Die 50 besten Filme des Jahres 2013

Es ist Dezember und wie es Tradition ist, haben wir die Autoren von Apergo gebeten, für ihre Lieblingsfilme des Jahres zu stimmen. Die gesammelten Ergebnisse wurden inzwischen in eine Liste mit dem Allerbesten umgewandelt, die 2013 zu bieten hatte. Alle Filme, die vom 1. Januar bis 31. Dezember in Großbritannien veröffentlicht wurden, waren teilnahmeberechtigt, und wir haben drei Filme aufgenommen (aber nicht eingestuft), die einige unserer Mitglieder gesehen haben, aber nicht genug, um fair abzustimmen. Lesen Sie also weiter und überprüfen Sie am Ende, wie viele Sie selbst gesehen haben ...

50. DAS GEHEIME LEBEN VON WALTER MITTY

Direktor: Ben Stiller

Gießen: Ben Stiller, Kristen Wiig, Sean Penn, Adam Scott, Patton Oswalt, Shirley MacLaine, Kathryn Hahn

Beste für: Tagtraumgläubige und zum Teufel auch Homecoming Queens.

Es ist fünf Jahre her, dass Ben Stiller bei Tropic Thunder Regie führte, und der Film, der ihn zurück auf den Regiestuhl lockte, ist die süße Geschichte eines sanftmütigen Mannes, der davon träumt, viel, viel mehr zu sein. Fasziniert von seiner Kollegin Cheryl (Kristen Wiig, der zwischen diesem und Anchorman ein ziemlich langer Dezember bevorsteht), bekommt er endlich die Chance, einige dieser Tagträume zu leben, als er sich auf die Suche nach einem verschwundenen Negativ eines Starfotografen macht. Erwarten Sie glorreiche Träume und am Ende vielleicht auch eine glorreiche Realität.

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49. ANKERMANN 2: DIE LEGENDE GEHT WEITER

Direktor: Adam McKay

Gießen: Will Ferrell, Steve Carell, Paul Rudd, Christina Applegate, David Koechner, Harrison Ford, James Marsden, Meagan Good

Beste für: das Nachrichtenteam von Channel 4. Ja, wir sprechen mit dir, Jon Snow.

Wenn Sie gebeten würden, einige Filmfiguren zu nennen, die gut mit Veränderungen zurechtkommen würden, sind die Chancen, dass Sie jemanden im Nachrichtenteam von Channel 4 nennen würden, tatsächlich gering. Und doch müssen Ron Burgundy von Will Ferrell und seine Crew genau damit ringen, da die Ankunft der Kabelnachrichten und der 24-Stunden-Nachrichtenzyklus ihr Geschäft grundlegend verändern. Frühe Gerüchte deuten darauf hin, dass die Gag-Rate genauso unerbittlich ist wie im ersten Film, also können wir es kaum erwarten zu sehen, was Brick dieses Mal liebt, oder Brian Fantanas neueste Pick-up-Technik.

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48. DER HOBBIT: DIE VERÖSTUNG VON SMAUG

Direktor: Peter Jackson

Gießen: Martin Freeman, Richard Armitage, Orlando Bloom, Benedict Cumberbatch, Evangeline Lily, Luke Evans

Beste für: Hobbits.

Der zweite Teil von Peter Jacksons weitläufiger Adaption verspricht uns einen Kerl, der sich in einen Bären verwandelt, einen Haufen Elfen, die im Wald gegen Riesenspinnen kämpfen, eine Stadt an einem See und vor allem einen Drachen unter einem Berg. Allein für Smaug würden wir Schlange stehen, um es zu sehen, aber tatsächlich verspricht uns das, was wir bisher gesehen haben, viel mehr Intrigen und Abenteuer. Gandalf wird gegen den Nekromanten kämpfen, während die Zwerge und ihr Hobbit-„Einbrecher“ sich durch den Düsterwald zu dieser schicksalhaften Konfrontation mit ihrem großen, schuppigen Erzfeind kämpfen. Ehrlich gesagt können wir es kaum erwarten.

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47. JETZT SEHEN SIE MICH

Direktor: Louis Letterer

Gießen: Jesse Eisenberg, Woody Harrelson, Mark Ruffalo, Dave Franco, Isla Fisher, Morgan Freeman, Michael Caine

Beste für: Umhänge und Räuber.

Filme über Magie scheitern oft an der Tatsache, dass das Kino selbst magisch ist und die Wirkung ihrer Tricks aufheben kann. Aber die spektakulären Illusionen hier und die clevere Hinzufügung einiger unglücklicher, hilfloser FBI- und Interpol-Agenten, die versuchen, die Tricks zu ergründen, sorgen für eine fröhliche Kapriole. Die schwerfälligen Polizisten können sich – zumindest anfangs – nicht mit der Fingerfertigkeit der Zauberer messen, und Eisenberg, Fisher, Harrelson und Franco haben einen Ball mit ihrer Fingerfertigkeit, besonders in einer inspirierten Verfolgungsszene, die die Bullen und magischen Räuber voll einsetzt Einbildung. In einem Frühsommer, der voller gequälter Helden und apokalyptischer Visionen war, war dieses schäumende Toben ein verdienter Hit.

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46. ​​GEFANGENE

Direktor: Denis Villeneuve

Gießen: Hugh Jackman, Jake Gyllenhaal, Paul Dano, Terrence Howard, Maria Bello, Viola Davis, Melissa Leo

Beste für: Wir fragen uns, wie wir damit umgehen würden.

Villeneuves Fortsetzung der feurigen Incendies ist sowohl ein Härtetest als auch ein Seherlebnis und wirft den Zuschauer in die Hölle der Eltern – was wäre, wenn Ihr Kind entführt würde? – und zieht dann die Schrauben an: Was wäre, wenn Sie den Verantwortlichen identifiziert hätten? Wo würdest du aufhören? Das moralische Dilemma ist überzeugend, aber es wird getragen von den engagierten Auftritten von Jackmans zunehmend verzweifeltem Vater, Jake Gyllenhaals beruflich wütendem Polizisten und Paul Danos allzu schlagbarem Verdächtigen. Der Ton ist so winterlich wie das ewig schneebedeckte Wetter seiner Umgebung, aber dieser wird Ihnen noch lange nach dem Frühling im Hinterkopf bleiben.

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45 DIE BESCHWÖRUNG

Direktor: James Wan

Gießen: Vera Farmiga, Patrick Wilson, Ron Livingstone, Lili Taylor, Hayley McFarland, Joey King

Beste für: Dinge, die in der Nacht holperten – und oft auch am Tag.

Ein Monster-Kassenschlager, The Conjuring kam aus dem Nichts, um Kinobesuchern auf der ganzen Welt 316 Millionen Dollar einzujagen. Es verwandelte die wahren Amityville-Morde – um Himmels willen, ziehen Sie niemals irgendwohin, wo „Amity“ im Namen steht – in ein Schreckgespenst, das uns eisigen Atem in den Nacken blies und „BOO!“ machte. alles zur selben Zeit. Die reichhaltigen historischen Details, der gruselige Puppenauftakt und Lili Taylor, die ganz Linda Blair spielt, waren Highlights, aber James „Saw“ Wan bot einen Edgar-Allen-Poe-y-Gefühl für das Makabre, und die Geschichte ratterte wie im Flug. Kein Wunder, dass es eine Fortsetzung gibt. Das unwahrscheinlich klingende The Conjuring 2: The Enfield Poltergeist (was kommt als nächstes? Die Tottenham Hale Terrors?) ist es auch Basierend auf einer wahren Geschichte und werden in den nächsten ein bis zwei Jahren bei uns sein.

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44 TÖTE DEINE LIEBE

Direktor: John Crocid

Gießen: Daniel Radcliffe, Dane DeHaan, Jack Huston, Ben Foster, Michael C. Hall

Beste für: zeigt die Beat-Dichter, bevor sie den Beat zum Laufen brachten.

Der Gewaltakt, der dieses Drama über die frühen Leben einiger der einflussreichsten Schriftsteller des 20. Jahrhunderts – Kerouac, Burroughs und Ginsberg – antreibt, wird in den Eröffnungsmomenten enthüllt, aber der Film hält seine wirklichen Überraschungen dicht an der Brust. Erst nach und nach wird klar, dass es sich um eine viel chaotischer und komplizierter als die übliche Coming-of-Age-Geschichte „Becoming Allen Ginsberg“, noch bevor wir uns mit Mordfragen befassen. Newcomer-Regisseur Krokidas zeigt hier ein Talent für Subtilität und Nuancen, das ihn zu einem sehenswerten Menschen macht, und Daniel Radcliffe zeigt einmal mehr, dass er mehr ist als nur The Boy Who Lived.

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43 VIEL LÄRM UM NICHTS

Direktor: Joss Whedon

Gießen: Amy Acker, Alexis Denisof, Clark Gregg

Beste für: zu The Avengers hey nonny nonny zu sagen.

Unmittelbar nach den Dreharbeiten zu „The Avengers“ nahm sich Joss Whedon zwei Wochen aus dem Schnittplatz heraus und drehte diese monochrome Version von Shakespeares Komödie über die manipulierte Liebe. Mit einem Team aus Freunden und Stammgästen und einem Shooting in seinem Garten hinter dem Haus produzierte er eine luftige, unbeschwerte Version des Stücks ohne das Selbstbewusstsein, das manche Adaptionen plagen kann. Für diejenigen, die den Eindruck haben, dass Shakespeare nur etwas für Schnauzen und ausgestopfte Hemden ist, bringt dies den Barden nach Hause zu dem Publikum, das er immer beschäftigt hat.

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42. ROBOTER & FRANK

Direktor: Jake Schreier

Gießen: Frank Langella, Susan Sarandon, Peter Sarsgaard, James Marsden, Beste für: verlorene Mojos mit Hilfe eines Roboters wieder aufleben lassen.

Es war ein gutes Jahr für ältere Stars, mit großartigen Rollen für Größen wie Bruce Dern und Judi Dench. Wahrscheinlich übersehen – zu Unrecht – ist diese Leistung von Frank Langella als pensionierter Katzeneinbrecher, der von einem Roboterpfleger wieder zum Leben erweckt wird, der sich für einen leichten Diebstahl eignet, um seinen älteren Schützling aktiv zu halten. Der Film ist zu schnell, lustig und Science-Fiction-gefärbt, um das Lob der Preise zu erhalten, das er sonst verdient hätte, aber Langella war selten besser und das Ganze ist ein wunderschön beurteilter Blick auf das Altern und letzte Hurra.

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41. WELTKRIEG Z

Direktor: Marc Förster

Gießen: Brad Pitt, Mireille Enos, Daniella Kertesz, Peter Capaldi

Beste für: Brad Pitt-Limonade aus unruhigen Zitronen machen.

Das Vorauswort war giftig. Die Trailer verrieten praktisch keine Verbindung zum Ausgangsmaterial (etwas, das der Film bestätigte). Und dann … stellte sich heraus, dass es sich um einen großartigen Abenteuerfilm handelte, in dem Brad Pitt um die ganze Welt wanderte und der herannahenden Zombiehorde immer einen Schritt voraus war, um einen Weg zu finden, die Menschheit vor dieser jüngsten Apokalypse zu retten. Tolle Effekte und ein ständiges Gefühl von Spannung und Überraschung sorgten dafür, dass die Knöchel während einer relativ mageren Laufzeit (zumindest proportional zum Umfang der Geschichte) kaum auf den Sitzen nagten. Während wir gerne mehr von dem Buch in der Fortsetzung sehen würden, wird dieses definitiv als Erfolg angekreidet, der den Zombie-Klauen des Kassen-Desasters entrissen wurde.

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40. NEBRASKA

Direktor: Alexander Payne

Gießen: Bruce Dern, Will Forte, June Squibb, Bob Odenkirk, Stacy Keach

Beste für: Roadtrips für den reiferen Reisenden.

Alexander Paynes Nachfolger von The Descendants versetzt ihn zurück in das Mittelamerika von About Schmidt und Election, aber oft fühlt sich das eher wie die Sullivan's Travels-Version von O Brother, Where Art Thou? an. Es gibt sicherlich brillante Comedy-Momente, aber es gibt auch eine Sensibilität für die Zeit der Depression, die nur durch die Schwarz-Weiß-Kinematographie betont wird. Als Will Forte seinen verwirrten Vater Woody (Dern) durch den riesigen Staat fährt und sie die dünn besiedelte Stadt, in der Woody aufgewachsen ist, erneut besuchen, gibt es eine Atmosphäre von Verlust und Leere, die die seltenen wärmeren Momente familiärer Verbundenheit und Sympathie auslöst. Und in einem Hollywood, das oft von Gewinnen und Reichtümern besessen ist, ist es gut, einen solchen Triumph über ein verlorenes Ticket zu sehen.

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39. DER BLING-RING

Direktor: Sofia Coppola

Gießen: Katie Chang, Israel Broussard, Emma Watson, Claire Julien, Taissa Farmiga, Georgia Rock, Leslie Mann

Beste für: wie, zeigt uns total, weißt du, die Kinder von heute von ihrer schlimmsten Seite. Oder Wasauchimmer.

In gewisser Weise ist Sofia Coppolas Film der Horrorfilm des Jahres, der einen düsteren, fast nihilistischen Blick auf das leere Leben überprivilegierter Teenager in Los Angeles bietet, Jugendliche, die alles falsch schätzen und bereit sind, alles zu tun, um zu bekommen sie mit sehr wenig Gedanken an die Folgen. Auf andere Weise ist dies ein natürlicher Fortschritt für Coppola, der sich immer auf Menschen konzentriert hat, die mit ihrem eigenen Leben unzufrieden sind und sich bewegen, um die Leerstellen zu füllen, die sie darin finden. Aber das hier ist ihr bisher lustigstes – auch wenn die besten Zeilen wie „Ich will eines Tages ein Land führen, soweit ich weiß“ direkt aus dem wirklichen Leben stammen.

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38. WARME KÖRPER

Direktor: Jonathan Levine

Gießen: Nicholas Hoult, Teresa Palmer, John Malkovich, Rob Corddry, Analeigh Tipton, Dave Franco

Beste für: beweist, dass es ein Liebesleben nach dem Tod gibt.

Vielleicht überraschenderweise war die romantischste Version von Romeo & Julia in diesem Jahr nicht die prächtige, in Italien angesiedelte mittelalterliche Version, sondern die schmutzige, postapokalyptische Version über Zombies. Jonathan Levine und seine Darsteller haben den fast unmöglichen Trick vollbracht, uns für die Untoten zu feuern, in dieser Geschichte von Mädchen trifft Zombie, Zombie verliebt sich in Mädchen, nachdem er das Gehirn ihres Freundes gefressen hat, Zombie versucht, Mädchen davon zu überzeugen, dass es ihm wirklich gut geht. Es hilft, dass Nicholas Hoult seltsam hinreißend ist, selbst wenn er halb verrottet ist, aber die leise, effektive Teresa Palmer unterstützt, weil sie die andere Hälfte der Romanze verkauft hat.

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37. WRACK-IT RALPH

Direktor: Rich Moore

Gießen: John C. Reilly, Sarah Silverman, Jack McBrayer, Jane Lynch, Alan Tudyk, Mindy Kaling, Joe Lo Truglio

Beste für: den Bösewicht gewinnen lassen.

Apergo hat in der Vergangenheit argumentiert, dass es durchaus möglich ist, einen großartigen Videospielfilm zu machen, solange man sich nicht die Mühe macht, zuerst das Spiel zu machen (siehe auch: Crank, Scott Pilgrim) und hier ist ein weiterer Beweis. Wreck-It Ralph stellt sich auf die Seite des Underdogs und postuliert, dass manchmal sogar der Bösewicht einen Sieg braucht, und die Versuche seines glücklosen (Anti-)Helden, seine eigene Natur zu überwinden, machen ihn interessanter als fast jede Disney-Animationsführung, die wir zuvor gesehen haben . Mit glorreichen Game-Hopping-Abenteuern (wenn überhaupt, brauchte der Film mehr) und einer Fülle von Cameos mit großen Namen, hat dies genug Herz, dass Sie kein Spieler sein müssen, um es zu lieben. Eine Einschränkung jedoch: Die Sugar Rush-Segmente können bei Ihnen ein nahezu unstillbares Verlangen nach Süßigkeiten hinterlassen.

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Wir listen die Videospiel-Cameos auf, die wir in der Fortsetzung sehen möchten

36. DER ORT JENSEITS DER KIEFER

Direktor: Derek Cianfrance

Gießen: Ryan Gosling, Bradley Cooper, Eva Mendes, Dane DeHaan

Beste für: Die Kombination von Ryan Gosling und Bradley Cooper in einer sexy chemischen Reaktion, die leicht den Planeten hätte explodieren lassen können.

Wenn das Publikum für zwei der Sexiest Men des People-Magazins kam, blieb es für eine vielschichtige Parabel über Verbrechen, Familien und die Verantwortung der Vaterschaft. Vermutlich um unsere Augen zu schützen, teilen Baby Goose und B-Coops nur ein paar kurze Szenen in dem Film, der in der Mitte unerwartet vom Krimi zu etwas Tiefgreifenderem taumelt. Wenn das nach der Antwort von 2013 auf Heat klingt, liegt der Vergleich nicht zu weit daneben. Cooper und DeHaan, berechnender Politiker bzw. rachsüchtiger Youngster, zeigen, wie schlechte Entscheidungen im Laufe der Jahre nachhallen können. Wir wussten, dass Derek Cianfrance von Blue Valentine die intimen Momente festhalten konnte, aber diese ehrgeizige Geschichte mit Anklängen an griechische Tragödien bewies, dass eine größere Leinwand auch für ihn keine Ängste bereiten musste.

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35. RETTUNG VON MR. BANKEN

Direktor: John Hancock

Gießen: Emma Thompson, Tom Hanks, Colin Farrell, Bradley Whitford, Ruth Wilson, Jason Schwartzman, B. J. Novak, Paul Giamatti

Beste für: zeigt, dass ein Löffel Zucker selbst die schlimmste Medizin untergeht.

Die Trailer ließen es wie einen Willenskampf zwischen Mary Poppins-Autor PL Travers (Emma Thompson) und Tom Hanks' Walt Disney aussehen – aber natürlich kennen wir bereits den Ausgang dieses Kampfes. Stattdessen funktioniert das am besten, wenn der Fokus auf Travers selbst liegt, mit Thompson in Ausnahmeform unter einer Schreckdauerwelle als der steifen, schulmeisterlichen, aber irgendwie immer noch sympathischen Autorin. Ihr Entsetzen über die amerikanische Kultur ist sowohl urkomisch als auch – wagen wir es zu sagen – völlig verständlich, und der Konflikt mit Disneys Stil wird wunderbar beurteilt. Vielleicht hätte er sie stattdessen zum Drachensteigen mitnehmen sollen.

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34. STAR TREK IN DIE DUNKELHEIT

Direktor: J. J. Abrams

Gießen: Chris Pine, Zachary Quinto, Zoe Saldana, Simon Pegg, Benedict Cumberbatch, Karl Urban, Anton Yelchin, John Cho, Alice Eve

Beste für: kühn überall hingehen.

2009.s Star Trek hatte die großen Vorteile geringer Erwartungen und einer relativ heimlichen Ankunft. Aber sein riesiger Erfolg bedeutet, dass seine Fortsetzung mit allen Augen darauf und Hoffnungen irgendwo in der Stratosphäre begann. Kudos also an Abrams und sein Team dafür, dass sie den größten Teil der Handlung unter Verschluss gehalten und einige Überraschungen geliefert haben, darunter Fäulnis im Herzen der Sternenflotte und etwas, das einem 70er-Thriller näher kommt, als es die Serie jemals zuvor versucht hat. Cumberbatchs Bösewicht konnte sich gegen das mächtige Paar Kirk und Spock behaupten, und jedes Crewmitglied hatte mindestens einen Moment des Heldentums. Rollen Sie auf die Fünf-Jahres-Mission!

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33. LES MISERABLES

Direktor: Tom Hopper

Gießen: Hugh Jackman, Russell Crowe, Anne Hathaway, Eddie Redmayne, Amanda Seyfried, Helena Bonham Carter, Sacha Baron Cohen, Aaron Tveit

Beste für: live am Set singen.

Fast ein Jahr nach ihrem Erscheinen hallt die Musik von Les Misérables immer noch in unseren Ohren wider. Indem er seine unverschämt talentierte Besetzung live am Set singen ließ, behielt Regisseur Tom Hooper die Betonung auf den Emotionen, und infolgedessen hatte die Musik – selbst dort, wo eine Note wackelte – eine größere Wirkung, als die ausgefeilteste Studioperformance hätte erzielen können . Während Anne Hathaway den Oscar für ihre tragische Rolle als Fantine wegnahm, ist der MVP für uns Jackmans mitfühlende, oft verzweifelte Jean Valjean.

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32. DAS UNMÖGLICHE

Direktor: John Anthony Bayonne

Gießen: Ewan McGregor, Naomi Watts, Tom Holland, Samuel Joslin, Oaklee Pendergast

Beste für: eine rohe, zutiefst emotionale Darstellung einer Familie in Gefahr.

Als der begabte Spanier Juan Antonio Bayona The Orphanage mit einer anderen Art von Horrorfilm nachfolgte, gab es Gemurre darüber, seine wahre Familie mit kaukasischen Schauspielern neu zu besetzen. In Wahrheit geriet es bald in Vergessenheit, da es von den selbstbewusst universellen Themen des Films und seiner schlagkräftigen Wirkung ins Abseits gedrängt wurde. Der thailändische Tsunami-Schlag, dem der unheimlichste Vogelschwarm seit Hitchcocks Ankunft in Bodega Bay vorausging, donnerte auf den Bennet-Clan nieder und hinterließ jedem einen brutalen Kampf ums Überleben inmitten der überzeugend wiedergegebenen Apokalypse. Naomi Watts und Newcomer Tom Holland, Gewinner des Apergo Award, waren beide großartig, aber Ewan McGregor schnappte sich den MVP-Preis für eine Busbahnhof-Szene, die möglicherweise von Kleenex gesponsert wurde.

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31. ÜBER ZEIT

Direktor: Richard Curtis

Gießen: Domnhall Gleeson, Rachel McAdams, Bill Nighy, Lindsay Duncan, Tom Hollander, Margot Robbie, Lydia Wilson

Beste für: Väter und Söhne.

Manchmal kann ein Regisseur seinen eigenen Ruf als Bluff verwenden. Aus den Trailern und der Inhaltsangabe von About Time dachten wir alle, wir wüssten, was uns erwartet: Es war eine weitere sanfte romantische Komödie der Curtis-Schule, diesmal mit einem Zeitreise-Twist. Aber was dabei herauskam, ist sowohl eine Geschichte über Väter und Söhne als auch eine über Liebende, und in den Szenen zwischen Domnhall Gleesons Tim und Bill Nighys Vater (es ist bezeichnend, dass er keinen anderen Namen bekommt) schlägt das Herz des Films wirklich, wie es wird eine Geschichte über das Erwachsenwerden und Abschiednehmen.

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30. FRANCES HAT

Direktor: Noah Baumbach

Gießen: Greta Gerwig, Mickey Sumner, Michael Zegen

Beste für: eine gewinnende Portion reiner, von David Bowie angetriebener Greta Gerwiggery.

Irgendwo in Movie Manhattan, wahrscheinlich nur einen Steinwurf von Lena Dunhams klobigem Hipsterdom und Woody Allens Therapeutin entfernt, trafen wir Frances Ha, eine trottelige 20-jährige, die die Welt zu ihren beiden linken Füßen hat. In Schwarz-Weiß so elegant präsentiert, wie Greta Gerwigs sonnige Heldin ungeschickt war, war Noah Baumbachs Film eine Art Komödie, eine Art Tragödie: ein Baby Blue Jasmine. Wir lachten, als Frances tapfer durch ihr Leben stolperte, mit der ganzen Sicherheit eines neugeborenen Fohlens, wissend, dass die Zeit noch auf ihrer Seite war, aber mit mehr als einem Hauch von Sorge um ihre Zukunft, da sie feststellt, dass Optimismus allein nicht ausreicht. Baumbachs Drehbuch gab ihr einen großartigen Dialog („Behandle mich nicht wie eine Drei-Stunden-Brunch-Freundin!“), der perfekt den einzigartigen Rhythmus von Freundschaften und die schmerzhaften Veränderungen darstellt, die einem das Leben aufzwingt, wenn man damit beschäftigt ist, Getränke zu organisieren.

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29. Philomene

Direktor: Stefan Frears

Gießen: Judi Dench, Steve Coogan, Sophie Kennedy Clark, Sean Mahon Beste für: Liebesromane rekapitulieren und dich dazu bringen, deine Mutter anzurufen.

Was ein Hallmark-Film hätte werden können, verwandelt sich in ein fesselndes Mysterium. Diese Geschichte einer Frau, die nach ihrem lange verschollenen Sohn sucht, wird durch ein Drehbuch, das Klischees und Melodramen vermeidet, zu glorreichem Leben erweckt, und durch eine Besetzung, die die besten ungleichen Kumpel seit Riggs Begegnung abgibt Murtaugh. Judi Dench und Steve Coogan bieten eine Studie über Kontraste auf allen Ebenen: Ihre Philomena ist im Grunde hoffnungsvoll, manchmal naiv, oft sanftmütig gegenüber Autoritäten; er ist zynisch, weltgewandt und dreist. Aber selbst er ist bewegt von ihrer stillen Suche und der Audienz bei ihm. Einer der bewegenderen Filme des Jahres, und er gelingt, ohne manipulativ zu wirken.

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28. MANN AUS STAHL

Direktor: Zack Snyder

Gießen: Henry Cavill, Amy Adams, Michael Shannon, Russell Crowe, Kevin Costner, Diane Lane, Antje Traue, Richard Schiff

Beste für: uns glauben machen, dass Superman wieder fliegen kann.

Zack Snyders neu erfundener Superman beginnt groß – auf Krypton, inmitten fliegender Drachen und unter einem explodierenden Mond – und wird dann, unmöglich, größer, selbst wenn er sich bemüht, den Fokus auf die emotionalen, menschlichen Konflikte zu halten, die unter Supermans undurchdringlicher Haut liegen. Es gibt Momente reiner visueller Poesie, wenn Clark Kent zu Superman wird – sein erster Flug, der direkt durch die Luft rast, ist eine der Aufnahmen des Jahres –, aber der Film lässt auch den Menschen um ihn herum Raum, eine Rolle zu übernehmen. Denken Sie daran, dies ist der Film, in dem Toby Ziegler die Welt rettet, und das ist etwas, das Sie schätzen sollten.

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27. TRANCE

Direktor: Danny Boyle

Gießen: James McAvoy, Rosario Dawson, Vincent Cassel

Beste für: die Kunst des langen Betrugs.

Warum eine Drehung, wenn Sie ein Puzzle im M. C. Escher-Stil aus Ihrem Film bauen können? Danny Boyles Reihe völlig unvorhersehbarer Filmentscheidungen wurde mit diesem sexy, verdächtigen Thriller fortgesetzt, der in einem erkennbaren London spielt, aber voller Charaktere ist, die Sie besser meiden sollten. Angesichts der Tatsache, dass der ewig finstere Vincent Cassel manchmal der vertrauenswürdigste Charakter auf dem Bildschirm ist, wissen Sie, dass dies in der Tat ein unter Hochdruck stehender Haufen ist. In der Zwischenzeit ist McAvoy so gut wie immer in einer Rolle, in der er sich ändert, wenn seine eigene Erinnerung kommt und geht, und Dawson war noch nie besser.

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26. DIE HUNGER GAMES: FEUER FANGEN

Direktor: Franz Laurent

Gießen: Jennifer Lawrence, Josh Hutcherson, Liam Hemsworth, Woody Harrelson, Sam Claflin, Elizabeth Banks, Stanley Tucci, Donald Sutherland, Jeffrey Wright, Jena Malone

Beste für: was beweist, dass die Chancen sehr gut für Katniss stehen.

Der erste Film musste all diese lächerlichen „Next Twilight“-Tags überwinden – was er mit einigem Stil tat. Catching Fire musste sich stattdessen himmelhohen Erwartungen stellen und mit der Tatsache ringen, dass eine schlechte Adaption mehr oder weniger eine Runderneuerung des ersten Films hätte sein können. Glücklicherweise weitete der neue Regisseur Francis Lawrence den Fokus aus und verbrachte den größten Teil seiner Spielzeit außerhalb der Arena der Spiele, um die Welt von Panem zu entdecken und zu erklären, welche Schlüsselfigur Jennifer Lawrences unglückliche Katniss geworden ist. Das Ergebnis war ein Film, der sich zwar dunkler, aber auch stärker und mächtiger anfühlte.

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Lesen Sie die mit Spoiler gefüllten Worte von Francis Lawrence über das Franchise

25. EIN FELD IN ENGLAND

Direktor: Ben Wheatley

Gießen: Michael Smiley, Reece Shearsmith, Julian Barratt, Richard Glover, Peter Ferdinando, Sara Dee, Ryan Pope

Beste für: Dinge, die dich zum Pilz werden lassen.

Ben Wheatleys erster Ausflug in Englands reiche und weitgehend gestörte Geschichte wird sicherlich nicht der letzte sein, wenn man bedenkt, wie viel Spaß er eindeutig mit seinem Bürgerkriegs-Mindfuck hatte. Trippy ist nicht die halbe Miete, als Reece Shearsmith, Assistent des Alchemisten, auf die Deserteure Peter Ferdinando und Richard Glover trifft, bevor der mysteriöse Ire Michael Smiley auftaucht, magische Pilze eingenommen, Löcher gegraben und der Verstand in einem sporadisch surrealen (Fehl-)Abenteuer verloren geht. Peter Watkins' Dokudrama 1964 Culloden war so etwas wie ein Bezugspunkt, und viele zitierten schnell auch Witchfinder General, aber in Wahrheit waren die Ergebnisse wie nichts, was wir zuvor gesehen hatten. Vergiss die Jakobsleiter, hier war Jakobs Schaufel.

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24. Dreck

Direktor: Jon S. Baird

Gießen: James McAvoy, Eddie Marsan, Jamie Bell, Imogen Poots

Beste für: Männer benehmen sich schlecht.

Auf der Seite ist der Held von Irvine Welshs Filth ein reiner Drecksack, ein korrupter Polizist, der normalerweise mehr bewusstseinsverändernde Substanzen nimmt als die Kriminellen. Auf der Leinwand ist er immer noch durch und durch entsetzlich, mit einem ranzigen Mangel an Moral, den man anfassen kann, aber James McAvoy gibt ihm genug Nuancen und Menschlichkeit, dass man fast Mitleid mit dem beschissenen, ausbeuterischen Bastard hat. Unterdessen überträgt der Film den unverschämten Humor und die Aura verfallender Vernunft des Buches intakt, so dass Mary Whitehouse selbst nachgeben und über seine verzweifelten Versuche lachen müsste, eine große Beförderung zu landen und seinen Rivalen zu zeigen, wer der Boss ist.

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23. BLAU IST DIE WÄRMSTE FARBE

Direktor: Abdellatif Kechiche

Gießen: Léa Seydoux, Adele Exarchopoulos, Salim Kechiouche

Beste für: jeder, der ein Herz hat.

Der Film des tunesisch-französischen Abdellatif Kechiche wurde zu einer der Geschichten des Jahres 2013, ein unangekündigter 179-minütiger Film, in dem Steven Spielbergs Cannes-Jury die Goldene Palme nicht nur an den Regisseur, sondern radikal an die Hauptdarstellerinnen Adele Exarchopoulos und Lea Seydoux verlieh. Es folgte ein erbittertes Wortgefecht zwischen Cast und Crew – die behaupteten, während der Dreharbeiten ausgebeutet worden zu sein – und dem Regisseur, der drohte, den Film von der Veröffentlichung zurückzuziehen. Glücklicherweise gab Kechiche nach, denn Blue Is The Warmest Color – französischer Titel: La Vie D'Adele: Chapitres 1 Et 2 – ist das, was die jungen Leute „totes emosh“ nennen, ein atemberaubendes Porträt der 15-jährigen Adele (Exarchopoulos). zeichnet ihr Leben von der Schule bis zu ihren frühen Zwanzigern nach, das von ihrer leidenschaftlichen Beziehung zu der blauhaarigen Künstlerin Emma (Seydoux) dominiert wird. Aber vergessen Sie die viel diskutierten, lächerlich expliziten Sexszenen: Dies ist eine berührende, schön beobachtete, perfekt gespielte Coming-of-Age-Geschichte darüber, wie Sie Ihren eigenen Platz in der Welt finden, sei es am Arbeitsplatz, im Wohnzimmer oder tatsächlich. das Doppelbett. Die Kapitel 3 und 4 können nicht früh genug kommen.

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22. ALLES IST VERLOREN

Direktor: JC Chandor

Gießen: Robert Redford

Beste für: Der alte Mann und das Meer.

Fast wortlos, aber niemals still, ist dies eine weitere Geschichte aus der diesjährigen Liste von Geschichten eines Individuums allein gegen die Elemente und Widrigkeiten. Redford ist der Seemann, dessen Yacht kurz vor einem gewaltigen Sturm einen Rumpfbruch erleidet. Stoisch und entschlossen schafft er es, sich durch sintflutartigen Regen und riesige Wellen über Wasser zu halten – aber der Film lässt Sie nie vergessen, dass er ein winziger Punkt in einem riesigen Ozean ist und Hilfe alles andere als nahe ist. Regisseur J.C. Chandor, der mit Margin Call ein großartiges Talky-Drama lieferte, beweist, dass er keine Unmengen von Dialogen braucht, um unsere Aufmerksamkeit zu fesseln – und Redfords Leistung könnte die beste seiner Karriere sein.

21. STROMAUFLAUFFARBE

Direktor: Shane Carruth

Gießen: Amy Seimetz, Andrew Sensenig, Shane Carruth, Thiago Martins

Beste für: Bewusstseinsveränderung sowohl erzählerisch als auch tatsächlich.

Shane Carruths verträumter Nachfolger von Primer hat eine Art Handlung. Es handelt sich um den Lebenszyklus einer Droge, die den Menschen auf merkwürdige Weise an die Kontrolle von außen anpasst und die eine fast biblische Qualität hat (sie wird von Menschen ausgestoßen und in Schweine getrieben? Die Droge ist ein Dämon?). Leichte Dialoge und fast völlig frei von Darstellungen, so dass Sie die ganze schwere Arbeit erledigen müssen, um herauszufinden, was los ist, während Sie davon mitgerissen werden, wie schön alles aussieht. Nach Primer und diesem können wir es kaum erwarten zu sehen, was Carruth als nächstes tut.

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20. WOLKENATLAS

Direktor: Lana Wachowski, Andy Wachowski, Tom Tykwer

Gießen: Tom Hanks, Halle Berry, Jim Sturgess, Jim Broadbent, Hugh Grant, Hugo Weaving, Ben Whishaw, Doona Bae

Beste für: ein unmögliches Buch auf unmögliche Weise adaptieren.

Sicher, nicht das ganze Make-up ziemlich geht, aber lass es. Cloud Atlas ist ein offensichtlich unmöglich zu adaptierendes Buch, daher würden die Wachowskis und Tykwer selbst für den Versuch Lob verdienen. Aber tatsächlich gelingt es ihnen, einen Weg zu finden, die weitläufigen Ideen des Buchs auf dem Bildschirm zu behandeln, indem sie die russische Puppenstruktur für eine ineinandergreifende Reihe von Geschichten aufgeben, die durch die gleiche Besetzung verbunden sind, die Charaktere über Epochen und Rassen hinweg spielt. Es ist ein komplizierter und manchmal schwindelerregender Ansatz, aber es ist schwer vorstellbar, dass ein anderer halb so effektiv ist.

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19. SCHWARZFISCH

Direktor: Gabriela Cowperthwaite

Gießen: Tilikum der Killerwal

Beste für: Sie dazu bringen, Ihre Freizeitparkpläne zu überdenken.

Einer der wenigen Filme, die es sowohl in die Nachrichten als auch auf die Filmseiten unserer Zeitungen schafften, war Blackfish, der diesjährige The Cove. Es war auch ein Horrorfilm, falls Sie zufällig in der PR-Abteilung von SeaWorld arbeiteten, denn Gabriela Cowperthwaites wütender, fesselnder Dokumentarfilm machte die ganze Welt auf die Bedingungen aufmerksam, unter denen gefangene Orcas gehalten werden. Eine wütende Erwiderung von SeaWorld, die niemanden davon überzeugte, dass der knallharte Film nicht auf dem richtigen Weg war, lenkte nur weitere Aufmerksamkeit auf die angesprochenen Probleme. Der Bericht des Films über den Tod der Killerwal-Trainerin Dawn Brancheau, die 2010 von einem 12.000 Pfund schweren Orca-Bullen zerfleischt und ertränkt wurde, warf ernsthafte Fragen nach psychologischem Trauma und Sicherheit auf, aber wie The Cove war dies ein Themenfilm, der wie ein Thriller raste.

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18. NUR GOTT VERGIBT

Direktor: Nicolas Winding Art.-Nr

Gießen: Ryan Gosling, Kristin Scott Thomas, Vithaya Pansringarm

Beste für: eine neongetränkte, wunderschön fotografierte Vision der Hölle.

Dies ist der einzige Film in diesem Jahr, der bei Apergo's Best erscheint und schlechtesten Listen, eine Meinungsverschiedenheit, von der wir vermuten, dass sie ihrem Regisseur weit mehr gefallen wird als allgemeine Anbetung. In einem farbgesättigten Bangkok wird ein zwielichtiger Amerikaner namens Julian (Gosling) widerwillig von seiner entsetzlichen Mutter (Scott Thomas) losgeschickt, um seinen Bruder zu rächen, der selbst aus Rache ermordet wurde, weil er ein junges Mädchen getötet hatte. Aber Julian steht dem Terminator-ähnlichen Chang (Pansringarm) gegenüber, und der Krimi, der darauf folgt, dient als Grifters-ähnliches Familiendrama, als Kritik am westlichen Imperialismus und als Ode an die Freuden des Karaoke.

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17. THOR: DIE DUNKLE WELT

Direktor: Alan Taylor

Gießen: Chris Hemsworth, Tom Hiddleston, Natalie Portman, Anthony Hopkins, Christopher Eccleston, Stellan Skarsgard, Kat Denning

Beste für: den Hammer fallen lassen.

Die Gerüchte waren besorgniserregend. Es gab Geschichten über Umschreibungen, Neuaufnahmen und jede andere Art des Umdenkens. Es stellte sich heraus, dass wir nicht nur nichts zu befürchten hatten, sondern die Neinsager bis Mitte nächster Woche geschlagen wurden. Der zweite Thor war lustiger, selbstbewusster und ruhiger als sein Vorgänger und gab uns viel mehr Bromance zwischen Thor und Loki und viel Herumtollen für die nicht übermächtigen Menschen. Sicher, die 'Wissenschaft' macht keinen Sinn und Sie können nicht in drei U-Bahnstationen von Charing Cross nach Greenwich kommen, aber wir haben zu sehr gelacht, um uns darum zu kümmern.

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16. KURZFRISTIG 12

Direktor: Schicksal Daniel Cretton

Gießen: Brie Larson, Frantz Turner, John Gallagher Jr., Kaitlyn Dever, Keith Stanfield

Beste für: uns daran erinnern, dass das amerikanische Indie-Kino immer noch kleine, formvollendete Geschichten erzählen kann.

Auf dem Papier ist es fast unmöglich, Short Term 12 für den gelegentlichen Zuschauer ansprechend klingen zu lassen: Schließlich ist es die Geschichte eines Pflegeheims voller beschädigter Kinder und der fast ebenso beschädigten jungen Erwachsenen, die sie betreuen. Aber auf dem Bildschirm gibt es so viel Herz und Humor, dass es sich meilenweit von der Art von Elendsfest anfühlt, das Sie vielleicht erwarten. Brie Larson war eine der Ausreißerinnen des Jahres nach ihrer mitfühlenden, komplexen Rolle als Heimleiterin Grace, die ein Fels für ihre Schützlinge ist, aber selbst innerlich zerbröckelt. Bitte mehr davon.

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15. BLAUER JASMIN

Direktor: Woody Allen

Gießen: Cate Blanchett, Sally Hawkins, Adam Baldwin, Bobby Cannavale, Louis CK

Beste für: ein Porträt einer Frau, das aus allen Nähten platzt.

Fragen Sie die derzeitige Oscar-Preisträgerin für die beste Hauptdarstellerin, Jennifer Lawrence, nach der besten Leistung der Kinogeschichte, und sie wird Cate Blanchetts Rolle hier nennen. Und es ist leicht zu verstehen, warum: Blanchetts nervöse Jasmine ist nach dem Zusammenbruch ihrer Ehe und ihres verwöhnten Lebensstils weit über den Rand des Nervenzusammenbruchs hinaus. Ihre Leistung verwandelt sich im Handumdrehen von der coolen Society-Doyenne in eine rasende Neurotikerin und verankert den Film – insbesondere mit geschickter Unterstützung von Sally Hawkins als ihrer geerdeteren und mitfühlenderen Schwester. Das Ergebnis ist eine weitere Rückkehr zur Form für diesen robusten Dauerbrenner Woody Allen.

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14. HINTER DEM KANDELABER

Direktor: Steven Söderbergh

Gießen: Michael Douglas, Matt Damon, Rob Lowe

Beste für: Diamante, Nerz und Klaviermusik natürlich.

„Ich kann nicht glauben, dass Liberace schwul war. Ich meine, die Frauen liebten ihn“, sagte Austin Powers, als er aus dem Kryoschlaf erwachte und eine verrückt gewordene Welt nachholte. Er hätte Soderberghs HBO-Film als Grundlage für das, was er verpasst hatte, verwenden und Liberaces Privatleben aufdecken können, um zu zeigen, dass der beglitzerte und extravagante Pianist tatsächlich schwul war. Aber das geht über die Camp-Manierismen und diese unglaublichen Kostüme hinaus, um eine Figur zu zeigen, die in dieser nuancierten Geschichte oft charmant, manchmal grausam, enorm unsicher und überraschend sympathisch ist. Volle Punktzahl sowohl für Michael Douglas als auch für Matt Damon, weil sie eine Romanze, die in anderen Händen vielleicht eine Note gewesen wäre, als Hin- und Herziehen der Liebe ausgespielt haben.

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13. DJANGO LOSGEKETTET

Direktor: Quentin Tarantino

Gießen: Jamie Foxx, Christoph Waltz, Leonardo DiCaprio, Samuel L. Jackson, Kerry Washington

Beste für: Wunscherfüllung gegenüber der angemessenen Behandlung von Sklavenhaltern.

Quentin Tarantino mag blutige Rachegeschichten, aber selten aus einem besseren Grund als in dieser Geschichte eines befreiten Sklaven, des titelgebenden Django (Jamie Foxx), der die Hölle auf den durch und durch verdorbenen Plantagenbesitzer (DiCaprio) loslässt, der seine Frau (Washington) festhält ). Es ist nicht gerade subtil oder realistisch, aber die Comicbuch-Freude und der Elan, mit dem die Gewalt schließlich an die absolut verdienten Sklavenhalter und ihre Komplizen gerichtet wird, machen es zu einem instinktiven Vergnügen – wie viele andere Arbeiten des Regisseurs.

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12. DAS ENDE DER WELT

Direktor: Edgar Wright

Gießen: Simon Pegg, Nick Frost, Paddy Considine, Rosamund Pike, Eddie Marsan, Martin Freeman

Beste für: komplizierte Vorahnungen und ein überzeugender Blick auf Männerfreundschaften und das Erwachsenwerden.

Die Three Flavors Cornetto-Trilogie endete diesen Sommer triumphal mit einer Alien-Apokalypse, von der Roland Emmerich kaum hätte träumen können. Nach einem Zombie-Triumph und einem Kleinstadt-Actionfilm sehen wir hier das Ende der Welt durch die Augen eines Alkoholikers und seiner lange verschollenen, halb beschnittenen besten Freunde. Etwas düsterer und emotional komplizierter als zuvor, ist dies eine wunderschön konstruierte Geschichte, die Nostalgie, Selbsttäuschung, Sucht und zerschmetterte Eiermänner abdeckt. Hoffen wir, dass dies nicht die letzte Zusammenarbeit von Wright, Frost und Pegg ist.

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11. NULL DUNKLE DREIßIG

Direktor: Kathryn Bigelow

Gießen: Jessica Chastain, Jason Clarke, Mark Strong, James Gandolfini, Chris Pratt, Joel Edgerton, Jennifer Ehle

Beste für: den Bösewicht bekommen.

Sie wissen, dass Sie über die jüngste Geschichte berichten, wenn sich das Ende Ihres Films ändert, bevor Sie ihn überhaupt beenden können. In Kathryn Bigelows Nachfolger des Oscar-prämierten Hurt Locker dramatisiert sie die Jagd nach Osama bin Laden auf eine moralisch komplexe, treibende und faszinierende Weise. Jessica Chastains Mia verhärtet sichtbar ihre Haut und stärkt ihr Rückgrat im Verlauf des Films; Umringt von Alpha-Männern ist sie bald die dominanteste von allen und fährt mit wenig mehr als Mut und Entschlossenheit, um den letzten Überfall auf bin Ladens Gelände zu starten.

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10. ALAN REBHUHN: ALPHA PAPA

Direktor: Declan Lowney

Gießen: Steve Coogan, Colm Meaney, Felicity Montagu, Monica Dolan, Sean Pertwee

Beste für: uns eine endgültige Antwort auf die schlimmste Art von 'Händler' zu geben.

Die Adaption einer geliebten TV-Figur für die große Leinwand ist eine risikoreiche Aufgabe, aber Alan Partridge hat sie mit Souveränität gemeistert (kein Wort, das normalerweise mit dem fiktiven Einwohner von Norfolk in Verbindung gebracht wird). Dies ist eine Figur, die am besten in einer kleinen, feuchten und mittelmäßigen Welt funktioniert, und glücklicherweise haben die Filmemacher alle Vorschläge, Alan nach Amerika zu bringen oder ihn auf eine größere und vielleicht sogar bedeutende Bühne zu werfen, verworfen und dafür gesorgt, dass die Lacher weiterkamen, indem sie Alan ließen zu seiner täglichen Arbeit kommen. Die Handlung bleibt also bei Norwich, das Drehbuch bei lokalen Belangen und das Polyester bei allem.

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Bill Oddie spricht mit Alan Partridge

Steve Coogan spricht mit Alan Partridge

9. DIE GROSSE SCHÖNHEIT

Direktor: Paolo Sorrentino

Gießen: Toni Servillo, Carlo Verdone, Sabrina Ferilli, Carlo Buccirosso

Beste für: Er interpretiert Federico Fellinis La Dolce Vita als römische Odyssee des 21. Jahrhunderts neu.

Tony Servillo und Paolo Sorrentino trafen sich zum vierten Mal in einem italienischsprachigen Juwel, das mit einer Explosion von Energie und Ideen aus dem Festivalzirkus hervorbrach. Wie ihre letzten beiden Kollaborationen, Il Divo und The Consequences Of Love, zeigte es den wunderbar ironischen Servillo von seiner besten Seite. Es stellte seinen Romanautor/Schriftsteller/Lebenskünstler Jep Gambardella vor – denken Sie an Marcello Mastroiannis Dolce Vita-Hack, der mit den Jahren und dem einen oder anderen Brandy gewürzt ist – als einen Mann, der seine eigene Disco-Party beobachtet wie ein schelmischer Kobold, der das Ende der Tage miterlebt uns auf einer Reise durch eine Stadt, die abwechselnd dekadent und fromm, aber nie weniger als hypnotisierend ist.

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8. VOR MITTERNACHT

Direktor: Richard Linklater

Gießen: Ethan Hawke, Julie Delpy

Beste für: zeigt uns, was nach dem Happy End passiert.

Diese kontinuierliche Zusammenarbeit von Autor und Regisseur Richard Linklater und seinen Co-Autoren und Stars Julie Delpy und Ethan Hawke ist eines der erfolgreichsten Experimente des Kinos. Vor über 20 Jahren hatten wir die Gelegenheit, einen Blick in drei Schlüsselmomente im Leben von Jesse und Celine zu werfen, während sie über Leben, Liebe, Sex und ihre eigene gemeinsame Zukunft debattieren. Ihre Diskussionen fühlen sich so natürlich an (wenn auch hyperartikuliert und gut ausgedrückt), dass die Zuschauer insgeheim hoffen, dass „Julie Delpy“ und „Ethan Hawke“ die Charaktere sind und Celine und Jesse immer noch irgendwo da draußen sind und reden auf eine Weise, die sogar Aaron Sorkin beschämt.

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7. EISERNER MANN 3

Direktor: Shane Schwarz

Gießen: Robert Downey Jr., Gwyneth Paltrow, Guy Pearce, Ben Kingsley, Don Cheadle

Beste für: liefert Blockbuster-Maßstab und unterbietet Klischees auf witzige Weise.

Zeitungskritiker sprechen gerne über Superhelden-Müdigkeit, aber solange die Filme so einfallsreich und überraschend bleiben wie Iron Three-Quel in diesem Sommer, wird es in absehbarer Zeit nicht klappen. Der erste Post-Avengers-Ausflug für Marvels Beste sah Tony Stark mit dem Rücken zur Wand und ohne seinen üblichen häuslichen Komfort, aber umso besser dafür. Der neue Regisseur Shane Black hat die Geschichte unweigerlich auf Weihnachten gesetzt, aber Überraschungen geliefert, sowohl kleine (ein süßes Kind, das nicht nervt!) als auch riesige (Sie wissen schon, was wir meinen). Mehr Spaß als ein Fass voller Affen.

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6. HEIZER

Direktor: Park Chanwook

Gießen: Nicole Kidman, Mia Wasikowska, Matthew Goode, Jacki Weaver

Beste für: gruselige Atmosphäre und neuartige Anwendungen für Bleistifte.

Eine langsam brennende Coming-of-Age-Geschichte, die sich einer einfachen Kategorisierung widersetzt, die unter die Haut geht und dort bleibt. Matthew Goode spielt den mysteriösen Onkel Charlie, der bei der Beerdigung seines Bruders auftaucht, um die trauernde Witwe Evie (Kidman) und ihre Tochter India (Wasikowska) zu trösten – dabei wird jedoch sofort klar, dass er etwas zu verbergen hat und im Staat nicht alles in Ordnung ist von Indien, ist es immer noch ein Schock, wenn man realisiert, was man die ganze Zeit beobachtet hat.

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5. LINCOLN

Direktor: Steven Spielberg

Gießen: Daniel Day-Lewis, David Strathairn, Sally Field, Bruce McGill, Tommy Lee Jones, James Spader

Beste für: den Charakter eines großen Mannes in einer kurzen Spanne von Wochen zusammenzufassen.

Steven Spielberg. Daniel Day-Lewis. Der größte US-Präsident der Geschichte (Diskussion; 10 Mark). Es ist ein Dreamteam, noch bevor man zu den Nebendarstellern (Strathairn, Spader, Field) kommt, und von da an wird es nur noch träumerischer. Indem er sich auf den Kampf um die Verabschiedung des 13. Zusatzartikels zur US-Verfassung konzentriert, umgeht Spielberg die Brutalität des US-Bürgerkriegs (zumindest etwas), um sich auf die hohen Ideale zu konzentrieren, für die zumindest Lincoln gekämpft hat. So inspirierend, dass Sie am Ende vielleicht das Star-Spangled Banner singen.

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Eine Geschichtsgrundierung für Lincoln

[Objekt Objekt][Objekt Objekt] EXEKUTIVE ENTSCHEIDUNGEN

WIE STEVEN SPIELBERG LINCOLN FAST MACHT, DANN NICHT MACHT, DANN MACHT

WÖRTER: IAN FREIER

Diese Funktion erschien erstmals in Ausgabe 283 von Apergo-Magazin __.

„Ich lese keine Tweets, also teilen Sie nichts anderes mit mir“, sagt Steven Spielberg, macht es sich auf seinem Stuhl bequem und wirft seine charakteristische Schiebermütze auf den Couchtisch vor sich. „Ich habe den Tweet von Whoopi Goldberg nur gelesen, weil sie ihn mir direkt ins Gesicht geschrieben hat.“ Es ist der Nachmittag nach Lincolns inoffizieller Weltpremiere beim New York Film Festival und wir befinden uns in einer Eckwohnung im 12. Stock des Ritz-Carlton Hotels im Central Park, die den Fensterrahmen von CinemaScope ausfüllt. Apergo hat begonnen, die #oscarpredictions nach der Vorführung weiterzugeben, aber Spielberg – notorisch vorsichtig um die Zeit der Preisverleihung – hat uns aufgehalten. Obwohl der Film nur wenige Wochen von seiner Premiere am 9. November entfernt ist, nimmt er immer noch Schnitt-, Farb- und Abspannänderungen vor („Es ist das einzige Mal, dass ich je gedacht habe, dass Digital eine gute Sache ist“), aber sein Lincoln Abenteuer - als er anfing, war Bill Clinton im Weißen Haus - geht zu Ende.

'Ich habe es nicht schnell geschafft', schlägt er vor. „Es hat lange gedauert, das Drehbuch richtig hinzubekommen. Es hat lange gedauert, meinen Lincoln zu finden. Ich bin gerade in einem Moment, in dem ich stolz auf die Arbeit bin und erleichtert, dass wir dieses Ding auf den Weg gebracht haben oft dachte ich, das würde nie fertig werden.'

[object Object] Es ist ein Film wie nichts, bei dem ich je Regie geführt habe.

[Objekt Objekt]

STEVEN SPIELBERG [object Object]Bei der Vorbereitung des Projekts in den frühen Nullerjahren führten ihn Spielbergs Recherchen zum Lincoln-Archiv in Springfield (nein, nicht dieses), Illinois. Als der Regisseur die Palette der Besitztümer des Präsidenten durchging, stieß er auf den heiligen Gral der Ephemera von Lincoln – den Ofenrohrhut. Er zog weiße Handschuhe an und nahm die ikonische Kopfbedeckung in die Hände. War auch nur ein kleiner Teil von ihm versucht, es wegen der Größe anzuprobieren?

„Nein, niemals“, sagt Spielberg, und sein Gesicht verfärbt sich schon bei dem Gedanken in 50 Schattierungen von Entsetzen. 'Ich würde nie den Gehrock anziehen. Ich würde nie den Hut anziehen. Meine Güte. Das wäre, als würde man sich in der Sixtinischen Kapelle eine Zigarette anzünden. Und ich rauche nicht und ich bin nicht katholisch.'

Spielbergs Stirn zeigt die Aura, die immer noch Abraham Lincoln umgibt, den 16. Präsidenten der Vereinigten Staaten, der die Union rettete, den Bürgerkrieg beendete und die Sklaverei praktisch vom Erdboden tilgte. Für die Amerikaner ist Lincoln eine Figur, die in Washingtoner Denkmälern, Kinos (John Fords Young Mr. Lincoln) und US-Tender (sein Gesicht ist auf dem Fünf-Dollar-Schein) vergöttert wird, bis zu dem Punkt, an dem er zu einem leichten Ziel für Spott geworden ist, sei es Bill & Ted ('Party on, Jungs!') oder Police Squad! („… und Rex Hamilton als Abraham Lincoln“). So wie die übermäßig ehrfürchtigen und lächerlich respektlosen Lincoln gleichermaßen entführt haben, stiehlt Spielberg ihn jetzt zurück.

'Ich hatte schon immer eine Leidenschaft für seine Taten', sagt er. „Nicht das Bild, das Amerika angenommen hat, sondern von seinen tatsächlichen Taten. Ich wollte mir genauer ansehen, wie es ist, er zu sein, das Gleichgewicht dieser Nation auf seinen Schultern zu halten. Und ich bin froh, dass ich nicht drei genommen habe - anderthalb Stunden dafür!'

Wenn Spielberg über ein Jahrzehnt brauchte, um Lincoln auf die Leinwand zu bringen, brauchte er einen Augenblick, um sich dazu zu verpflichten. 1999 lud der Regisseur die Historikerin Doris Kearns Goodwin ein, sich seinem Brain Trust für The Unfinished Journey anzuschließen, einen Kurzfilm, den Spielberg anlässlich der Jahrtausendwende für CBS inszenierte. Als er erfuhr, dass Kearns Goodwin Team Of Rivals, eine Geschichte der Lincoln-Administration, schrieb, traf Spielberg eine spontane Entscheidung, die Filmrechte zu erwerben. Jahrelang arbeitete er Autor für Autor (John Logan, Paul Wright), Entwurf für Entwurf, bis er bei einem „echten D. W. Griffith-Epos“ landete, das den Präsidenten durch das Prisma von neun verschiedenen Bürgerkriegsschlachten untersuchte. Dann hatte er einen Sinneswandel.

[Objekt Objekt] Steven Spielberg übernimmt die Rolle, um Regie zu führen.

„Mir wurde klar, dass ich einen großen Fehler gemacht hatte“, sagt er. „Ich wollte nicht ‚Saving Private Ryan‘ machen. Ich wollte keinen weiteren Film über den Kampf machen, diesmal zwischen Blau und Grau. Ich wollte einfach ein lebendiges Porträt eines arbeitenden Präsidenten und eines aktiven Ehemanns schaffen Vater. Und das könnte ich nicht tun, wenn der Krieg Lincoln in den Schatten stellt.“

Um seiner neuen Vision gerecht zu werden, engagierte Spielberg den Dramatiker Tony Kushner (München). Es dauerte fünf Jahre, das daraus resultierende Drehbuch zu knacken, wobei der erste Entwurf satte 550 Seiten umfasste und seine gesamte Amtszeit von 1861 bis 1865 abdeckte. Doch innerhalb des kurzen Blocks eines Drehbuchs konzentrierte sich Spielberg auf einen 50-seitigen Abschnitt, der sich darauf konzentrierte Lincolns Versuche, den 13. Verfassungszusatz zu verabschieden und die Sklaverei endgültig abzuschaffen.

[object Object] Studios lieben die Award-Saison. Es ist dumm, Kreide und Käse zu vergleichen.

[Objekt Objekt]

DANIEL DAY-LEWIS [object Object]So sehr Kushners poetisches, gebildetes Drehbuch die politischen Schikanen hervorhebt, die mit der Verabschiedung der Änderung verbunden sind – Lincoln, der seine Berater fummelt, den radikalen Abolitionisten Thaddeus Stevens (Tommy Lee Jones) temperiert und drei politische Bovver-Jungs (John Hawkes) anstellt , James Spader, Tim Blake Nelson) um die 20 Stimmen zu sammeln, die der Änderungsantrag braucht, um durch den Kongress zu kommen - es geht auch darum, wie sich die Präsidentschaft auf seine Beziehung zu seiner möglicherweise bipolaren Frau Mary Todd (Sally Field) und seinem entfernten Sohn Robert (Joseph Gordon-) auswirkt. Levitt). Es sorgt für viel Gelächter – nur Spielberg kann sich über die Ratifizierung einer Gesetzesänderung lustig machen –, verschleiert aber nicht das zentrale Dilemma: Um die 13. Änderung durchzusetzen, entschied sich Lincoln dafür, den Bürgerkrieg zu verlängern, einen Konflikt, der letztendlich Menschenleben kostete von 750.000 Amerikanern.

„Lincoln hat Blut an seinen Händen“, sagt Spielberg. „Er hat eine sehr schwierige Entscheidung getroffen. Er wurde während dieser Entscheidung gefoltert, aber ich denke, er hat die richtige Entscheidung getroffen. Ich denke, er hat die einzige Entscheidung getroffen.“

„STUDIOS LOVE AWARDS-Saison“, sagt Daniel Day-Lewis, der heute kurzes, schickes Haar, eine überstylische Militärjacke und Röhren-Keks trägt. „Die meisten Schauspieler, die ich kenne, haben zumindest eine ambivalente Einstellung zu ihnen, weil sie verstehen, dass es dumm ist, Kreide und Käse zu vergleichen. Wir wissen zu schätzen, dass es für den Film hilfreich ist, und ich denke, Sie fühlen sich auf persönlicher Ebene ermutigt, wenn Menschen Erkenne deine Arbeit an, aber einige von ihnen gehen stundenlang weiter. Die Golden Globes sind Fernsehen und Kino in jeder einzelnen Kategorie, und in den Kinokategorien gibt es Musical/Comedy, dann Drama. Es endet einfach nie. Wenn du Glück hast Setz dich mit ein paar guten Kumpels zusammen und lache herzhaft und versuche, dabei nicht zu sauer zu werden.'

Day-Lewis wäre ein Spitzenreiter in jedem Rennen um den besten Schauspieler, aber es war eine langwierige Reise bis zur Startlinie. Wenn Sie eines über Spielbergs Lincoln wissen, wissen Sie, dass Liam Neeson Spielbergs erste Wahl für die Titelrolle war. Nur er war es nicht. Als das Drehbuch in seiner „D. W. Griffith“-Inkarnation war, schickte der Regisseur es an Daniel Day-Lewis und hörte ein Wort, das er in den letzten 40 Jahren seiner Karriere nicht oft gehört haben muss: Nein.

[Objekt Objekt] Lincoln von Daniel Day-Lewis führt seine Männer zu Pferd an.

„Das war damals ein ganz anderes Drehbuch“, sagt Day-Lewis. 'Damals schien es mir einfach unvorstellbar, das zu übernehmen. Ich dachte, ich wäre nicht bereit oder in der Lage, das zu tun.'

Spielberg ging dann zu Neeson, seinem Kollegen von Schindlers Liste, der die Rolle gründlich recherchierte, aber die beiden trennten sich laut Spielberg einvernehmlich, „als der Film sich zu einem singuläreren Fokus bewegte“. Das Projekt war am Tiefpunkt, bis es in Leonardo DiCaprio einen unwahrscheinlichen Retter fand. DiCaprio hörte sich beim Abendessen Spielbergs Sorgen um Lincoln an und legte ein gutes Wort bei seinem Co-Star aus „Gangs of New York“ ein. Nach einem intensiven zweitägigen Brainstorming mit Spielberg und Kushner in Dublin war Day-Lewis dabei.

[Objekt Objekt] Ich kenne die Kabel am Boden, die Walkie-Talkies, die orangefarbenen Anoraks. Es ist nicht so, dass ich vier Monate damit verbracht habe, überzeugt zu sein, Abraham Lincoln zu sein.

[Objekt Objekt]

DANIEL DAY-LEWIS [object Object] „Ich hatte immer das Gefühl, dass Meryl Streep unsere größte Schauspielerin ist, und ich denke, Daniel und Tom Hanks sind unsere größten Schauspieler“, sagt Spielberg. „Ich wusste, wenn Daniel sich nicht zu Lincoln bekennen würde, würde ich Lincoln niemals machen. Ich hatte beschlossen, den Film nicht zu machen, wenn Daniel es nicht mit mir schaffte.“

Doch bevor Day-Lewis die Rolle übernahm, telefonierte er.

„Liam ist ein Freund von mir“, sagt Day-Lewis. „Als ich hörte, dass er sich davon distanziert hatte, habe ich mich sofort gemeldet. Ich finde, dass es im Geschäft gute Manieren geben muss. Es ist schwer genug für Schauspieler, ohne dass andere Schauspieler sie verarschen. Schauen Sie sich die Schachtel an Büro unserer letzten vier Filme. Wenn er nicht einen Rückzieher gemacht hätte, hätte ich keine Chance gehabt.“

Der Mythos, der Day-Lewis Herangehensweise an die Schauspielerei umgibt, ist legendär. Je nachdem, wen Sie lesen, hat er darauf bestanden, im Rollstuhl herumgeschoben zu werden (My Left Foot), verbrachte drei Nächte damit, in einer Gefängniszelle abgespritzt zu werden (In The Name Of The Father), lernte, Tiere zu häuten (The Last Of The Mohikaner) und trug vor den Dreharbeiten zwei Monate lang Zylinder, Umhang und Stock (The Age Of Innocence). Es ist ein Verhalten, das auf eine Art intensiven Verrückten oder (schlimmer noch) einen unerträglichen Liebesmenschen hindeutet, aber persönlich ist er beides nicht: nachdenklich, sicherlich, aber auch klar, lustig und charmant. Gerüchte über seine Lincoln-Methodik reichen von der Forderung, am Set „Mr. President“ genannt zu werden, über den Eintritt in einen Fugenzustand bis hin zur vollständigen Ablehnung der Insignien des 21. Jahrhunderts. Sind die Geschichten über sein Eintauchen in die Rolle also nur Blödsinn?

'Einige von ihnen sind es', lächelt er. „Es gibt Samen der Wahrheit, die bis zum übertriebensten Grad entwickelt werden. Ich bin mir der Kabel auf dem Boden bewusst, der Walkie-Talkies, der orangefarbenen Anoraks. Es ist nicht so, als hätte ich vier Monate damit verbracht, überzeugt zu sein, ich sei Abraham Lincoln. Aber jeder, der auf ihre Arbeit konzentriert ist, verschließt ihre periphere Sicht. Wenn Sie sich übermäßig viel Mühe geben, um diese Illusion für sich selbst zu erschaffen, um zu einem zusammenhängenden Lebensgefühl zu gelangen, warum dann immer wieder hinein- und herausspringen?

Day-Lewis ist sich der Repräsentanten bewusst, die sein Prozess provoziert – „In England denken sie, dass ich verrückt bin“ – und unternimmt Schritte, um seine Kollegen wissen zu lassen, „dass ich nicht anfangen werde, in Zungen zu sprechen oder so etwas“.

„Ich hatte einen fantastischen Kerl aus Upstate New York, der mich jeden Tag zur Arbeit brachte“, fährt er fort. 'Er hatte auch all diese Gerüchte gehört. Ich dachte: 'Lass uns lachen.' Ich sagte: ‚Geh und sag deinem Teamster-Kapitän, dass er dich auf einen Trainingskurs schicken muss, weil ich jeden Tag in einem Pony und einer Falle zur Arbeit gehen muss. Sag ihm, dass ich unbedingt darauf bestehe!‘“

Es versteht sich von selbst, dass Day-Lewis in Lincoln verschwindet, aber er ersetzt das Interesse an den Tricks eines Schauspielers durch die Vertiefung in das Leben eines Mannes. Sein Lincoln ist eine ruhige, würdevolle, nachdenkliche Präsenz, ein Erzähler bis zum Erbrechen ('Ich kenne ein oder zwei solche Leute, bei denen Sie denken: 'Ich habe hier etwas zu tun'') und ein gemessener Denker (' Er hatte einen inneren Rhythmus, der schien, als hätte sein Geist das Gebäude verlassen'), der dieses fast wissenschaftliche Denkvermögen auf ungewöhnliche Weise mit einer tiefen Quelle des Mitgefühls verband.

„Für mich besteht kein Zweifel daran, dass es einen sehr tiefgreifenden Einfluss auf ihn hatte, als er als junger Mann sah, wie Sklaven den Mississippi hinunterfuhren“, sagt Day-Lewis. „Und dass er wirklich in seinem Geist – nicht nur intellektuell – daran geglaubt hat, dass jeder Mensch das Recht hat, frei zu sein. Er wurde geboren, um das zu tun, was er getan hat.“

[Objekt Objekt] Lincolns beratende Ehefrau Mary Todd (Sally Field).

UM IN DIE 1865-Figur zu gelangen, inszenierte Steven Spielberg Lincoln in einem Anzug – er trägt heute einen – also nicht der „schludrige, Baseballkappen tragende Typ des 21. Jahrhunderts“ zu sein.

Es ist jedoch nicht nur seine Kleiderordnung, die sich geändert hat; es ist sein gesamter Ansatz beim Filmemachen. Für Spielberg ist Lincoln „so nah dran, wie ich es noch nie war, Regie für die Bühne zu führen“. Es ist sein bislang gesprächigstes, leistungsstärkstes Stück. „Einige der Szenen sind acht, neun Minuten lang und haben ihren eigenen Anfang, ihre Mitte und ihr Ende“, sagt er. „Ich habe in keinem meiner Filme acht oder neun Minuten!“ Und während Spielberg Janusz Kaminskis wunderschöne, von Vermeer inspirierte Beleuchtungsschemata beibehalten hat (auf Film festgehalten, nicht digital), hat er größtenteils auf die „ausgefallenen Aufnahmen“ verzichtet, die seit Duel ein fester Bestandteil seiner Regie-DNA sind. Er hat auch nur etwa 30 Minuten von John Williams Partitur – „John und ich entschieden, Dialogszenen nicht zu untermalen“ – und zerfetzt damit die Stimmung, für die ihn seine Kritiker oft beschimpfen. Für Schindlers Liste nahm er einen schwarz-weißen Cinéma-vérité-Look an. Tim und Struppi sah, wie er die Live-Action ganz aufgab. Aber Lincolns stattlicher, inszenierter Ansatz könnte sein bisher radikalster Aufbruch sein.

„Ich versuche nicht, den Inhalt in den Hintergrund zu rücken, indem ich filmisch etwas mache, das mich offensichtlich glauben lassen würde, dass ich Tonys Dramaturgie nicht interessiert war oder ihr nicht genug vertraute“, erklärt er. „Und weil ich so viel Respekt vor seiner Sprache und unserer Bildschirmstruktur hatte, wollte ich Lincoln auf der Tonbühne nicht neu erfinden. Ich hatte ein großartiges Drehbuch, und ich wollte nicht im Weg stehen, indem ich versuchte, es besser zu machen .'

Damit wir uns verstehen. Für Spielberg ist das kein dauerhafter Richtungswechsel. Auch wenn Lincoln sich vielleicht ungewohnt vorkommt, tut Spielberg im Wesentlichen das, was er seine ganze Karriere lang getan hat: dem Material auf die beste Weise zu dienen, die er kann. „Es ist schön, dass ich mit 65 Jahren nach 28 Filmen wirklich sagen kann, dass ich einen Film gemacht habe, wie ich ihn noch nie zuvor gedreht habe“, sagt er. „Und wenn die Leute es nicht sehen wollen, weil sie hören, dass es nicht typisch für meine Arbeit ist, werde ich das voll und ganz akzeptieren. Ich bin kein Marktschreier. Ich kann nicht mit einem Megaphon vor dem Zelt sitzen. Sie auch nicht werden oder nicht.'

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4. SCHLAMM

Direktor: Jeff Nichols

Gießen: Matthew McConaughey, Tye Sheridan, Jacob Lofland, Reese Witherspoon, Sam Shepard, Michael Shannon

Beste für: Tauchen Sie in eine sonnengebräunte Coming-of-Age-Geschichte ein.

Mark Twain und Matthew McConaughey kollidieren endlich im neuesten Film von Jeff Nichols, dem Mann, der uns zuvor die exzellenten Take Shelter und Shotgun Stories beschert hat. McConaughey spielt den titelgebenden Man-on-the-lam, der sich auf einer Insel mitten im Mississippi verkriecht, um auf seinen Liebhaber (Witherspoon) zu warten. Dort stolpern die neugierigen Teenager Ellis (Sheridan) und Neckbone (Lofland) über ihn und finden sich unwissentlich in einer tätowierten, abergläubischen Vaterfigur wieder, die in Rätseln spricht und einen ernsthaften Beihilfe-Rap darstellt. Nichols, der immer stärker wird, holte das Beste aus seiner großartigen Besetzung heraus, zu der Muse Michael Shannon in einer kurzen Pause von den Dreharbeiten zu Man Of Steel, McConaughey und die auffälligen Newcomer Sheridan und Loveland gehörten. Und ja, McConaughey zog sein Hemd aus.

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[Objektobjekt][Objektobjekt] DIRTY EPIC

MATTHEW MCCONAUGHEY UND REGISSEUR JEFF NICHOLS MACHEN IHNEN NICHT DEN EINFACHEN WEG, WIE EMPIRE IN DER SÜDLICHEN WILDHEIT ENTDECKT, UM DEN Fabelhaften Schlamm über das Erwachsenwerden zu finden

WORTE: DAMON WISE

Diese Funktion erschien erstmals in Ausgabe 287 von Apergo-Magazin __.

DER WITZ AM SET von Jeff Nichols' neuem Film Mud ist, dass man immer, wenn man vom Asphalt auf eine Schotterpiste fährt, 'nur' eine halbe Stunde vom Drehort entfernt ist. „Matthew McConaughey hat neulich darüber gelacht“, sagt der Regisseur, „weil jeder Ort, an den wir ihn bringen, so etwas wie dieser verrückte Pfad ist, den man nur auf vierrädrigen Golfkarren-verrückten Dingen erreichen kann. Und das amüsiert mich … Aber dann kommst du dort an, zu diesem Vorsprung aus riesigen Zypressen am Ufer eines Sees, und es ist wahnsinnig schön. Du denkst: „Ja, deshalb sind wir hier unten.“

[object Object] Sümpfe haben mich schon immer angezogen. Ich bin an Orten wie diesem aufgewachsen.

[Objekt Objekt]

MATTHEW MCCONAUGHEY [Objekt Objekt]Hier ist... nun, offen gesagt, Apergo weiß es nicht wirklich. Es ist eine gute 40-minütige Fahrt von der Stadt Stuttgart, Arkansas, entfernt, wo die Entenjagdsaison beginnt (tägliches Fanglimit: sechs). Als wir von der Autobahn abbogen und einen Schotterweg zum Fluss hinunterfuhren, wo Nichols auf einem heruntergekommenen Hausboot auf uns wartete, begegneten wir tatsächlich mehreren Männern in Tarnkleidung mit Schrotflinten und plötzlich den Gefahren eines schwachen, freischwebenden Wi-Fi Signal begann einzusinken.

Es ist Samstag, und wir befinden uns im Herzen des Südens, nicht weit von Nichols' Elternhaus in der Landeshauptstadt Little Rock entfernt. Von seinen beiden früheren Filmen – dem Rachedrama „Shotgun Stories“ (2007) und der Geisteskrankheiten-Fabel „Take Shelter“ (2011), beide ernste Geschichten, die die raue, gefühlvolle Starqualität von Michael Shannon zeigen – könnte man erwarten, dass Nichols ein ziemlich trauriger Kerl ist. Glücklicherweise ähnelt Nichols, Mitte dreißig, frisch im Gesicht, gutaussehend und unerwarteterweise sehr lustig, in keiner Weise seinen Filmen.

Er führt uns auf dem Hausboot herum und lächelt breit über die Angelschnüre, Haken, Messer und schmutzigen Arbeitsplatten, die alle durch jahrelangen Dienst und Vernachlässigung beschädigt wurden. „Wie Sie sehen“, gesteht er, „mag ich …“

Apergos Neugier ist geweckt. Das ist eher so: Hier riecht es nach Gefahr, nach lauernder Gewalt. Wahnsinnigerweise wird der Moment durch eine praktische Frage von einem der Crewmitglieder unterbrochen. Als seine Aufmerksamkeit zurückkehrt, fragen wir ihn, was er sagen wollte. „Oh“, sagt er fröhlich. 'Nur... rostige Sachen, schätze ich.'

MUD, NICHOLS' DRITTER und ehrgeizigster Film, ist vielleicht die wahrhaftigste Darstellung des Mannes. Er lässt sich in einem Sessel nieder, der schon bessere Tage gesehen hat, und erinnert sich, wie ein Aufenthalt auf einem Hausboot wie diesem – hoffentlich nicht zu sehr wie diesem – im Jahr 2006 der Auslöser für eine Geschichte war, die die lokale Geschichte mit den Kindheitsträumen des Schriftstellers Mark Twain aus Missouri verbindet . 2008 war es fertig, aber überraschenderweise legte er es weg. „Meine ersten beiden Filme hatten ein ziemlich niedriges Budget, und ich war bereit, finanzielle Kompromisse einzugehen, nur um etwas zu machen. Ich musste. Ich musste meine Karriere vorantreiben und alles andere. Aber bei Mud wusste ich, dass ich es tun musste Ich möchte es nicht schaffen, bis ich die Ressourcen dafür hatte. Es gibt viele bewegliche Teile, bei denen ich keine Kompromisse eingehen wollte. Deshalb hat es eine Weile gedauert, bis ich mich darauf eingestellt hatte.

[Objekt Objekt] Matthew McConaughey als titelgebender Mud befindet sich in einer schwierigen Lage.

Man könnte aufgrund dieser Aussage denken, dass dies eine Art Blockbuster ist, aber im Kern ist Mud vielleicht Nichols' bisher einfachste Geschichte. „Ich denke, die kurze Zusammenfassung wäre“, sagt er, „zwei Jungen, Ellis und Neckbone, finden einen Mann, der sich auf einer Insel mitten im Mississippi versteckt und sagt, er sei auf der Flucht. Also schließen sie einen Pakt und entscheiden ihm zu helfen.

'Aber das ist nur, was passiert', beharrt er. „In Filmen – naja, zumindest hoffentlich in meinen Filmen – gibt es das, was passiert, und dann gibt es das, worum es im Film geht, und das sind oft zwei verschiedene Dinge. Und wenn ich schreibe, versuche ich, eine Art universelle Idee oder Emotion zu schreiben, Mein erster Film handelte von Rache, mein letzter Film von Angst, und dieser Film, nun ja, er ist alt, aber gut.

Ich meine, hier geht es nur um Liebe. Es geht um die Suche eines Jungen nach einem funktionierenden Beispiel für Liebe – und er sucht an den falschen Stellen.

[object Object] Ich versuche klassische Filme zu machen... Filme mit Weitblick.

[Objekt Objekt]

JEFF NICHOLS [object Object] „Die Leute haben den Begriff ‚Coming-of-Age-Geschichte‘ verwendet“, sagt er und sieht ein wenig perplex aus. 'Und...' Er fängt an zu lachen. „... Ich denke, das ist es. Ich denke, es ist ein passender Begriff. Die beiden Hauptfiguren und dieser Mann, den sie finden, spiegeln sich am Ende in vielerlei Hinsicht wider. Beide befinden sich in gewisser Weise in diesem Zustand der Pubertät und gehen von einer Phase ihres Lebens in die nächste über. Und dieser Film ist zufällig eine Momentaufnahme während dieser Art von Passage.'

An dieser Stelle sollte deutlich werden, dass Schlamm mehr als nur ein Teil der Landschaft ist. 'Mud ist der Name des Typen, ja!' sagt Nichols. „Ich habe mir dieses Lied von Townes Van Zandt angehört, Mr. Mudd And Mr. Gold, und ich dachte, das wäre ein guter Name eins, und ich ging mit einem. Das ist also der Name seiner Figur. Und, weißt du, es macht Sinn, weil Mississippi-Schlamm irgendwie berühmt - oder berüchtigt - ist und ich wollte es ein bisschen weiter tragen. Um nicht zu verärgern Frou damit, aber die Pubertät ist eine ziemlich schlammige Zeit. Also schien es zu passen. Es machte Sinn.

Es mag nicht wie eine logische Abfolge erscheinen – Rache, Depression, dann Liebe – aber für Nichols ist es Teil eines fast göttlichen Plans. „Es ist nur ein wahr gewordener Traum“, sagt er, „weil man sich hinsetzt und diese Dinge skizziert, aber wie oft werden diese Dinge der Reihe nach verwirklicht? Ich wollte zuerst Shotgun Stories machen, ich wollte Take Shelter machen Zweitens wollte ich Mud machen. Und ich wollte sie auf dem Niveau machen, auf dem ich am Ende jeden von ihnen gemacht habe.

Von den beiden vorherigen ist Take Shelter das bekannteste und umstrittenste, vor allem wegen seines mehrdeutigen Endes. „Es ist ein kniffliger Film“, räumt er ein. „Und das ist cool, weil wir mit der Erzählstruktur einige Risiken eingehen müssen, und das passiert nicht oft. Einige Leute mögen es, andere nicht, aber ich glaube nicht, dass mir irgendjemand etwas vorwerfen kann zumindest versuchen. Es ist die Art von Ende, die dir mehr über dich selbst erzählt als der Film, denke ich. 'Wie siehst du es? Wie fühlst du dich dabei?' Okay - so geht's Sie dann bin ich heute Morgen aufgewacht!'

Hatte er das so beabsichtigt?

„Ja, absolut. Dieser Film war ein Formexperiment: Mal sehen, ob wir diese Entscheidung in den Kopf des Publikums legen können, anstatt es ihnen einfach zu geben. Schlamm ist anders.“

[Objekt Objekt] 'Weiß jemand, wie man dieses Ding anzündet?' Nichols (links) findet, dass es seiner Besetzung an Überlebensfähigkeiten mangelt.

AM NÄCHSTEN TAG findet Apergo McConaughey am Set in einem Kleinstadtkrankenhaus, beschmiert mit Make-up, das eher wie Holzbeize als Fettfarbe aussieht. Tätowierungen von Schlangen und Amuletten überziehen seine Arme, er trägt Muds „Glückshemd“ (sein wichtigstes Kleidungsstück) und sein Haar ist ein widerspenstiger, fettiger Mopp, wie es sich für einen verliebten Betrüger eignet, der sich in der südlichen Wildnis versteckt. „Mud ist ein Träumer“, sagt er. „Er ist ein Aristokrat des Herzens. In dieser Hinsicht ist er ein Dichter. Er ist irgendwie nicht von dieser Erde, und wenn er genug auf dieser Erde geerdet wäre, würde er weise werden und sehen, dass er weitermachen und weitermachen muss. Aber er will nicht herunterkommen. Also ist er immer auf der Jagd, immer auf der Annäherung, geht seinem Mädchen nach.

[object Object] Viele Namen wurden in den Hut geworfen und ich traf viele Typen. Aber ich konnte einfach nicht abschütteln, dass ich es für Matthew geschrieben hatte.

[Objekt Objekt]

JEFF NICHOLS [object Object]Das Mädchen in diesem Fall ist Juniper, gespielt von Reese Witherspoon, die unbeständige Liebe in Muds Leben und die Art von Mädchen, die einst von REM denkwürdigerweise als „50 Meilen auf schlechter Straße“ beschrieben wurde. Witherspoon hat verpackt, als wir ankommen, aber McConaughey ist definitiv anwesend. Niemand hier weiß es noch, aber das Blatt beginnt sich für den texanischen Schauspieler nach einem Einbruch mittelmäßiger Rom-Coms zu wenden, und wenn wir sprechen, ist er an einem interessanten Punkt: The Lincoln Lawyer, Bernie und Killer Joe haben gewickelt und gezeigt, Magic Mike und The Paperboy folgen und größere Dinge am Horizont.

Am Set ist McConaughey ein lebender Draht. Er weigert sich, zu seinem Wohnwagen zu gehen, falls er überhaupt einen hat. „‚Einschränkungen‘ ist nicht mein Lieblingswort dafür“, sagt er, „aber bei kleinen Independent-Filmen wie diesem gibt es bestimmte Einschränkungen, die tatsächlich mehr Freiheit ermöglichen. Eine davon ist die Zeit: Sie ist kostbarer, also muss man drehen, weil Wir verwenden natürliches Licht. Das Tolle daran für einen Schauspieler wie mich ist, dass Sie morgens zum Set kommen und drehen. Sie gehen nicht zurück zu Ihrem Wohnwagen und warten auf die Aufnahme. Sie sind dran am Set, du gehst zur Arbeit. Das macht viel mehr Spaß. Das hat eine echte Freiheit und einen Flow.“

Er scheint hier sehr zu Hause zu sein, und die vielen Einheimischen, die auftauchen, um ihm zuzuwinken und seinen Namen zu rufen, scheinen darauf hinzudeuten, dass das Gefühl auf Gegenseitigkeit beruht. „Ich habe mich schon immer zu Sümpfen hingezogen gefühlt“, sagt er gedehnt. 'Flüsse.' Er lacht. „Am Ende habe ich viele Wasserfilme gedreht. Ich habe vorher einen Salzwasserfilm gedreht, und jetzt habe ich gerade drei Sumpffilme hintereinander gedreht! Aber ich bin an Orten wie diesem aufgewachsen am Rande von Kleinstädten, also waren wir immer draußen oder schwammen in den Seen, Bächen oder Flüssen. Damit fühle ich mich sehr wohl.'

Nichols, der von den Monitoren aus zuschaut, ist sichtlich begeistert von McConaugheys Auftritt. „Lustigerweise“, sagt er, „habe ich diese Rolle für Matthew McConaughey geschrieben. Tatsächlich habe ich sie, bevor ich die Rolle geschrieben habe, für Matthew McConaughey geschrieben.“ Er lacht. „Ich werde es erklären. Ich erinnere mich, dass ich im College zu Hause war und versuchte, meine Freunde zu beeindrucken. Sie sagten: ‚Was machst du?‘ Ich sagte: 'Ich arbeite an diesem Drehbuch für einen Film. Darin wird Matthew McConaughey zu sehen sein.' Ich war damals 20, 21 Jahre alt. Und niemand hat mir wirklich geglaubt.“

Hat Nichols also seinen Namen aus der Luft gegriffen, nur um seine Freunde zu beeindrucken? „Nein! Er war einfach so richtig für diese Rolle. Ich dachte an diesen Mann Mud, wie er aussah und wie er klang und wie er sprach … Ich war ein wirklich großer Fan von Matthews Auftritt in Lone Star , der Film von John Sayles und natürlich Dazed And Confused, und ich dachte mir: 'Wenn ich diese beiden Charaktere nehmen und sie zusammenquetschen könnte, würde am anderen Ende vielleicht eine Version von Mud herauskommen.' Und so hatte ich einfach immer im Kopf, dass es so sein könnte.Und natürlich, als es darum ging, den Film zu machen, wurden viele Namen in den Hut geworfen, und ich traf viele Leute, viele von wirklich guten Leuten. Aber ich konnte einfach nicht abschütteln, dass ich es für Matthew geschrieben hatte. Und zum Glück hat es geklappt.'

„Er ist sich sehr bewusst, wer er ist und wo er steht“, sagt Nichols. „Zumindest aus meiner Sicht. Und er trifft einige wirklich großartige Entscheidungen. Wirklich tolle Auswahl.'

[Objekt Objekt] Michael Shannon schlüpft mutig in eine kleine Rolle als Onkel von Neckbone (Jacob Lofland).

WAS FÜR NICHOLS IST, auch er trifft einige ziemlich großartige Entscheidungen. In einer Zeit, in der viele seiner Kollegen entweder über sich selbst stolpern, um einen Studiojob zu ergattern, oder selbstbewusste Kunstfilme im europäischen Stil drehen, ist Nichols so etwas wie ein Pionier, eine echte amerikanische Stimme, die versucht, etwas aus seinen Wurzeln zu machen. Seine Produzentin bei Mud, Sarah Green, produzierte kürzlich Terrence Malicks The Tree Of Life, und mit seiner Rede von Twain und seiner Liebe zur goldenen Stunde ähnelt Nichols einer zugänglicheren, weniger predigten und geheimnisvollen Inkarnation des zurückhaltenden Autorenfilmers.

Trotzdem bleibt er bescheiden. „Wenn ich nicht auf die Filmhochschule gegangen wäre, hätte ich nur noch einen Abschluss in Kulturanthropologie machen können“, sinniert er. „Obwohl ich nicht einmal wusste, was das bedeutete. Und ich werde es immer noch nicht tun. Ich weiß nicht, was ich getan hätte.

Ich komme aus einer Unternehmerfamilie. Mein Vater besitzt ein kleines Unternehmen, mein mittlerer Bruder ist Strafverteidiger mit eigener Praxis, mein ältester Bruder ist Musiker und hat eine Band gegründet. Also kann ich nicht umhin zu denken, dass ich etwas getan hätte, wo ich versucht hätte, meinen eigenen Weg zu gehen. Ich glaube nicht, dass ich so ein Typ bin, der in einer Kabine sitzt.'

Stattdessen ist er vielleicht der Inbegriff des amerikanischen Regisseurs seiner Zeit, der Geschichten erzählt, die mit den unmodernen, kargen Landschaften des Südens mit seinen Holzkirchen, Pflugscharen und Piggly Wiggly-Läden sympathisieren, und sie an Orten spielt, an denen keine Mobiltelefone verwendet werden für Plot Points, weil niemand mit ihnen an den Ohren geklebt aufwächst. Sieht er das selbst?

Nichols überlegt eine Minute. 'Ich versuche zu machen klassisch Filme“, entscheidet er. „Es klingt prätentiös, aber ich liebe so ziemlich jeden Film mit Paul Newman darin. Wenn Sie sich „The Hustler“, „Hud“, „Cool Hand Luke“, „Butch Cassidy“ und „The Sundance Kid“ ansehen … das sind die Arten von Filmen, die ich machen möchte, und es ist die Art von Film, die ich mir für „Mud“ wünsche. Jeder hat seinen eigenen Zweck in der Welt. Und ich möchte, dass dieser Film ein Abenteuer wird. Was nicht heißt, dass ich will, dass es Spaß macht alle die Zeit. Aber ich möchte, dass es ein Abenteuer wird. Ich weiß nicht, ob das typisch amerikanisch ist oder nicht, weil ich auch Lawrence von Arabien von David Lean mag. Vielleicht liegt es einfach daran, dass sie groß sind. Ich mag Filme mit Weite, sei es emotionale Weite oder visuelle Weite. Ich meine, wir sind hier draußen am Mississippi, wo es einfach … groß wird.“ Er lacht. „Das schätze ich das könnte eine amerikanische Idee sein: groß!'

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3. Eile

Direktor: Ron Howard

Gießen: Chris Hemsworth, Daniel Brühl, Olivia Wilde, Alexandra Maria Lara, Pierfrancesco Favino

Beste für: zeigt uns allen, wie es sich anfühlt, unter dem Bedürfnis nach Geschwindigkeit zu leiden.

Egal, ob Sie ein Formel-1-Fan sind oder am weitesten von einem Benzin-Fan entfernt sind, diese Geschichte von aufeinanderprallenden Egos und gegensätzlichen Stilen im Streben nach der Fahrermeisterschaft ist eine überzeugende Darstellung von Ehrgeiz, Entschlossenheit und dem schnellen Drehen im Kreis. Chris Hemsworth zieht Thors gute zwei Schuhe (und alles andere) als hart lebender James Hunt aus, während Daniel Brühl sein angesehenerer Rivale ist. Manchmal sieht es so aus, als könnte es ein Kampf auf Leben und Tod werden, aber jenseits der tödlichen Gefahr ist es die Kombination aus erbittertem Wettbewerb und gegenseitigem Respekt, die ihm seinen Vorteil verleiht.

Lesen Sie die Apergo-Rezension

Eile Vs. Real Life: Wir prüfen den Film auf Fakten

Lauda/Hunt und Hemsworth/Brühl: Welcher Schauspieler kennt die andere Figur am besten?

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Daniel Brühl on his role

[object Object][object Object] DAS BEDÜRFNIS NACH GESCHWINDIGKEIT

WIE BRINGT MAN DAS PUBLIKUM MIT VOLLER GESCHWINDIGKEIT IN EIN F1-AUTO? WIE REGISSEUR RON HOWARD UND KAMERA ANTHONY DOD MANTLE FÜR IHREN 70ER GRAND PRIX EPIC RUSH ENTDECKTEN, INDEM SIE ALLES RISIKO...

WÖRTER: WILL LAWRENCE

Diese Funktion erschien erstmals in Ausgabe 291 von Apergo-Magazin __.

ES LIEGT IN einer Kathedrale aus Kiefern, einem 14 Meilen langen Laufweg, der in den Wald geschnitten ist, der die mittelalterliche Burg Nürburg in der Eifel umgibt. Mit 160 Kurven ist dies der beeindruckende Nordschleifenabschnitt des deutschen Nürburgrings, der von Fahrer Jackie Stewart als „Die Grüne Hölle“ bezeichnet wird. Es beherbergt das berüchtigte Bergwerk oder The Mine, eine enge, lange Rechtskurve, die bei hoher Geschwindigkeit notorisch schwer zu nehmen ist. Das Bergwerk forderte 1964 das Leben des niederländischen Fahrers Carel Godin de Beaufort und war 12 Jahre später Schauplatz des Unfalls des Österreichers Niki Lauda und des anschließenden Feuerballs.

[object Object] Zwei Tage Dreharbeiten an der Stelle, wo Niki tatsächlich abgestürzt ist, das war sehr ernüchternd.

[Objekt Objekt]

RON HOWARD [object Object]Es ist Laudas fast tödlicher Unfall, der im Mittelpunkt von Rush steht, dem neuesten Werk von Apollo 13 und A Beautiful Mind-Regisseur Ron Howard, das die Rivalität untersucht, die zwischen Lauda und James Hunt, zwei von Formula, tobte 1 während der Grand-Prix-Saison 1976. „Es war so ein aufregender Film, diesen Film zu machen“, beginnt Howard, „aber irgendetwas rund um den Absturz und Niki Laudas Genesung zu drehen, besonders die zweitägigen Dreharbeiten an der Stelle, an der Niki tatsächlich den Absturz hatte, das war sehr ernüchternd.

„Ehrlich gesagt, bis dahin war es wirklich lustig, aber dann machten wir plötzlich diese Szenen und es war echt. Es war tatsächlich passiert und es war wie ‚Fuck! Das ist dunkel …‘“

Der Filmemacher blickt zu seinem Oscar-prämierten Kameramann, Anthony Dod Mantle von Slumdog Millionaire, hinüber, der feierlich zustimmend nickt. „Der Ring hat etwas unglaublich Apokalyptisches“, fügt Dod Mantle hinzu. „Es ist wie in den romantischen Gemälden, etwas von (Caspar David) Friedrich. Es fühlt sich dem Himmel sehr nahe und diese besondere Kurve hat einen Geist. Es ist ein beängstigender Ort und obwohl die Fahrer die Strecke liebten, wussten sie, dass sie tödlich war Ihr Unterbewusstsein die ganze Zeit, wie wir die Kamera bewegt haben und welche Arten von Aufnahmen wir gemacht haben.

Die Produktion entfaltete sich als zwei getrennte Arbeitsgänge, obwohl jeder digital arbeitete, um Ergebnisse zu erzielen, die über Farbpalette und Ton miteinander verbunden sind. Die Filmemacher konzentrierten sich zunächst auf das, was Howard als „einen 12-Millionen-Dollar-Charakterfilm der 70er Jahre mit sehr Indie-Stil“ beschreibt, und drehten jeden Tag vier oder fünf Seiten des Drehbuchs, manchmal an mehreren Orten, während sie das Off-Track-Drama dazwischen aufbauten die beiden Hauptfiguren Lauda, ​​zum Leben erweckt von Daniel Brühl, und Hunt, gespielt von Chris Hemsworth. „Und dann war da noch die Renneinheit“, sagt Howard.

[Objekt Objekt] Chris Hemsworth und Daniel Brühl als F1-Rivalen.

Die Abteilung THE RUSH RACE arbeitete vier Wochen lang und verschlang ein noch größeres Budget. Die Filmemacher sammelten genug Aufnahmen für mindestens acht Rennen, die den Flair und die Schlüsselmomente der Saison 1976 einfangen würden, darunter Grand Prix in Interlagos, Kyalami, Monaco, Brands Hatch, Nürburgring, Monza, Watkins Glen und Fuji. Und der bedeutsamste Moment von allen kam am 1. August dieses Jahres.

Lauda führte die Fahrerwertung an, als sie zwei Wochen nach Hunts umstrittenem Sieg in Brands Hatch zum Großen Preis von Deutschland auf dem Nürburgring gingen. Eine Handvoll Fahrer, angeführt von Lauda, ​​beschwerten sich über die Sicherheitsbedingungen auf dem Nürburgring und forderten einen Abbruch des Rennens. Die Mehrheit der Fahrer war jedoch anderer Meinung und das Rennen ging weiter.

Dann verlor Lauda zu Beginn des Rennens in Bergwerk am Ende der Rennstrecke die Kontrolle über seinen Ferrari und drehte sich durch den Sperrzaun in eine Erdböschung. Das Auto wurde in Flammen gehüllt und prallte zurück auf die Strecke in die Spur von drei nachfolgenden Autos. Lauda wurde von seinen Fahrerkollegen aus dem Inferno gezerrt und ins Krankenhaus gebracht, wo er den Kampf um sein Leben begann. Das Filmmaterial des realen Absturzes ist immer noch auf YouTube zu finden.

„Manchmal hat vorhandenes Filmmaterial fast etwas Gleichgültiges“, bemerkt Dod Mantle. „Du stellst dir den Fast & Furious-Moment vor, das sich drehende Auto und die große Explosion, aber bei den Aufnahmen von Nikis Crash wird sie von einem Achtjährigen mit einem Super 8 eingefangen … Oft ist das Filmmaterial nicht das erstaunliche Spektakel, das du hast als Filmemacher erwarten, und das hat uns wirklich informiert, was wir gemacht haben.

[object Object] Ich bin auch abgestürzt, also bin ich jetzt Niki.

[Objekt Objekt]

DANIEL BRÜHL [object Object]Wir wollten die Dinge nicht perfekt in Szene setzen, weil das nicht so ist und etwas von der Realität wegnimmt.' Sie wollten eine Ästhetik, die auf einer gewissen Menge an echtem Material basiert, aber mit dem Verständnis dafür die körperliche Bewegung würde erweitert.

Zum Beispiel wurde Laudas Absturz überwiegend mit CGI konstruiert. „Wir haben das Super-8-Material aufgeschlüsselt, um es zu verstehen“, erklärt Howard. „Wir haben mit Niki gesprochen, obwohl er sich nicht an viel erinnern kann, und wir haben viel Hilfe von CGI bekommen, weil wir ein Auto nicht in diesem Ausmaß zerstören konnten – obwohl wir schließlich eines in der Szene zerstört haben.“

Die Filmemacher haben sich sehr genau an das Super-8-Material gehalten und den Computer für den tatsächlichen Aufprall und den Überschlag verwendet, obwohl dann ein echtes Auto für einen Teil des Trudelns und für den Feuerball verwendet wurde. „Du tust, was du kannst, ohne das halbe Budget des Films zu verstümmeln“, lacht Dod Mantle. „Sie bringen also das echte Auto in verschiedenen Graden herum, Sie beginnen mit dem Schleudern, ziehen es ein wenig entlang einer Schiene und dann das Brennen, das wir wirklich machen könnten – wir haben ein Wrack verbrannt. Wir hatten Daniel in einem Feuerwehranzug und die Kamera ist da drin. Es war versteinernd.“

Das brennende Auto war für den DP besonders versteinernd, weil er in das Wrack gepackt wurde. „Wir wollten ein paar subjektive Sachen filmen, also bin ich mit der Kamera da drin, als wäre ich Lauda“, sagt er. „Ich wurde von erstklassigen Stuntleuten betreut, die Branddecken um mich gewickelt hatten, aber meine Augenbrauen zogen sich zusammen und meine Knie zitterten.“

Um die volle Wirkung des Unfalls einzufangen, bat Howard den Steadicam-Operator auch, in die Flammen zu krachen, als die Fahrer Lauda/Brühl aus dem brennenden Auto zogen. „Ich hatte einige Erfahrungen mit der Arbeit mit Feuer, als ich zu Backdraft zurückkehrte“, erinnert sich Howard, „aber man weiß nie. Er wollte die Kamera an Stellen bringen, die helfen würden, die Psychologie des Fahrers ins Rennen zu tragen. Du würdest nicht nur im Cockpit eines F1-Autos sitzen. Es ging nicht nur schnell. Sie haben etwas über die Beziehung zwischen dem Fahrer und dem Auto, der Straße, der Mechanik gelernt. 'Das war entscheidend, um das wahre Gefühl eines F1-Rennens zu bekommen', erklärt Howard.

[Objekt Objekt] Daniel Brühl als Niki Lauda bereitet sich auf ein weiteres Rennen vor.

ES GIBT EINEN bahnbrechenden Film, der einen starken Einfluss auf Rush hatte, eine Dokumentation, die eine unglaubliche Geschichte anhand von Filmmaterial aus dem wirklichen Leben erzählt und dabei die Verwendung von sprechenden Köpfen vermeidet. Es ist ein einfacher und ziemlich brillanter Film. Es ist nicht Senna. Es ist Gimme Shelter aus den 1970er Jahren, die legendäre Dokumentation über den kontroversen Auftritt der Rolling Stones in Altamont. „Ich entschied, dass, wenn wir Rush wie einen Rock’n’Roll-Film hinter den Kulissen angehen würden, das ein Stil wäre, der energisch, cool und sexy wäre und etwas, mit dem wir uns intuitiv verbinden“, sagt Howard. 'Es würde weg von dem Gefühl, eine Sportdokumentation mit all der Action zu sein.'.'

Gimme Shelter zu sehen, kann eine beunruhigende Erfahrung sein – Rush hingegen ist eher erhebend – obwohl sowohl Howard als auch Dod Mantle den Einfluss seiner Regisseure, der Maysles-Brüder, preisen. „Mit dem Moment der Gewalt in diesem Film ist die Kamera da und Sie sind sich nicht sicher, was Sie sehen“, sagt Dod Mantle und bezieht sich auf das berüchtigte Filmmaterial, das zeigt, wie ein Mann in der Menge von einem der Höllen niedergestochen wird Engel wurden unbedacht als Sicherheit eingestellt. 'Du siehst eine seltsame Körpersprache und bist wie ein Detektiv, der sie betrachtet und sich fragt: 'War es dieser Mann, und ist es wirklich passiert?''

[object Object] Ron und ich hatten sehr ehrliche Pakte über diese Kameras – sie bringen das Publikum in dieses Stück Metall: Die Schärfe ist knapp und der Rest fällt ab.

[Objekt Objekt]

ANTHONY DOD MANTLE [object Object]Während sowohl der echte Lauda Ferrari als auch der Hunt McLaren zusammen mit einer Vielzahl anderer historischer Fahrzeuge während der Dreharbeiten verwendet wurden, gab die Produktion auch eine Reihe von Repliken in Auftrag, „und wir könnten diese höllisch herausbohren, “, strahlt Dod Mantle.

Die Montage von Kameras an sich schnell bewegenden Maschinen ist seit John Frankenheimers klassischem Grand Prix von 1966, der die Messlatte für hochkarätige Fahrfilme setzte, ein Grundnahrungsmittel. „Aber wir brachten die Kameras dazu, sich zu bewegen, wenn sie an den Autos befestigt waren“, fährt Dod Mantle fort, „was wegen der G-Kraft eine große Herausforderung war. Sogar die Nachbauautos, die nicht so schnell fahren konnten wie die F1, zogen noch Gs, die jedes Kamera-Rig in den Kurven verschmutzen würden.'

Infolgedessen mussten Dod Mantle und Howard Kameras finden, mit denen sie noch nie zuvor gearbeitet hatten. Sie setzten IndyCams ein. 'Sie sind sehr klein und daher in Bezug auf Spielraum und Fähigkeiten deutlich unterlegen, aber Sie können sie auf interessante Weise verwenden', fügt er hinzu. „Und Ron und ich hatten sehr ehrliche Pakte über diese Kameras – versuchen Sie niemals, ein normales Bild aufzunehmen. Sie tun, was sie können. Sie bringen das Publikum in dieses Stück Metall: Die Schärfe ist nahe und der Rest fällt ab, sie bringen ein malerische Weichheit, die in der Post hilft - es wird abstrakter.'

Dod Mantle schnallte sich mit seinem Focus Puller und einem Monitor in einen Subaru und fuhr mit hoher Geschwindigkeit zwischen den Autos hindurch. 'Im kritischen Moment des Rennens konnte ich trotz aller Trägheit versuchen, die Kamera bewegen zu lassen, was man wirklich noch nie gesehen hat.' Er taufte sie „Slider“. „Frankenheimer hat es mit unglaublichen Kameras versucht und ein paar Panels geschafft, aber diese Kamera, die feststeckt, beginnt plötzlich, sich zu wehren. Es war eine mutige Sache, aber es funktioniert wirklich gut. Es gibt Dinge, die wir getan haben, die haben wurde noch nie gemacht.'

Sowohl Howard als auch sein DP räumen ein, dass sie enorme Risiken eingegangen sind, da das Budget ihnen nicht die Zeit ließ, jede Aufnahme vollständig zu erfassen. Der Schnitt würde anstrengend werden, aber die Filmemacher hatten die Unterstützung ihrer Produzenten Tim Bevan von Working Title und Eric Fellner, die grünes Licht gaben 2010 BAFTA-Gewinner F1 doc Senna , die einen neuen Standard in der Verwendung von realen Rennaufnahmen setzen.

„Ich bin zu Rush gesprungen, bevor ich wusste, dass Senna so gut ankommen würde, wie es war“, sagt Howard und hebt verschiedene Momente in seinem Regie-Lebenslauf hervor, in denen er über den Tellerrand hinaus gearbeitet hat – Splash, Cocoon und Apollo 13, alle für sich Weg brach mit dem, was von ihm erwartet wurde. „Aber ich dachte, dass Senna und die TT-Dokumentation ( TT3D von 2011: Näher an den Rand , über das Rennen auf der Isle Of Man) waren beide großartig. Bei Senna haben sie nur vorhandenes Material verwendet, und oft war es am interessantesten, wenn die Aufnahme etwas blockiert oder daneben war.'

Die Filmemacher verwenden in Rush nicht nur echtes Filmmaterial, um die Komposition ihrer eigenen Aufnahmen zu planen, sondern auch echtes Archiv-Rennmaterial. „Manchmal ist es ein ganzer Schuss“, gesteht Howard, „und manchmal ist es eine Forrest-Gump-Sache, bei der wir statt Tom Hanks neben Richard Nixon unser Auto in diese Platte zu stellen, was es sehr an die F1-Umgebung und sie erinnert gibt uns Spielraum und Reichweite. Letztendlich haben wir jedoch viel mehr reales Fahren eingesetzt, als ich jemals gedacht hätte.“

[Objekt Objekt] Regisseur Ron Howard mit dem Thor-Stern.

FRÜH IM Testfahrprozess verlor Daniel Brühl, der wie Hemsworth viel selbst gefahren ist, in Longcross, der Rennstrecke in Surrey, auf der Rushs Rennszenen zu sehen waren, die Kontrolle über sein Auto – ihm platzte ein Reifen. Und nicht nur der Schauspieler war in großer Gefahr, sondern auch sein Umfeld. 'Wenn dieser Reifen jemanden getroffen hätte, hätte er ernsthaften Schaden angerichtet', sagt Howard. Man muss sich nur das Filmmaterial vom diesjährigen Großen Preis von Deutschland ansehen, wo ein Rad von Mark Webbers Auto in den Rücken eines liegenden Kameramanns knallte.

[object Object] Ich dachte, wir würden mehr CGI machen, aber als wir anfingen, mit den Autos und Fahrern zu arbeiten, waren diese Jungs bemerkenswert.

[Objekt Objekt]

RON HOWARD [object Object]Brühl hatte während der Vorproduktion einen F3-Rennkurs in Spanien absolviert, aber sein Schicksal lag nicht mehr in seiner Hand, als sein Reifen platzte. „Ich hatte keine Kontrolle“, erinnert er sich, „und es gab drei oder vier Sekunden, in denen ich dachte: ‚Oh nein, Scheiße! Das ist es. Ich werde den Film nicht machen.' Aber danach war es ziemlich lustig. Ich nahm es als gutes Omen. Ich dachte: 'Nun, ich bin auch gestürzt, also bin ich jetzt Niki.''

Die nachgebauten F1-Autos konnten Geschwindigkeiten von knapp über 160 km/h erreichen und wurden mit dieser Geschwindigkeit gefilmt. „Ich dachte, wir würden mehr CGI machen“, sagt Howard. „Am Anfang machte ich mir keine Sorgen um die Choreografie, weil ich vermutete, dass jeder Beinaheunfall ein echtes Auto sein würde, das die Straße hinunterfährt, und dann ein CGI-Auto, das etwas Verrücktes macht Präzisionsfahrer, diese Jungs waren bemerkenswert. Also haben wir sie mit hoher Geschwindigkeit gefilmt.“

Das digitale Fotografieren ermöglichte es Howard jedoch, mit Geschwindigkeitsvariationen zu arbeiten. „Früher musste man sich entscheiden: Man konnte von 24 Frames auf 18 Frames auf 12 Frames auf sechs Frames gehen, aber man konnte zum Beispiel nicht 17 Frames machen, zumindest nicht in der Post.“ er sagt. „Aber hier konnten wir auf einer Geraden ein wenig beschleunigen und es dann wieder normalisieren, wenn es näher an die Kamera kam, damit wir die Länge der Aufnahme verlängern konnten.“

Tatsächlich nutzte Howard seine Erfahrungen aus seinem Boxfilm mit Russell Crowe, um einige der Aufnahmen auf der Strecke zu verstärken. „In Cinderella Man hatten wir ein paar Stellen, an denen wir die Schläge auf den Kiefer verlängerten, nur um ein oder zwei Frames, und ihn ein wenig weiter verzerrten“, erklärt er und erinnert sich an eine in Zeitlupe gemachte Handschuh-auf-Gesicht-Aufnahme . 'Hier könnten wir also kleine, winzige Dinge mit den Autos machen, und nur auf einer unterschwelligen Ebene bekommt es diesen F1-Look.'

Dod Mantel stimmt zu. „Selbst für Leute, die sich mit Motorsport auskennen, haben wir versucht, ein bisschen mehr davon zu zeigen, wie es ist, in einem Auto mit hoher Geschwindigkeit zu sitzen – man kann den Charakter vor sich oder die Kurve nicht sehen, man kann nur diese Pfosten sehen zeigt an, dass Sie sich mit 240 km/h einer Kurve nähern...'

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2. KAPITÄN PHILLIPS

Direktor: Paul Greengrass

Gießen: Tom Hanks, Barkhad Abdi, Barkhad Abdirahman, Faysal Ahmed, Mahat M. Ali, Michael Chernus, Max Martini, Catherine Keener

Beste für: Humanisierung beider Seiten in einer unmöglichen wahren Geschichte.

Paul Greengrass ist zurück, und Gott sei Dank dafür. Die wahre Geschichte von Captain Phillips (Hanks), der von somalischen Piraten entführt und als Geisel gehalten wird, nachdem ein Versuch, sein Schiff auszurauben, fehlgeschlagen ist, ist eine Meisterklasse darin, die Spannung anzukurbeln und hochzuhalten – auch wenn Sie wissen, wie alles endet. Die als Piraten besetzten Unbekannten, insbesondere Barkhad Abdi als Musa, sind makellos, wenn sich die Mächte gegen sie aufstellen, und Hanks ist so gut wie immer, besonders in einer verwüsteten Schlussszene.

Lesen Sie die Apergo-Rezension

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[Objektobjekt][Objektobjekt] HIJACKED

TOM HANKS IST WIEDER AUF SEE IN SCHWIERIGKEIT, ABER DIESES MAL HILFT IHM KEIN VOLLEYBALL. ER IST CAPTAIN PHILLIPS IM NEUESTEN TRUE-LIFE-DRAMA VON PAUL GREENGRASS – DEM ERSTEN ERNSTHAFTEN OSCAR-ANWERBER DES JAHRES

WORTE: CHRIS HEWITT

Diese Funktion erschien erstmals in Ausgabe 291 von Apergo-Magazin __.

AM 9. APRIL 2009 wurde das Frachtschiff Maersk Alabama mit 17.000 Tonnen Fracht an Bord auf dem Weg nach Mombasa, Kenia, von einer kleinen Gruppe somalischer Piraten angegriffen, die ein taiwanesisches Fischereifahrzeug, die Win Far 161, benutzten, das sie hatten nur zwei Tage zuvor entführt.

[object Object] Die Schifffahrt ist eine Arbeiterwelt, eine sehr physische Welt noch dazu, und als ich das in meinem Kopf ausgearbeitet hatte, wusste ich, dass ich den Film machen könnte.

[Objekt Objekt]

PAUL GREENGRAS [object Object]Bemannt von Handelsmarinesoldaten, die trotz ihres Namens unbewaffnet waren, und unter dem Kapitän eines lebenslangen Matrosen namens Richard Phillips versuchte die Maersk Alabama Ausweichmanöver, aber ohne Erfolg. Es wurde bald von vier Korsaren bestiegen, die Kapitän Phillips ergriffen und als Geisel nahmen. Der Rest der Besatzung schaltete die Stromversorgung des Schiffes ab, vereitelte die Pläne der Eindringlinge, mit ihm davonzusegeln, und schaffte es, selbst einen der Piraten als Geisel zu nehmen. Es folgte eine angespannte Auseinandersetzung; Ein Gefangenenaustausch ging schief und die Piraten entkamen dem Schiff auf ein Rettungsboot. Sie nahmen Phillips mit und es folgte ein Katz-und-Maus-Spiel. Nur statt einer Katze setzte die US Navy zwei Kriegsschiffe ein. Schließlich wurde Captain Phillips am 12. April nach einer viertägigen Tortur gerettet und die Somalis erschossen oder in Gewahrsam genommen.

Es ist kaum verwunderlich, dass Hollywood fast sofort daran interessiert war, diese Geschichte zu adaptieren, und schnell schnappte sich das leistungsstarke Produzententrio Dana Brunetti, Michael De Luca und Scott Rudin die Rechte, wobei Tom Hanks für die Hauptrolle verpflichtet wurde. Jetzt fehlte nur noch ein Regisseur. Mit seiner Mischung aus realem Drama, Intrigen und sogar, wenn man es sich genau ansieht, sozioökonomischer Relevanz schien es perfekt zu einem Mann zu passen, der sein journalistisches Auge zuvor auf das wahre Leben wie Bloody gerichtet hatte Sunday und United 93, während sie der Action-Arena eine fieberhafte Wahrhaftigkeit einflößen Die Bourne-Überlegenheit und Das Bourne Ultimatum . Nämlich Paul Greengrass.

„ICH WÜRDE SAGEN, es ist in meinem Steuerhaus“, sagt Greengrass, der von seinem Büro in Oxford aus exklusiv mit Apergo spricht. „Es ist ein Moment in der Zeit, es ist sehr zeitgenössisch und es hat viel Komplexität und Reichtum.“

Aber das hielt ihn nicht davon ab, den Auftritt abzulehnen. „Das wollte ich anfangs nicht“, sagt er. 'Ich konnte es nicht ganz sehen.'

Der 57-jährige Londoner, ein Mann, der dazu neigt, seine Filme zu erstellen, insbesondere solche über Vorfälle aus der realen Welt, sah keine Verbindung, keinen Weg in das Material. Und dann kam es ihm. „Eines der Dinge, die mich wirklich dazu bewogen haben, war, dass mein Vater auf See war“, gesteht Greengrass. „Er war Handelsseemann und war sein ganzes Leben auf See. Ich wollte schon immer einen Film darüber machen, wie es auf See ist. Das gehörte dazu.“

[Objekt Objekt] Barkhad Abdis Muse konfrontiert Captain Phillips an Bord der Maersk Alabama.

Tatsächlich hatte Greengrass in der Lücke dazwischen Grüne Zone (sein Film über den Irakkrieg 2010 mit Matt Damon, der an den Kinokassen unterdurchschnittlich abschneidet) und schließlich Ja zu Captain Phillips sagte, liebäugelte er mit einer Big-Budget-Adaption von Robert Louis Stevensons Die Schatzinsel. Das blieb auf der Strecke; Es ist schwer vorstellbar, dass jemand vom Stammbaum von Greengrass mit Holzbeinen und Augenklappen und sprechenden Papageien und Schauspielern herumfummelt, die schlechte Eindrücke von Johnny Depps Jack Sparrow machen. Für Greengrass ist Authentizität der Saft. „Ich war sehr an realer Piraterie interessiert“, verrät Greengrass. „Einerseits ist es unglaublich körperlich, also bekommt man diese intensiven Konfrontationen auf hoher See. Und es fühlte sich für mich wie eine sehr frische Welt an, sehr dynamisch. Und was ich daran liebte, war, dass es Gewinner und Verlierer gibt. und wie die Welt ist. Es geht nicht um Gut und Böse, es ist im Grunde der Konflikt zwischen Kindern, die nichts haben und zusehen, wie die Reichtümer der Welt 50 Meilen aufs Meer hinaus an ihnen vorbeirollen.

[object Object] Hanks macht diese Figur so menschlich, so absolut zum Jedermann.

[Objekt Objekt]

PAUL GRÜNGRAS object Object]Greengrass Liebe zum Detail und Engagement für Wahrhaftigkeit ist bekannt. Am [United 93 , stellte er den Rumpf dieses unglückseligen Flugzeugs nach und bat seine Schauspieler, die Einstellungen durchzugehen, die für die Dauer des Fluges andauerten. Und während seiner gesamten Karriere hat er echte Leute gecastet, wo immer er konnte. Das setzte sich auf Captain Phillips fort. Hanks war in der Tasche und lieferte Starpower in Hülle und Fülle, also wollte Greengrass weniger erkennbare Gesichter für den Rest der US-Crew, von Max Martini bis Chris Mulkey. Aber für die Somalis suchte Greengrass nach Gesichtern, die noch weniger erkennbar waren. „Ich wollte und musste unbedingt echte somalische Typen besetzen“, sagt er. „Sie sind junge, unbekannte Kinder. Das ganze Thema ist für sie sehr real und es ist von ihrer Seite mit Komplexitäten bekränzt.“

Offene Casting-Aufrufe in den USA und Großbritannien („Es gibt eine riesige somalische Community in Minneapolis – beim ersten offenen Casting, das wir dort hatten, kamen 900 Leute!“) ergaben „diese Kids, die noch nie zuvor professionell gespielt hatten. Sie hatten es geschafft ein bisschen Zeug in Jugendclubs, und sie waren fantastisch. Sie haben dem Ganzen eine Authentizität verliehen'.

Captain Phillips ist fast zwei Filme in einem. Der erste ist ein epischer, moderner Hochsee-Actionfilm, der, Greengrass is Greengrass, tatsächlich auf dem Meer gedreht wurde, hauptsächlich in maltesischen Gewässern. Schließlich liegen Seebeine in seiner Familie. „Es hat so einen fantastischen Spaß gemacht“, lacht er. „Ich habe es geliebt. Du bist auf diesen gigantischen Schiffen und schaukelst im Ozean herum. Und nachdem ich wirklich darüber nachgedacht hatte, bekamst du diesen erstaunlichen Meeresabenteuerfilm mit einem kleinen Boot, das versucht, ein riesiges Boot zu überfahren, und dann du Das Gegenteil passiert mit diesen gigantischen Marineschiffen, die dieses winzig kleine Rettungsboot verfolgen. Ich habe einfach das visuelle Gefühl, dass es eine fantastische Leinwand ist.

Und auf diesem Rettungsboot kommt der zweite Teil dieser Captain Phillips-Doppelrechnung im Film: die intime Überlebensgeschichte, in der der gute Kapitän, der einer brutalen Behandlung durch seine Entführer ausgesetzt ist, zu ertragen versucht. „Im Kern“, sagt Greengrass, „geht es um einen fantastischen Charakter in Captain Phillips und seinen Widersacher, einen jungen somalischen Kapitän (Neuzugang Barkhad Abdi) . Es ist wirklich eine sehr starke Dynamik – es geht um echte Piraten, wie sie sind und was ihre Ziele sind. Der Film ist wirklich die Geschichte der Kollision zwischen zwei Kapitänen. Ein Kopf-an-Kopf-Rennen mit Tom Hanks ist nicht einfach.'

[object Object]*Greengrass erklärt, dass es für ihn das Leben eines Piraten ist.

HIER IST ETWAS, DAS SIE schockieren könnte. Tom Hanks, der einst das Monopol auf den Oscar für den besten Schauspieler hatte, der wahrscheinlich mit der Umbenennung der Zeremonie in The Gumps enden würde, wurde seit 2001 nicht mehr für den großen nominiert. Jetzt, wenn es darum geht, die Zukunft vorherzusagen, sind wir es nicht gerade Nostradamus – wir sind nicht einmal der erschreckende schwebende Kopf von Ray Winstone – aber wir vermuten, dass Captain Phillips den Streak brechen könnte. »Hab einen Knall drauf.

„Er ist absolut brillant darin“, sagt Greengrass, der den Film bereits fertig gestellt hat und die sieben Monate zwischen jetzt und der Veröffentlichung der Preisverleihungssaison damit verbringt, seine Ermordung des Martin-Luther-King-Films „Memphis“ auf die Beine zu stellen. Hanks – mit Brille, grau gesprenkelter Ziegenbart – sieht nicht so aus, als würde er den echten Captain Phillips vollständig nachbilden (das schlaffe, gräuliche Haar ist nicht für einen da). Aber Phillips, der jetzt als Arbeitskapitän zurück ist, war oft am Set, wenn Hanks jemals eine Auffrischung seiner Essenz brauchte.

„Es war interessant, dass ich mit diesen Typen aufgewachsen bin“, sagt Greengrass von Phillips. „Er war absolut einer dieser Typen. Es ist Trucking im Grunde, Trucking auf dem Wasser. Sie transportieren Fracht um die ganze Welt, und es ist das Lebenselixier der globalen Wirtschaft. Es ist diese Welt, an die ich mich so gut erinnere, mit sehr unprätentiös, fleißige Menschen. Es ist eine Arbeiterwelt, eine sehr physische Welt, und als ich das in meinem Kopf ausgearbeitet hatte, wusste ich, dass ich den Film machen könnte.

Und obwohl er Hanks nur ein paar Mal getroffen hatte, bevor er den Job annahm, hatte er keine Zweifel, dass der altgediente A-Lister der Richtige für diesen gefühllosen „Seelaster“ war. „Er macht diesen Charakter einfach so groß und so menschlich und so absolut zum Jedermann. Es spricht zu uns. Wenn Sie auf diesem kleinen Rettungsboot sind, war es körperlich absolut anstrengend. Aber er war absolut bereit dafür.“

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1. SCHWERKRAFT

Direktor: Alfonso Cuaron

Gießen: Sandra Bullock, George Clooney

Beste für: holt uns aus dieser Welt.

Es war dieses Jahr nicht einmal knapp. Abgesehen von der Tatsache, dass Gravity ein technologisches Wunderwerk ist, das VFX-Künstler in schwindelerregende Becken schieren Unglaubens versetzt, ist es ein großartiges Stück Geschichtenerzählen und ein erstaunliches Stück Kino. Sandra Bullock ist die im All verlorene Astronautin, und sie war noch nie besser, aber es sind Cuarón und sein Team, die mit dem Löwenanteil des Lobes hervorgehen und ein unglaublich angespanntes Beispiel für puren Kino-Nervenkitzel konstruieren.

Lesen Sie die Apergo-Rezension

Hören Sie Alfonso Cuarón im Apergo Podcast

Lesen Sie Produzent David Heyman über den Film

Sehen Sie, wie Bullock und Cuarón in Venedig über den Film diskutieren

[object Object][object Object] DIE LEERE BERÜHREN

Gravity ist der intensivste Weltraumthriller seit Jahren. UND DIE KONSTRUKTION ERFORDERLICH DIE INTENSIVSTEN UND EHRGEIZIGSTEN DREHARBEITEN SEIT AVATAR

WORTE: DAN JOLIN

Diese Funktion erschien erstmals in Ausgabe 293 von Apergo-Magazin __.

Nichts konnte schief gehen. Nicht in dem Sinne, dass unmöglich etwas schiefgehen könnte. Sondern: Etwas schief gehen war einfach keine Option.

Sandra Bullock war in einem kleinen Rahmen gefesselt und so positioniert, dass ihr Kopf, umhüllt von einem High-Tech-Helm, der mit Markierungen und Laserstrahlen gefüllt war, genau in der Mitte eines erhöhten, neun Fuß mal neun Fuß großen Würfels saß, dessen Wände aus geformt waren flackernde LEDs. Von ihrem Gesicht weg und durch eine Öffnung hinaus erstreckte sich eine etwa zweieinhalb Meter hohe Spur auf einem Gerüst. Am anderen Ende, gegenüber einer abgedunkelten Shepperton-Klangbühne, wartete ein Roboter, von der Art, die man beim Bauen erwarten würde Opel Vivaros am Fließband in Luton. Nur dass dieser so umgebaut war, dass er eine Kamera trug, die der Roboter namens Iris unter dem Kommando eines Technikers, der sich über einen Computer in der Nähe beugte, mit unerschütterlicher Präzision bediente.

Wie vom mexikanischen Autor und Regisseur Alfonso Cuarón, dem Meister dieser stillschweigend hochmodernen Einrichtung, und seinen beiden Leutnants Emmanuel 'Chivo' Lubezki (Kameramann) und Tim Webber (Visual Effects Supervisor) konzipiert, sollte die folgende Aufnahme so aussehen verlangen, dass Iris mit 20 Meilen pro Stunde über die Strecke saust und nur einen Zentimeter vor der Nase des unbeweglichen Bullock anhält. Vorsichtigerweise wurde einem Besatzungsmitglied die Aufgabe übertragen, einen großen roten Knopf, den Kill-Schalter, zu drücken, falls Iris sich schlecht benahm.

„Das Problem ist“, erinnert sich Cuarón zwei Jahre später an diesen Tag, „wenn alles schief geht, während der Roboter hier ist“, zeigt er auf das Ende der Strecke, „bis man mit dem Schalter reagiert, gibt es keinen mehr Nase auf Sandra Bullock!'

[Objekt Objekt] Alfonso Cuarón mit Sandra Bullock und George Clooney auf einem der wenigen Sets von Gravity.

Nichts ging schief.

Wie ihre Auftritte vor dem begeisterten Publikum auf der Comic-Con und zuletzt bei den Filmfestspielen in Venedig bestätigten, bleibt Bullocks Knorpel wunderbar intakt. Doch Gravity zu machen war alles andere als einfach. Segeln braucht zunächst einmal Wind – oder besser gesagt Luft. Etwas, das durch seine Abwesenheit 400 Meilen über der Erde auffällt, wo der Film spielt.

„Dieser Film war eine große Fehlkalkulation“, gibt Alfonso Cuarón zu. Eine, die viereinhalb Jahre zuvor begann, als eine versuchte Zusammenarbeit mit seinem Sohn Jonás an Geldmangel scheiterte. Der jüngere Cuarón holte ein weiteres Drehbuch heraus, das er geschrieben hatte, Desierto, und bat seinen Vater um Notizen. Alfonso war beeindruckt von Jonás' Verfolgungsjagd-Thriller, der nur wenige Charaktere in einer rauen, trockenen Umgebung beinhaltete. 'Ich habe nicht viele Notizen', sagte er zu seinem Sohn, 'aber ich würde so etwas gerne machen und ich möchte, dass Sie mir helfen.'

[object Object] Ich habe darum gebeten, dass wir in den Weltraum schießen ...

[Objekt Objekt]

ALFONSO CUARÓN [object Object]Inspiriert von Rückschlägen in ihrem Leben, entschieden sie sich für ein Thema: Widrigkeiten. Es ist ein Wort, das in Apergos Gesprächen mit den Cuaróns oft vorkommt. Dann ging es darum, dieses Thema durch „eine Erzählung zu erforschen, die das Publikum bis zum Rand der Sitze fesselt und die Non-Stop-Action ist“, sagt Jonás.

„Aber wir arbeiten auch mit metaphorischen Elementen“, sagt Alfonso. „Da wir große Bewunderer der Weltraumforschung sind, haben wir uns entschieden, sie im Weltraum aufzustellen“, erklärt Jonás. „Für einen Charakter in einer gefährlichen Situation scheint der Weltraum die schrecklichste Umgebung zu sein.“

„Die Figur schwebt über der Erde – Leben und Menschen und Natur und soziale Dynamik“, erklärt Alfonso, „aber sie schwebt ins Leere.“

Diese Figur ist Ryan Stone, eine Wissenschaftlerin auf ihrer ersten außerirdischen Mission mit dem erfahrenen Weltraumwanderer Matt Kowalsky, deren Aufrüstungsarbeiten am Hubble-Teleskop durch eine tödliche Kaskade von Trümmern mit Geschossgeschwindigkeit in der Erdumlaufbahn gestört werden. „Die Trümmer als Metapher für Widrigkeiten“, bestätigt Alfonso.

Was folgt, ist einer der intensivsten und intimsten Kämpfe ums Überleben, die man sich vorstellen kann, während dessen das Publikum niemals von Ryans Seite weichen wird. „Das gesamte Konzept dieses Films bestand darin, eine Achterbahnfahrt zu schaffen, bei der das Publikum die gleichen Emotionen wie die Figur empfindet“, sagt Jonás. „Wir konnten nicht auf die Missionskontrolle zurückgreifen.“ Oder schneiden Sie überhaupt viel ab; Um das Eintauchen zu vertiefen, war sein Vater entschlossen, den Film mit der Art von langen, gewundenen Einstellungen zu konstruieren, die sein vorheriges Werk, Children Of Men aus dem Jahr 2006, zierten.

Zufrieden mit ihrem ersten Entwurf ging Cuarón The Elder zu seinem vertrauten DP Emmanuel Lubezki mit dem Spitznamen Chivo. „Ich rufe ihn an und sage: ‚Hier ist ein Drehbuch. Lies es. Es sind nur ein oder zwei Zeichen. Wir machen es sehr schnell und dann machen wir weiter.'“

[Objekt Objekt] (Im Uhrzeigersinn von oben) Ryan Stone von Sandra Bullock. Matt Kowalski von George Clooney übernimmt die Führung. Ryan verliert ihren Halt.

Schwerkraft ist keine Science-Fiction. Darauf beharrt Jonás Cuarón. „Das passiert in der heutigen Zeit“, sagt er. 'Eher wie eine Weltraumdokumentation, die schief gelaufen ist!' Es würde keine künstliche Schwerkraft für dieses Abenteuer im Weltraum ausgeheckt. Es würde keinen Betrug geben.

„Wenn man schreibt und sich etwas vorstellt, denkt man nicht pragmatisch darüber nach, wie man das Ganze auf die Beine stellt“, gibt Alfonso Cuarón zu. Wir treffen uns Mitte August in einem Fotostudio in West-London, nur zehn Tage vor der Premiere von Gravity bei den Filmfestspielen von Venedig. Dies ist das erste Mal, dass er ausführlich mit einem Journalisten spricht, der den Film gesehen hat, und er ist froh, nicht in Abstraktionen sprechen zu müssen; 'Ich bin so glücklich, Mann!' Das Grau seines Haares täuscht über einen jugendlichen Überschwang hinweg, der ihn dazu zwingt, improvisierte Requisiten zu greifen, um komplexe Vorgänge nachzuspielen, und ihn schnell zum Lachen und Strahlen bringt und auf eigene Kosten Witze macht: „Ich habe immer so getan, als wäre alles unter Kontrolle!“

Cuaron und Co. erkannten schnell, dass es keine vorhandene Technologie gab, um das zu erreichen, was sie brauchten. „Also begann die ganze Sache, unsere eigene Technologie zu entwickeln. Und nachdem wir unsere eigene Technologie entwickelt hatten, stellten wir fest, dass der Prozess sehr lang werden würde.“

[Objekt Objekt] Wir mussten die Postproduktion abschließen, bevor wir mit der Vorproduktion beginnen konnten. Es war verrückt!

[Objekt Objekt]

ALFONSO CUARÓN [object Object]Zu lang für Universal Pictures, wo Cuarón Children Of Men gedreht hatte. Das Studio legte das Projekt nach einem Wechsel in der Verwaltung in den Turnaround. 2009 fand Gravity ein Zuhause bei Warner Bros., und Cuarón konnte einen langjährigen Freund, den Produzenten David Heyman, den Hirten der Harry-Potter-Reihe, mitnehmen, mit dem der Regisseur an „Der Gefangene von Askaban“ gearbeitet hatte. Heyman erkannte bald, dass er an etwas beteiligt war, das noch nie zuvor versucht worden war, selbst bei den FX-intensiven Potters. Auf seine Weise war dies genauso ehrgeizig wie James Camerons Avatar.

„Offensichtlich gab es Versuche, Null-G nachzubilden“, sagt Heyman. „Aber die eigentliche Herausforderung war die Art und Weise, wie Alfonso gerne dreht. Die erste Einstellung des Films dauert ungefähr 12 Minuten – ohne Schnitt!“

Sie erwogen Draht-Rigs. Sie betrachteten das Schießen unter Wasser. Sie fragten sich, ob sie die Schauspieler auf Glas legen könnten. Sie untersuchten den 'Kotzkometen', der von Astronauten im Training und von Ron Howard in Apollo 13 mit großer Wirkung verwendet wurde: ein großer, hohler Jet, dessen scharf parabolische Flugbahn es seinen flauen Passagieren ermöglicht, beim Auftreffen auf jeden 'Höcker' kurzzeitig Schwerelosigkeit zu erleben. Cuarón war zusammen mit VFX-Supervisor Tim Webber und einer Stuntfrau sogar in einem mitgefahren (nur die Stuntfrau hat sich übergeben, berichtet Heyman). „Ron Howard war sehr schlau“, sagt Cuarón. 'Er hat eigentlich nicht so viel in den Erbrochenen Kometen geschossen.' Aber diese Methode verschaffte dem Regisseur weder genug Zeit, um seine ausgedehnten Aufnahmen zu machen, noch die richtige Beleuchtung, um Astronauten in der Thermosphäre darzustellen, die in das außerweltliche Leuchten von Mutter Erde getaucht waren.

Apergo riskiert eine Frage, von der wir befürchten, dass sie die dümmste sein könnte, die wir je gestellt haben: Haben sie tatsächlich in Betracht gezogen, im Weltraum zu drehen?

'Ja', antwortet Heyman. 'Alfonso hat es getan.'

'Ich habe darum gebeten!' schreit Cuarón. 'Aber wie viel kostet es im Moment, eine Person zur Raumstation zu schicken? Zwölf Millionen Pfund? Und das ist nur eine Person. Und außerdem wird es niemand versichern. Ich sagte: 'Lass es uns angehen!' und sie lachten nur. Ich habe mit James Cameron darüber gesprochen. Er wird es tun ... '

Die ultimative Lösung würde einen Ansatz erfordern, der körperlich weniger abenteuerlich, aber umwerfender wäre. In gewisser Weise mehr Science-Fiction als der Film selbst.

[Objekt Objekt] Cuarón bereitet Clooney und Bullock auf eine weitere Szene vor.

Ungefähr zu der Zeit, als sie anfingen, sein Gesicht digital abzubilden, verkündete Robert Downey Jr.: „Wow, das ist zu intensiv für mich.“

Als Downey Jr. zum ersten Mal die Rolle des schiefen, erfahrenen Astronauten Matt Kowalsky angenommen hatte, war die Technologie noch nicht vollständig definiert. Aber jetzt, als sie kurz vor dem Schießen standen, war klar, dass, wie Alfonso Cuarón es ausdrückt, „die Technologie nicht sehr freundlich zu dem sein würde, was Robert am besten kann“. Der Stil von Downey Jr. ist sehr flüssig, improvisiert und findet immer neue Dinge im Moment. Aber bevor er überhaupt vor eine von Cuaróns Kameras getreten (oder besser gesagt, festgeschnallt) worden war, war jede Bewegung seiner Figur bereits geplant. Er würde sich ihnen anpassen müssen, Schlag für Schlag. Kein Raum für unvorhergesehene Manöver.

' Alles war vorprogrammiert“, erklärt Cuarón. „Wir haben all diese Technologien erfunden, und je nach Szene oder Aufnahme wechseln wir von Technologie zu Technologie, und in manchen Fällen wird ein und dieselbe Aufnahme eine Kombination verschiedener Technologien sein. Allen gemeinsam ist, dass all diese unterschiedlichen Technologien vorprogrammiert waren.

Und allein die Menge an Zeit, die es brauchte, um all die vielen Informationen zu programmieren, die wir für den Dreh bereit haben mussten, bedeutete, dass wir den Dreh in zwei verschiedene Phasen aufteilen mussten. Also drehten wir einen Teil in einem Sommer und den anderen Teil im nächsten Sommer – beide mit Schauspielern.“

[Objekt Objekt] DU, ICH UND DEBRIS

JONAS CUARON ERKLÄRT

DAS KESSLER-SYNDROM Das katastrophale Ereignis, das Ryans Tortur auslöst, wurde erstmals 1978 vom NASA-Wissenschaftler Donald J. Kessler postuliert. Jonás Cuarón legt es dar: „Es ist ein Szenario, in dem die Dichte von Objekten in der äußeren Umlaufbahn zu groß wird: so viele Satelliten, so viele Raumsonden ... wir haben da oben eine Menge Schrott. Das Problem ist, dass man sich im Orbit mit unglaublicher Geschwindigkeit fortbewegt. Man umrundet die Erde einmal alle 90 Minuten. Also, wenn Wenn zwei Objekte, die sich mit dieser Geschwindigkeit bewegen, kollidieren, würden sie in einer Wolke aus winzigen Splittern explodieren. Wenn jedes winzige Splitterstück einen Satelliten trifft, würde dieser Satellit ebenfalls explodieren und die Wolke würde weiter wachsen. Und das würde die Erforschung des Weltraums sogar möglich machen Satelliten im äußeren Orbit zu haben, ist seit vielen Jahren unmöglich.'

Tatsächlich erklärt der Regisseur: „Wir mussten die Postproduktion abschließen, bevor wir mit der Vorproduktion begannen.“ Apergo kann unsere Ungläubigkeit nicht unterdrücken. „Nein, wirklich! Es war verrückt! Wir haben zweimal, dreimal geschnitten, wir mussten sehr definierte Animationen haben, bevor wir überhaupt mit den Schauspielern angefangen haben.

Und die große Herausforderung während des Drehs, weil alles vorprogrammiert war, war, dass die Schauspieler in ihren Möglichkeiten sehr eingeschränkt waren. Die Schüsse waren bereits in Stein gemeißelt, daher konnten wir die Leistungen nur im Rahmen der Zeit, der Positionen und der körperlichen Voraussetzungen ändern, die bereits festgelegt waren.

Verlasse dann Downey Jr. Sogar sein Nachfolger, George Clooney, Veteran von drei Shows mit den Anti-Improv-Coen-Brüdern, hatte seine Zweifel. „Ich bin spät zu diesem Shooting gekommen“, sagt er. „Ich kam rein und dachte: ‚Ich kann das nicht! Ihr seid verrückt!'“ Er war jedoch davon inspiriert, wie sein Co-Star Cuaróns schwierigen Prozess standhielt. „Es war atemberaubend, was sie in diesem Film gemacht hat“, sagt er über Sandra Bullock – Cuaróns Ryan Stone.

Für einige Aufnahmen wurde Bullock von Puppenspielern durch die Luft gezerrt, während er schmerzhaft in 20 Fuß Höhe in einem 12-Draht-Rig angebunden war. Für andere betrat sie eine Vorrichtung namens „die Waschmaschine“ von Emmanuel Lubezki wegen ihres kreisförmigen „Fensters“. Für ein paar Szenen wurde ihr der seltene Luxus gewährt, in einem echten Set zu sitzen, einer Raumkapsel (Bild oben). Aber meistens musste sie stundenlang isoliert in der Mitte von 'The Lightbox' stehen, dieser 9 Fuß mal 9 Fuß großen quaderförmigen Struktur, die im Zentrum der schattigen Shepperton-Klangbühne eindrucksvoll glühte, nur mit Cuaróns Stimme , leitet sie durch einen Ohrhörer und Stimmungsmusik für Gesellschaft. „Körperlich und mental war es die verrückteste, bizarrste und herausforderndste Sache“, sagt Bullock, der auch monatelang trainierte, um sich für die Rolle in Form zu bringen. 'Aber du findest, woraus du gemacht bist.'

Um Ryan zu zeigen, wie er sich dreht und schwebt und nach Luft schnappt, während er die einzigartige Beleuchtung im Weltraum „ehrt“ und überzeugend eine sich ständig bewegende Umgebung darstellt, in der es keine Schwerkraft, keine Mikrogravitation und keinen Umgebungsdruck gibt (was auf Bullocks Gesicht erkennbar gewesen wäre). und Körper in einem subaquatischen oder komplett Wire-Rig-Setup), Cuarón, Webber und Lubezki machten all die fotorealistischen Bilder von so ziemlich allem, was nicht die Schauspieler waren, die sie in monatelanger Arbeit mühsam heraufbeschworen hatten, und projizierte sie von den Discoboden-ähnlichen LED-Wänden von Bullocks provisorischem Grab – „wie im Piccadilly Circus“, sagt Cuarón. Dies erzeugte die perfekte Illusion einer schwerelosen Bewegung, als ob jede Kamera selbst ebenfalls in Null-G wäre. „Es war interessant, es hat Spaß gemacht, es war nervig“, erinnert sich der Regisseur. Und da jede vom Schauspieler ausgeführte Einstellung genau mit den bereits vorhandenen VFX übereinstimmen musste, waren computergesteuerte Roboter erforderlich, um die Kameras zu handhaben; es gab keinen Platz für Diskrepanz oder menschliches Versagen. Außer...

„Am Tag, bevor wir im ersten Sommer mit den Dreharbeiten begannen, funktionierte nichts“, sagt Cuarón. „Wir hatten bereits zwei Jahre lang viel Zeit und Geld in diese Technologie investiert. Dieser Tag war also ein bisschen beängstigend, weil man plötzlich merkt, dass alles eine Katastrophe wird. Dann, Mitternacht zuvor, begann etwas zu passieren. Also wir schlafen gegangen und als wir am nächsten Morgen zurückkamen, funktionierte plötzlich alles.' Er zuckt verwirrt mit den Schultern. 'Es war eines dieser Dinge.'

„Es war nie langweilig“, sagt Heyman. „Und es war immer aufregend. Und es war immer anspruchsvoll. Aber anspruchsvoll ist gut, wenn man weiß, dass man für jemanden arbeitet, der ehrgeizig und genial ist.“

[Objekt Objekt] Alfonso Cuarón dient seinem gestreikten Stern.

Die Zeit, der Schmerz, die Anstrengung, die Widrigkeiten, oh, die Widrigkeiten... Es hat sich alles gelohnt, keine Frage. Jonás Cuarón hat diesen Monat seinen eigenen Film in Produktion: Desierto, genau das Drehbuch, das seinen Vater vor all den Jahren inspiriert hat. Für Jonás war es ebenso beruhigend wie befriedigend, in Venedig mitzuerleben, wie ein Publikum auf die Kraft der Schwerkraft reagiert.

[object Object] Es war der bizarrste und herausforderndste Prozess.

[Objekt Objekt]

SANDRA BULLOCK [object Object] „Das sind sehr unterschiedliche Geschichten – die eine spielt sich im Weltraum ab, die andere in der Wüste – aber was Desierto und Gravity gemeinsam haben, ist, dass du einer Figur folgst, die für dich zu einer Art Avatar wird. Ich war es Ich bin mir nicht sicher, ob es funktionieren würde. Aber wenn der Film endet, sieht man das Publikum herauskommen, als ob es 90 Minuten lang im Weltraum geschüttelt worden wäre!“

Sein Vater ist bestrebt, die Rolle der Technologie (von seinen eigenen Innovationen über 3D – interessanterweise nicht nativ, aber nach der Konvertierung – bis hin zu Dolby Atmos) herunterzuspielen, wenn es darum geht, ein so zutiefst aufregendes Eintauchen zu erreichen. „Vom Geek-Standpunkt aus kann man sagen: ‚Das ist alles erstaunlich‘, aber vom Leistungsstandpunkt aus ist es noch außergewöhnlicher“, betont er. Bullock hat in der engsten Drehumgebung, in der jede ihrer Bewegungen streng choreografiert ist, eine akute emotionale Realität gefunden. „Du bist immer eingesperrt“, sagt sie. Aber das hat ihr tatsächlich geholfen. „Es ist frustrierend und schmerzhaft, aber am Ende benutzt du es. Es ist eine weitere Ebene, die dir helfen kann, in deinem Unbehagen authentischer zu sein.“

„Ich denke, es war ihr tänzerischer Hintergrund“, schließt die Regisseurin; Bullock beschreibt den Prozess des schwerelosen Handelns als „wie Wasserballett … Es war seltsam, aber irgendwie haben wir es genug getan, um dorthin zu gelangen, wo es zur zweiten Natur wurde. Die meiste Zeit …“

Sowohl Bullock als auch Clooney waren bei der Premiere in Venedig im Publikum und sahen sich den fertigen Film zum ersten Mal an. Sie war ganz einfach 'umgehauen'. Clooney auch, aber er möchte auf etwas hinweisen: „Es ist mit großartigem visuellem und Sounddesign gemacht, aber auf eine altmodische Art und Weise, die sich auf die Visuals verlässt, nur um die Geschichte am Laufen zu halten.“ Bei allem Schnickschnack, Robotern und Leuchtkästen müssen wir uns auf das Herz konzentrieren. „Der lustige Teil ist nicht nur ‚Wie haben sie das gemacht?' Es geht um richtig gutes Storytelling.'

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