remi Hiiragi), die in einem großen, mythischen Badehaus gefangen ist, das von Geistern frequentiert wird, nachdem ihre Eltern in Schweine verwandelt wurden. Dort wird sie von der Hexe Yubaba (Mari Natsuki) zur Arbeit gezwungen und freundet sich mit dem Drachenjungen Haku (Miyu Irino) an. Wenn die Erzählung oft locker ist, besonders wenn der Film in seine zweite Stunde geht, Weggezaubert ist betörend und bezaubernd und beschwört eine ganze Welt neugieriger Kreaturen herauf, während er über Vorstellungen von Identität, Spiritualität, persönlichem Wachstum, Umweltschutz und moralischen Ambiguitäten nachdenkt, die über einfaches Gut und Böse hinausgehen.
Lesen Sie die Apergo-Rezension .

Nur wenige Filme können von sich behaupten, die pure emotionale Intelligenz zu haben von innen nach außen – ein Film über intelligente Emotionen, der sowohl ein überwältigendes Abenteuer als auch eine nuancierte Erforschung von Gefühlen, Träumen, Erinnerungen und Vorstellungskraft ist. Wenn die Protagonistin technisch gesehen Riley (Kaitlyn Dias) ist, dann sind es wirklich die Stimmen in ihrem Kopf – Freude (Amy Poehler), Traurigkeit (Phyllis Smith), Angst (Bill Hader), Ekel (Mindy Kaling) und Wut (Lewis Black) – das im Mittelpunkt stehen. Mit all den Umwälzungen, mit ihrer Familie nach San Francisco zu ziehen, gerät Rileys innere Welt in Aufruhr – sie beginnt eine existenzielle Odyssee, während Freude und Traurigkeit durch die Korridore ihres Geistes rasen, über abstrakte Gedanken, die Traumfabrik und gefüllte Hallen wertvolle Erinnerungen. Es ist wunderschön konzipiert und großartig umgesetzt und gipfelt in einfühlsamen Vorstellungen über die Notwendigkeit von Traurigkeit und die Art und Weise, wie glückliche Erinnerungen mit der Zeit melancholisch werden. Und lass uns nicht mit Bing Bong anfangen…
Lesen Sie die Apergo-Rezension .

Es ist unmöglich, nicht von der reinen Güte verzaubert zu sein, die Hayao Miyazakis Ode an die Kindheit ausstrahlt. Mein Nachbar Totoro strotzt nur so vor Fantasie und ist gleichzeitig viel entspannter als die meisten Kinderfilme – ein sanfter Ausflug in die japanische Landschaft, voller Waldgeister, Freundschaft und pelziger Kreaturen. Die Schwestern Satsuki (Noriko Hidaka) und Mei (Chika Sakamoto) verbringen einen Sommerurlaub in einem Landhaus, während sich ihre Mutter im Krankenhaus von einer Krankheit erholt, und finden bald einen riesigen, grauen Fellknäuel im nahe gelegenen Wald. Wenn das einfach klingt, nun, das ist es auch – aber es ist diese Einfachheit, die den Film so entzückend macht, gepaart mit der Tatsache, dass es während der gesamten Laufzeit keinen Bösewicht oder Antagonisten gibt. Von Totoro selbst bis zu den Rußgeistern (die zurückkehren Weggezaubert ) und dem Catbus, es ist voller ikonischer, fantasievoller Designs, ruhiger Bilder und mit einer Themenmelodie, die Ihnen nie aus dem Kopf gehen wird: 'To-to-ro to-tooo-ro!'
Lesen Sie die Apergo-Rezension .

Der Eröffnungsakt von Wall-E ist geradezu erstaunlich: ein weitgehend dialogfreies Rollen um die verbrannten Überreste der menschlichen Zivilisation, während der titelgebende Reinigungsroboter irdischen Abfall in ordentliche Würfel zerkleinert, während er sich nach jeder Art von Gesellschaft sehnt. Es ist gleichzeitig erschreckend und charmant – der entzückende Wall-E mit den schwenkbaren Augen kontrastiert mit dem schrecklichen Chaos, das wir hinterlassen haben. Der Umfang davon ist atemberaubend – und dann in einem Sturzflug die Robo-Kollegin Eve, die den ganzen Film auf den Kopf stellt, als Wall-E hingerissen wird und eine verzerrte Sci-Fi-Rom-Com schließlich einem intergalaktischen Verfolgungsjagdfilm Platz macht. Vom Feuerlöscher-unterstützten Weltraumtanz bis hin zum Wall-E, der mittanzt Hallo Dolly , zu einer Mission, um das letzte Stück lebensfähiger Pflanzen zu schützen, Wall-E ist oft atemberaubend. Mit seinen düsteren ökologischen Warnungen ist es ein Film, der sicherlich noch Jahrzehnte lang nachhallen wird – und gleichzeitig ein meisterhaftes Stück Science-Fiction mit herzergreifenden Emotionen.
Lesen Sie die Apergo-Rezension .

Mit vielen abgeknickten Gliedmaßen, riesigen plündernden Ebern und einem fleischverändernden Fluch, Prinzessin Mononoke ist dunkler als Ihre übliche Ghibli-Kost. Es ist jedoch ein atemberaubendes, mitreißendes Epos – eine einzigartige japanische Fantasy-Saga, die sich ähnlich anfühlt Herr der Ringe in seinem mythischen Umfang und seiner erzählerischen Ausbreitung. Es ist vielleicht das beste Beispiel für Hayao Miyazakis Umweltthemen – in denen die Zivilisation nicht unbedingt böse ist, sondern einen Weg finden muss, mit der Natur zu koexistieren, da explosive Konflikte die Zukunft beider bedrohen. Die Geschichte spielt vor fast 1000 Jahren und dreht sich um Ashitaka (Yoji Matsuda), einen Krieger, dessen Arm im Kampf gegen einen infizierten Ebergott verflucht wird. Auf der Suche nach einem Heilmittel wagt er sich nach Westen und findet sich in einem Krieg zwischen den fleißigen Menschen von Iron Town und der rohen Kraft der Natur wieder. Mit raffinierter, kinetischer Action, ätherischen Bildern und einer nuancierten Erzählung, Mononoke ist eine Mammutleistung – und sogar der englischsprachige Dub ist gut, mit einer Übersetzung, die von keinem Geringeren als Neil Gaiman adaptiert wurde.
Lesen Sie die Apergo-Rezension .

Auf technischer Ebene kann die Wirkung von Pixars erstem Spielfilm in voller Länge nicht unterschätzt werden. Es ist ein ebenso bedeutender Sprung nach vorne für das Medium wie das Debüt von Schneewittchen und die sieben Zwerge war fast 60 Jahre zuvor – eine völlig neue Welt der vollständig computergenerierten 3D-Animation eröffnet. Mit der vom Studio entwickelten Technologie (in Zusammenarbeit mit Apple) Spielzeuggeschichte war nicht nur ein eigenständiges Phänomen: Es veränderte den visuellen Stil und die filmische Herangehensweise fast aller großen Studioanimationen für die kommenden Jahrzehnte. Aber abgesehen von seinem seismischen Einfluss steht es immer noch als leuchtendes Beispiel für alles, was Pixar am besten kann – es hat eine Dynamit-Kumpel-Duo-Dynamik in den zankenden Buzz (Tim Allen) und Woody (Tom Hanks; es erforscht die Emotionen von anthropomorphisierten Objekten oder Tieren ; es erschafft eine ganze fantasievolle Welt aus dem scheinbar Alltäglichen; und sein Drehbuch ist reich an Charakterisierungen und Gags, die für Erwachsene genauso gut funktionieren wie für Kinder. Die Fortsetzungen könnten größer werden, aber das Original Spielzeuggeschichte ist eine Explosion kreativer Freude – und seitdem ist nichts mehr wie zuvor.
Lesen Sie die Apergo-Rezension .

Wenn Spielzeuggeschichte war der größte Sprung nach vorne für die Mainstream-Feature-Animation seither Schneewittchen , dauerte es weitere 23 Jahre, bis sich die Nadel noch einmal so deutlich verschoben hatte. Aber dann in thwipped Spinnenvers , die sich durch eine umwerfend ehrgeizige visuelle Identität auszeichnet, die sich völlig von allem anderen unterscheidet – 2D- und 3D-Texturen mit Schnörkeln aus Comicbuchpapier verschmelzen, die Framerates verschiedener Charaktere innerhalb derselben Szene ändern, blitzschnelle Farbexplosionen einbringen, und sich in die karikaturhaften, übertriebenen Qualitäten zu lehnen, die Animationen ermöglichen. Und das ist, bevor Sie sehen, wie unser Held Miles Morales (Shameik Moore) den Bildschirm mit dem schwarz-weißen Spider-Man Noir (Nicolas Cage), dem Anime Peni Parker (Kimiko Glenn) und den anderen teilt Looney Tunes -artige Spider-Ham (John Mulaney) alles in einem Rahmen. Es ist ein totaler Pop-Art-Freak-out eines Films mit großartigen Details und genialen Gags, die in jedes Bild gepackt sind („Bagel!“).

Aber all der visuelle Glanz dient auch einem emotionalen Zweck, indem er die Kopfräume der Charaktere einschließt. Wenn Miles' Spidey-Sinne einsetzen, tun sie dies mit pulsierenden psychedelischen Farben. Und wenn er in der herausragenden „What's Up, Danger“-Sequenz auf dem Höhepunkt seiner Kräfte ist, dreht sich der Bildschirm um, sodass sein kopfüber springender Glaubenssprung in die darunter liegende Stadt stattdessen erscheint und ihn in den Himmel aufsteigen lässt, als Ganzes Welt dreht sich um ihn. Abgesehen von der Grafik sind die Charaktere vielschichtig und liebenswert, Miles beweist sich als mehr als würdiger Spider-Man, die Multiversum-Storyline ist brillant gehandhabt und die emotionalen Bauchschläge landen ebenfalls mit absoluter Genauigkeit. Mit Phil Lord und Chris Miller als Produzenten (Lord hat auch das Drehbuch mitgeschrieben) ist es vollgepackt mit ihren charakteristischen, zum Lachen bringenden Gags. Spinnenvers zeichnet sich auf so vielen Ebenen aus, dass es bereits ein sofortiger Klassiker ist – sowohl als Superheldenfilm als auch als animiertes Meisterwerk. Es ist ein Film, der dem Spiel so weit voraus ist, dass es sich anfühlt, als wäre er aus einem völlig anderen Universum hereingesprengt worden.
Lesen Sie die Apergo-Rezension .