Die 50 besten LGBTQ+-Filme

Die 50 besten LGBTQ+-Filme

'Fick die Welt.' Das Motto von Das lebende Ende 's Protagonisten könnten als Slogan für die gesamte Karriere des Filmemachers Greg Araki stehen. Araki, ein wichtiger Shitkicker in der New Queer Cinema-Bewegung der frühen 90er Jahre, nahm einen Baseballschläger mit in die heteronormative Kultur und erkundete das schwule Leben am Rande während der Bush-Regierung in Filmen, die abwechselnd lustig, offen und gequält waren. Das lebende Ende ist sein bestes Bild, ein sogenanntes „schwules Thelma & Louise“, als Filmkritiker Jon (Craig Gilmore) und Herumtreiber Luke (Mike Dytri), beide als HIV-positiv diagnostiziert („the Neonazi Republican final solution“, sagt Jon über AIDS), töten einen homophoben Polizisten und machen sich auf den Weg, indem sie jeden Fanatiker angreifen, der sich ihnen in den Weg stellt. Anstatt sich selbst zu bedauern, entfesseln diese Charaktere ihren Nihilismus auf die Welt, gemildert durch eine Art freilaufende Anarchie und verstärkt durch Arakis auffällige Bilder und Sprungschnitte. Wie die Widmung des Films es ausdrückt, ist es ein Schlag in die Magengrube für „ein großes Weißes Haus voller republikanischer Idioten“.
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Hergestellt im Jahr 1994 – im selben Jahr wie Angestellte – Rose Troches süßer, sexy, einfühlsamer Blick auf das Liebesleben von Gen-X-Lesben in Chicago sieht Guinevere Turner als Max, der anfängt, mit Ely (V.S. Brodie), einer älteren, zurückhaltenderen Tierarzthelferin, auszugehen. Auf viele Arten, Gehen Sie Fisch Die Bedeutung von liegt in dem, was es nicht zeigt. Es ist ein seltener schwuler Film aus den frühen 90ern, in dem niemand stirbt oder traumatisch herauskommt. Stattdessen sind diese Frauen – plus Max' Freundin Kia (T. Wendy McMillan), ihre geschiedene Geliebte Evy (Migdalia Melendez) und Daria (Anastasia Sharp), Elys durstige Mitbewohnerin – ausgeglichen und verdammt lustig. Aber nicht nur marginalisieren Gehen Sie Fisch 's Einfluss auf das queere Kino – es ist auch ein Schlüsselfilm in der damals aufkeimenden US-Indie-Szene, der 2,4 Millionen Dollar bei einem mageren Budget von 15.000 Dollar einspielte.
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Eliza Hittmans zweiter Film ist ein intimes Porträt verinnerlichter Homophobie und toxischer Männlichkeit, deren kombinierte Kraft Frankie (ein brillanter Ausbruch aus dem zukünftigen Star Harris Dickinson) ins Trudeln bringt. Tagsüber schlendert er mit seiner Gruppe durchtrainierter, Tanktops tragender, harter Kerle über die sonnenverwöhnte Strandpromenade von Coney Island, schwimmt, spielt Ballspiele und raucht Gras. Nachts zieht es ihn auf die Website der BrooklynBoys, auf der Suche nach Männern, mit denen er sich treffen kann – etwas, das er nicht mit seinem Leben und seinen Freunden vereinbaren kann. Es ist ein hypnotisches und komplexes Werk, das den Konflikt und die Verwirrung in Frankies Kopf gekonnt nach außen trägt, mit einem zweideutigen Ende, das viel zum Nachdenken bietet, kommen die Credits. Das alles ist in herrlich körniger Fotografie aufgenommen, die nicht nur die durchtrainierten männlichen Körper von Frankie und seinen Freunden einfängt, sondern auch den tobenden Aufruhr, der sich unter dieser idealisierten Oberfläche verbirgt.
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Ein queerer Kultklassiker, der seit seiner Veröffentlichung im Jahr 1999 immer mehr an Bedeutung gewinnt, Jamie Babbits satirische Liebeskomödie Aber ich bin ein Cheerleader ist eine fröhlich kühne, bissig kluge Auseinandersetzung mit Heteronormativität. Natasha Lyonne betritt die Szene als Megan, eine scheinbar perfekte Teenagerin und verschlossene Lesbe, die ins Konversionslager geschickt wird, als ihre Eltern ihre Sexualität vor ihr herausfinden. Das Camp ist ineffektiv, da es ein Ort für Megan wird, um sich mit anderen Kindern zu umgeben, die ihre Identität herausfinden, und um sich mit der nervösen, stolzen Lesbe Graham (Clea Duvall) zu treffen. Babbits Verwendung greller Rosa- und Blautöne ist ein karikaturhafter Hintergrund für die urkomische Befragung von Geschlechternormen im Film, wobei die auf die Nase gerichtete Natur deutlich macht, wie lächerlich die Erwartungen der Gesellschaft in Bezug auf Sexualität sind, umso deutlicher. Über zwei Jahrzehnte später, als die Bemühungen, die Konversionstherapie zu verbieten, ins Stocken geraten, Aber ich bin ein Cheerleader ist nach wie vor so aktuell wie eh und je.
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Vielleicht der Höhepunkt der 'McConaissance', bei der Matthew McConaughey seine Romcom-Persönlichkeit zugunsten von weitaus schlagkräftigeren Rollen ablegte, Dallas Buyers Club ist inspiriert von der wahren Lebensgeschichte von Ron Woodroof. Angesichts einer überraschenden AIDS-Diagnose und nur noch dreißig Tagen zu leben beginnt Ron mit dem Handel mit einem nicht zugelassenen, aber wirksameren Medikament aus Mexiko, wobei er dabei mit der US-Regierung und der FDA in Konflikt gerät. Woodroof, der sehr als Antiheld bezeichnet wird, wird vor seiner Krankheit als giftig homophob dargestellt und entwickelt im gesamten Film Empathie für schwule und transsexuelle Mitpatienten. McConaughey und der Nebendarsteller Jared Leto haben während der Preisverleihungssaison für ihre Auftritte die Bretter gefegt – und während der Film in die Falle tappt, seine Geschichte auf einen heterosexuellen männlichen Charakter zu konzentrieren und einen männlichen Cis-Schauspieler in einer Trans-Rolle zu besetzen, stellt der Film selbst einfühlsam einen Schlüssel dar Geschichte innerhalb der breiteren AIDS-Krise.
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Divine wurde in den Filmen von John Waters und darüber hinaus verewigt und war eine Drag-Ikone – ein unverschämter, konfrontativer, Grenzen sprengender Star mit unauslöschlichem Einfluss auf die Popkultur. Der Dokumentarfilm von Jeffrey Schwarz erzählt die Geschichte des Mannes hinter dem Make-up – Harris Glenn Milstead, der von einer religiösen Erziehung zum Gesicht des selbsternannten „Trash-Kinos“ wurde. Es ist eine glorreiche Feier von Divines Leben, von ihren Anfängen, als sie Bergman-Filme auf LSD sah und durch die Drag-Balls von Washington lief, bevor sie die Welt mit Künstlern wie Pink Flamingos und Female Trouble schockierte, eine Plattenkünstlerin wurde (die sogar auftrat auf Top Of The Pops, zu vielen Kontroversen) und wünschen sich schließlich mehr Mainstream-Beifall und Zustimmung für Hairspray. All das, und es rahmt Divine als Pionier ein, der den Trends von Punk, Disco und Techno vorausging, bevor sie groß rauskamen, und enthüllt die sehr menschliche Verwundbarkeit hinter der skandalösen Persönlichkeit.
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Konversionstherapie ist kein Neuland für das LGBTQ+-Kino, aber Desiree Akhavans Interpretation einer der heimtückischsten Formen der Homophobie verbindet Drama, Komödie und eine intime Indie-Sensibilität in einem Film, der auf witzige Weise eine hochgezogene Augenbraue über ihre lächerlichen Praktiken hebt, ohne sie zu unterminieren den Schmerz und Schaden, den sie denen zufügen, die gezwungen sind, sie zu betreten. Nachdem Cameron (Chloë Grace Moretz, in ihrer allerbesten Form) beim Knutschen mit einem Mädchen erwischt wurde, wird sie in das Konversionslager „God's Promise“ verfrachtet, wo sie alle möglichen Teenager trifft – einige versuchen, sich zu „erholen“, andere in Verleugnung, und einige tun, was sie tun müssen, in der Hoffnung, dass sie eines Tages nach Hause gehen können. Die Co-Stars Sasha Lane und Forrest Goodluck sind außergewöhnlich, und obwohl es viele Momente der Heiterkeit gibt, ist es erschreckend festzustellen, dass diese unglaublich schädliche Praxis in Großbritannien und vielen US-Bundesstaaten noch immer nicht verboten wurde.
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Filme mit LGBTQ+-Protagonisten fühlen sich immer noch dünn gesät – aber ein Weihnachtsfilm mit queeren Leads? Noch seltener. Clea Duvall korrigierte das 2020 mit dem Lustigen und Festlichen Glücklichste Jahreszeit , die dem Paar Harper (Mackenzie Davis) und Abby (Kristen Stewart) folgt, als sie über die Feiertage das Haus der Familie Harper besuchen. Das einzige Problem? Sie wissen nicht, dass sie schwul ist. Stewart ist magnetisch und setzt ihre sprunghafte Energie perfekt in der Romcom-Kulisse ein, und eine hervorragende Nebenbesetzung, darunter Daniel Levy als Abbys Freund John, Alison Brie als Harpers Schwester und Aubrey Plaza als Ex-Freundin, sorgen dafür, dass jeder Handlungsstrang fesselnd und unterhaltsam ist . Obwohl es sich um eine widerstrebende Coming-out-Geschichte dreht – ein Tropus, den wir schon oft gesehen haben – tut es dies auf eine besonders erhebende Weise, und eine Szene, in der John Abby über Harpers Kampf damit beruhigt, ehrlich zu sein, ist eine Szene für die Ewigkeit.
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Stephan Elliotts australischer Road-Streifen, einer der wichtigsten Drag-Queen-Filme, wurde zu einem internationalen Crossover-Hit – eine urkomische und herzliche Drama-Komödie über eine Transfrau und zwei Drag-Performer, die in einem Tourbus durch das Outback reisen. Es ist tatsächlich der Bus, der die Priscilla des Titels ist – ein Fahrzeug, das regelmäßig neu lackiert werden muss (am auffälligsten eine komplett rosa Umarbeitung), um den auf seiner Seite gekritzelten homophoben Missbrauch zu vertuschen, da die Bande freundlichen Aborigines und einigen weniger begegnet -freundliche Städter auf ihrer Reise von Sydney nach Alice Springs. Wenn Sie Terence Stamp heute nicht als Transfrau Bernadette besetzen würden, Priscilla bietet großartige Auftritte von Stamp, Hugo Weaving und Guy Pearce – das Trio legt es in ihrer ikonischen Lippensynchronisation von CeCe Penistons „Finally“ absolut hin und trifft alles dramatische Beats, während die Geschichte Enthüllungen über ihr persönliches Leben und ihre Beziehungen enthüllt.
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Alain Guiraudies eleganter, unglaublich sehenswerter Film, Gewinner des Queer Palm Award 2014, ist eine provokative Kombination aus Hitchcock-Thriller, verhängnisvoller Liebesgeschichte und vielleicht dem bestgespielten schwulen Pornofilm, der je gedreht wurde. Alles spielt an einem abgelegenen Ort zum Segeln an den steinigen Ufern eines Sees und zeichnet die Beziehung zwischen Franck (Pierre Deladonchamps) und Michel (Christophe Paou) nach. Franck beobachtet, wie Michel einen Mann ertränkt, ist aber so von ihm verzehrt, dass er die Polizei anlügt. Klug, explizit (die Haut-auf-Haut-Action ist nicht simuliert, aber Körperdoubles verwendet) und wahnsinnig lustig, es ist ein Film über das dunklere Ende der Begierde und die Impulse, denen wir einfach nicht widerstehen können. Ein Fixpunkt in den Top Ten der meisten Kritiker dieses Jahres, ist es ein straffes Stück Geschichtenerzählen, das die einzigartige Qualität hat, im Finale gleichzeitig kalt und herzzerreißend zu sein. Etwas, das man gesehen haben muss.
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Basierend auf Matt Crowleys Off-Broadway-Stück von 1968, Die Jungs in der Band ist ein Meilenstein im LGBTQIA-Kino (zufälligerweise ist es vielleicht auch der erste amerikanische Mainstream-Film, der die C-Bombe abwirft). Bevölkert von der ursprünglichen Besetzung der Bühnenproduktion spielt die Handlung in der Wohnung von Michael (Kenneth Nelson), der eine Party für seinen Freund Harold (Leonard Frey) veranstaltet. Während sie auf die Ankunft des Geburtstagskindes warten, taucht unerwartet Michaels heterosexueller College-Kumpel Alan (Peter White) auf und sorgt für einen Riss in der Gruppe. Unter der Regie von William Friedkin, der später eine fragwürdigere Darstellung des schwulen Lebens in Cruising inszenierte, ist der Film als erster großer Studiofilm, der sich direkt mit Homosexualität auseinandersetzt, in die Geschichte eingegangen. Wenn es später die Gemeinschaft wegen des Selbsthasses und der Unterdrückung seiner Charaktere spaltete, segelt es an erstklassigem Gezänk und fließendem Filmemachen vorbei und dient als wichtige Zeitkapsel, die festhält, was es bedeutete, im Amerika der späten 60er Jahre schwul zu sein. Nein Die Jungs in der Band , Nein Brokeback Mountain , Nein Milch . Es ist so wichtig.
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Geschichten von unglücklichen Liebhabern aus verfeindeten Familien sind so alt wie die Zeit, aber die von Wanuri Kahiu Freund ist einzigartig – sogar bahnbrechend – darin, die Geschichte zu einer lesbischen Romanze in Nairobi zu transportieren. Es ist eine noch stärkere Aussage, wenn man bedenkt, dass Homosexualität in Kenia derzeit immer noch illegal ist, und Freund wurde dort wegen 'klarer Absicht, Lesbentum zu fördern' verboten. Das Publikum an anderer Stelle wurde mit der einfachen, aber süßen Geschichte von Kena (Samantha Mugatsia) und Ziki (Sheila Munyiva) verwöhnt, die sich während einer Wahl, bei der ihre Väter Rivalen sind, ins Auge fallen. Was Freund fehlt es an Drehbuch-Finesse, macht es mehr als wett durch auffällige Optik – Christopher Wessels' Kinematographie ist eines der herausragenden Elemente, die ein in Pink und Violett getauchtes Kenia einfängt, mit Farbtupfern überall von Zikis Zöpfen bis hin zu leuchtenden Decken auf einer Wäsche Linie, zu Regalen mit Auberginen auf einem Markt.
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Das ist Benedict Cumberbatch, wie Sie ihn noch nie gesehen haben. Er spielt Phil, einen Rancher, der sich von seinem Bruder George (Jesse Plemons) trennt, als er sich in die süße, melancholische Rose (Kirsten Dunst, in unglaublicher Form) verliebt. Die Spannung baut sich auf, als Roses Sohn Peter (ein hypnotisierender Kodi Smit-McPhee) einzieht, während Phils Männlichkeit auf die Probe gestellt und Geheimnisse aufgedeckt werden. Mit diesem köchelnden, langsam brennenden Western behält Jane Campion ihren Status als eine unserer besten Regisseure, ihre unnachahmliche Fähigkeit, taktile Sinnlichkeit unübertroffen darzustellen. Die queeren Themen hier brauchen ihre Zeit, um enthüllt zu werden, aber sie tun dies in einem dritten Akt, der Sie ins Wanken bringen wird.

Im LGBTQ+-Kino findet man selten Beispiele für explizit bisexuelle Charaktere, weshalb Desiree Akhavan als Filmemacherin und insbesondere in ihrem Spielfilmdebüt eine so wichtige Darstellung bietet. Angemessenes Verhalten folgt der in Brooklyn lebenden Shirin (Akhavan selbst) durch eine Reihe von sexuellen Begegnungen mit Männern und Frauen, manchmal sogar gleichzeitig, während sie versucht, über ihre Trennung von ihrer Ex-Freundin Maxine (Rebecca Henderson) hinwegzukommen. Aus einer traditionellen persischen Familie stammend, hält Shirin ihre Bisexualität vor ihren Eltern geheim, wenn auch vielleicht nicht erfolgreich. Wie sie sagt, 'sie wissen, dass ich weiß, dass sie es wissen'. Ziemlich handlungslos – eher wie eine Momentaufnahme eines Lebens – präsentiert Akhavans knochentrockener Humor, zurückhaltendes Schauspiel und messerscharfe Texte sie hier als queere Autorin für die Zukunft.
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Basierend auf der tragischen Geschichte des Todes des Transgender-Mannes Brandon Teena, Kimberly Peirces Jungs weinen nicht ist eine wichtige, aber schwierige Uhr. Es zeigt Brandons (hier gespielt von einer kurzhaarigen, androgynen Hilary Swank) Umzug in die Kleinstadt Falls City, wo er sich mit der schönen Karaoke-Sängerin Lana (Chloë Sevigny) anfreundet und eine kleine Gruppe von Freunden findet – das einzige Problem ist, dass sie sich anziehen Ich weiß nicht, dass Brandon in einem weiblichen Körper geboren wurde. Wie er in der heutigen Sprache sagt, macht er eine „sexuelle Identitätskrise“ durch. Der Film wurde wegen der Verwendung eines Cisgender-Schauspielers und wegen seiner Darstellung transphober Gewalt kritisiert – aber Swanks oscarprämierte Leistung ist außergewöhnlich, und die erschütterndsten Momente erinnern an die Gefahren und Verfolgungen, denen Transgender-Menschen noch heute ausgesetzt sind.
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Jonathan Demmes Drama war ein Meilenstein – der erste Mainstream-Hollywood-Film, der die AIDS-Krise darstellte. Tom Hanks liefert eine Oscar-gekrönte Rolle als Andrew Beckett, ein hochfliegender schwuler Anwalt, der abrupt aus seiner Anwaltskanzlei geworfen wird, als die Seniorpartner entdecken, dass er AIDS hat. Er verbündet sich mit Denzel Washingtons homophobem Anwalt Joe Miller, um sich zu wehren, und bringt die Kanzlei wegen seiner Entlassung vor Gericht. Drehbuchautor Ron Nyswaner ist selbst ein Aktivist für die Rechte von Homosexuellen, was sich durch seine Arbeit zieht – und in Philadelphia liefert er eine zutiefst berührende Geschichte, die damals dazu diente, dem Film ein menschliches Gesicht (und mit Hanks noch dazu einen bekannten Namen) zu verleihen die erschütternden Schlagzeilen. Heute ist es schwer, Millers unangenehme Homophobie zu ertragen, aber Demmes Film bietet auch eine schöne Darstellung von Becketts Großfamilie, die ihn bedingungslos liebt und unterstützt.
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Als Marsha P. Johnson, eine schwarze Transfrau, im Juli 1992 tot aufgefunden wurde, wertete die Polizei dies mit minimalen Ermittlungen als Selbstmord. Abgesehen davon, dass in der LGBTQ-Community, in der sie ein so bedeutendes Mitglied war, ihre Freunde und ihre auserwählte Familie sagen, dass sie sich auf keinen Fall das Leben genommen hat. Wie der Titel schon sagt, feiert David Frances Dokumentarfilm zum Teil Marshas Leben – als eine der wichtigsten Anführerinnen der ursprünglichen Gay Rights-Bewegung und der Gründung von Pride nach den Stonewall-Unruhen – und auch eine Untersuchung ihres Todes Die Aktivistin Victoria Cruz begibt sich in der Gegenwart auf eine erneute Mission, um die Umstände ihres Todes näher zu untersuchen. Es ist oft eine harte Uhr, aber vollgepackt mit einer reichen Geschichte, die einem breiteren Publikum bekannt sein sollte – ein eindrucksvolles Dokument, das die Tatsache bestätigt, dass schwarze Transleben wichtig sind.
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Romantische Momente mit echtem Durchhaltevermögen sind nicht immer die großen, bombastischen. Kleinere Momente können genauso effektiv sein – betrunkenes Feiern oder Kissengespräche bei Sonnenaufgang. Andrew Haighs Wochenende versteht das – es ist ein kleiner Film mit noch kleinerem Budget, aber die Delle, die er im Herzen hinterlässt, ist beträchtlich. Tom Cullen ist Russell, ein introvertierter schwuler Mann, der darum kämpft, offen mit seiner Sexualität umzugehen. Eines Nachts nimmt er den viel selbstbewussteren Glen (Chris New) mit nach Hause; Dann verbringen sie das Wochenende zusammen, obwohl Glen nur noch zwei Tage Zeit hat, bevor er wegzieht. Gefilmt in langen Einstellungen, subjektiven Nahaufnahmen und im Guerilla-Stil in Straßenbahnen und in Menschenmengen, ist Weekend ein unglaublich intimer Blick auf die Politik schwuler Beziehungen und wie selbst die kürzesten Interaktionen Ihr Leben zum Besseren verändern können.
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Es gibt nur wenige Darstellungen von Geschlechterfluktuation auf der Leinwand, die so abstrakt und völlig wörtlich sind wie in Sally Potters Orlando . In ihrer Adaption des Romans von Virginia Woolf lebt die Titelprotagonistin über 400 Jahre, altert keinen Tag, beginnt ihr Leben als Adeliger und wird irgendwann eine Frau. Und wer könnte diese Rolle besser spielen als Tilda Swinton, die ihre ätherische Androgynität zu einer Person bringt, die sich mit der Zeit weiterentwickelt und dabei ihre Kernidentität bewahrt, egal wie sie sich nach außen präsentiert. 'Dieselbe Person. Überhaupt kein Unterschied', sagt Orlando, der gerade mit einem weiblichen Körper aufgewacht ist. 'Nur ein anderes Geschlecht.' Potters Film ist sowohl ein prächtiges Kostümdrama als auch eine durchtriebene, moderne, subversive Komödie, wobei Orlando regelmäßig die vierte Wand durchbricht, um dem Publikum in die Augen zu sehen – besonders in der durchdringenden Schlusseinstellung, in der Swinton 20 volle Sekunden lang direkt in die Linse starrt, ohne zu blinzeln. Atemberaubend.
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Gus Van Sants Biografie über Harvey Milk, den ersten offen schwulen gewählten Beamten in Kalifornien, trägt zwar alle Merkmale eines oscarfreundlichen Preisköders, ist aber immer noch ein höchst effektives Werk. Sean Penn wurde für seine Hauptrolle als bester Hauptdarsteller ausgezeichnet, und das zu Recht – die Körperlichkeit, der Charme und die Leidenschaft, die er in die Rolle einbringt, überzeugen vollkommen von Milks Fähigkeit, eine Revolution in San Francisco anzuführen. Proteste und Aktivismus kommen im schwulen Kino oft vor, aber hier scheint es besonders groß zu sein, wenn Harvey die religiöse Leidenschaft und offenkundige Homophobie der 1970er herausfordert, um LGBTQ+-Menschen in ihren Häusern und Jobs zu schützen. Eine der auffälligsten Zeilen kommt am Ende, nach – Spoiler für gut dokumentierte Geschichte – der erschreckenden Szene seiner Ermordung: „Wenn eine Kugel in mein Gehirn eindringen sollte, lass sie jede Schranktür zerstören“.
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Der von Laverne Cox als Executive Producer produzierte Netflix-Dokumentarfilm über die Geschichte der Trans-Darstellung auf der Leinwand ist eine aufschlussreiche Uhr – nicht nur, um aufzudecken, wie allgegenwärtig Trans- und Gender-Fluid-Menschen in Film und Fernsehen als Psychos, Mörder und Objekte von Transsexuellen dargestellt werden Spott, sondern dafür, dass sie zeigen, dass sie schon so lange auf der Leinwand zu sehen sind, wie es das Kino gibt. Mit Interviews mit Personen wie Cox selbst, Trace Lysette, Candis Cayne, Tiq Milan, Lilly Wachowski und anderen bietet es einen umfassenden Überblick über die zutiefst schädlichen und entmenschlichenden Darstellungen von Transmenschen in den Medien im Laufe der Zeit – nicht als Mittel zur Aufhebung der Vergangenheit, sondern indem wir das, was schief gelaufen ist, in Einklang bringen und auf eine verständnisvollere und repräsentativere Zukunft drängen. Und in der Art von Pose und Orange ist das neue Schwarz , zeigt sich, dass der Wandel bereits im Gange ist. Das muss man gesehen haben.
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Nachdem John Cameron Mitchell die Geschichte auf der Bühne (gemeinsam mit Stephen Trask kreiert) entwickelt hatte, brachte er sein Rockmusical als Autor, Regisseur und Hauptdarsteller auf die Leinwand. Hedwig ist eine deutsche Sängerin, die versucht zu überleben und als Musikerin Fuß zu fassen, während sich der „Angry Inch“ des Titels auf das Fleisch bezieht, das von ihrer verpfuschten Operation zur Bestätigung des Geschlechts übrig geblieben ist. Als talentierte Musikerin sind Hedwigs Songs Hits – aber sie werden von ihrem Ex-Partner Tommy gestohlen, sodass sie und ihre Band (The Angry Inch) stattdessen durch heruntergekommene Restaurants touren. War der Film damals ein kommerzieller Flop, ist er heute ein Kult-Favorit wegen seiner mitreißenden Punkrock-Musiknummern, seiner durchdachten Navigation von Geschlecht, Geschlecht und Identität und seines einzigartigen Mythos der menschlichen Schöpfung, wie er in „The Origin Of“ gesungen wird Liebe'.
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Wenn es zwei Schauspieler gibt, auf die Sie sich verlassen können, um die Art von gefühlvollen, herzzerreißenden Darbietungen zu liefern, die Sie völlig verlassen, wenn der Abspann läuft, dann sind es Colin Firth und Stanley Tucci. Bei Harry Macqueen Supernova Sie spielen Sam (Firth) und Tusker (Tucci), ein Paar, das vor Sams bevorstehendem Klavierabend einen Roadtrip unternimmt, um seine Familie zu besuchen. Tusker leidet an früh einsetzender Demenz – die gemeinsame Geschichte des Paares, die Macqueen so tadellos durch das Drehbuch webt, beginnt aus dem Gedächtnis zu verblassen, was zu einer niederschmetternden Entscheidung führt. Vor der wunderschönen Herbstlandschaft des Lake District und mit zwei der bisher besten Wendungen der Hauptdarsteller, Supernova ist ein ruhiges, zärtliches, äußerst bewegendes Drama, das immer auf der rechten Seite der Sentimentalität bleibt.
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Alike (Adepero Oduye) ist ein Dichter. Außerdem führt sie ein Doppelleben. Sie verbringt ihre Nächte mit ihrer Freundin Laura (Pernell Walker) in Schwulenclubs, trägt männliche Kleidung und probiert Strap-Ons aus. Im Bus nach Hause zieht sie alles aus, zieht Ohrringe an und verwandelt sich in eine akzeptable Form der Weiblichkeit, damit ihre streng religiösen Eltern ihr Gefühl der Verleugnung und Ignoranz gegenüber ihrer Sexualität bewahren können. Der Debütfilm von Regisseur Dee Rees, Paria ist halbautobiografisch, wobei Rees aus ihrer eigenen Erfahrung mit dem Coming-out gegenüber ihren Eltern schöpft – obwohl sie dies später im Leben tat als ihre Protagonistin. Es war ein herausragender Hit, als es 2011 bei Sundance uraufgeführt wurde, und durch seinen ruhigen, realistischen Stil fühlt es sich umso intimer und berauschender an.
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„Es gibt keine Sexualität im georgischen Tanz“, sagt Lehrer Aliko (Kakha Gogidze) zu seiner Klasse in den Eröffnungsmomenten von Levan Akins glorreichem Debüt. Es wird mit Kichern erfüllt; Dies ist eine Gruppe junger Leute mit Sex im Kopf. Merab (ein bemerkenswert einnehmender Levan Gelbakhiani) ist einer von ihnen – nachdem er ein Jahrzehnt lang mit seiner Partnerin und Fast-Freundin Mary (Ana Javakishvilli) getanzt hat, ist er entnervt von der Ankunft des gutaussehenden Schurken Irakli (Bachi Valishvili). Als er merkt, dass er gegen Irakli um einen Platz im Nationalensemble antritt, entwickelt Merab auch Gefühle für ihn – etwas, das vor dem Hintergrund eines vergiftet heterosexuellen Tiflis besonders herausfordernd ist. Ziemlich konventionell in seiner Handlung, machen es die explosiven Tanzszenen und die Befragung der Männlichkeit in der georgischen Kultur Und dann haben wir getanzt so mächtig.
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Bevor sie es gemacht haben Die Matrix , schrieben und inszenierten die Wachowski-Schwestern ihren Visitenkartenfilm, Gebunden – ein raffinierter und stilvoller Krimi, der um eine stärkende lesbische Beziehung herum aufgebaut ist. Gina Gershons Corky ist der gerade aus dem Gefängnis entlassene Ex-Sträfling, der in den Orbit von Jennifer Tillys verführerischer Violet gerät, die verzweifelt versucht, aus den Klauen von Joe Pantolianos stürmischem Mafia-Partner Caesar zu entkommen. Zusammen hecken sie einen Plan aus, um Caesar reinzulegen und mit einer ganzen Menge Bargeld zu entkommen – aber es wird nicht so einfach sein, es durchzuziehen. Es ist eine kurvenreiche und unterhaltsame Fahrt, die sich spielerisch in das Erotik-Thriller-Milieu einfügt, durchdrungen von einem ebenso tiefen Wissen und einer Liebe zum Genre wie der Rest der Filmografie der Wachowskis und mit einem ikonischen und unauslöschlichen Heldenduo in Violet und Corky.
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Fox (gespielt von Regisseur und Co-Autor Reiner Werner Fassbinder) ist pleite, steht aber kurz davor, 500.000 D-Mark im Lotto zu gewinnen und in die Welt der Snobby-Elite einzutreten. Charmant, aber naiv verliebt er sich in Eugen (Peter Chatel), einen schleimigen Klugen, der eine Gelegenheit sieht, Fox um sein Vermögen zu bringen, indem er ihn dazu bringt, in das Geschäft seines Vaters zu investieren. Dreist in seiner zügellosen männlichen Nacktheit und ohne Homophobie in Sicht, Fuchs und seine Freunde fühlt sich seiner Zeit voraus in seiner scharfen Analyse sozialer Mobilität und komplexer schwuler Charaktere, deren Sexualität in gewisser Weise für die Geschichte wichtig ist, aber weder sie noch den Film definiert.
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Die Partnerschaft von John Waters und Divine führte zu einer Reihe schockierender, tabubrechender Kultklassiker, die fröhlich darauf ausgelegt sind, maximale Empörung zu provozieren. Rosa Flamingos , das mit einem Budget von 10,00 $ produziert wurde, war ihr Durchbruch nach einer Reihe von Produktionen mit noch niedrigerem Fi-Wert wie Mondo Trasho und Multiple Maniacs – und schwelgt in seiner eigenen Vergöttlichung aller beklagenswerten Dinge. Divine (alias Harris Glenn Milstead) spielt Babs Johnson, der von einer Boulevardzeitung als die „schmutzigste lebende Person“ bezeichnet wird. Aber ihr Titel ist bald gefährdet, als das Paar Connie und Raymond Marble sich einer Reihe verabscheuungswürdiger Taten hingibt, um zu versuchen, den Mantel zu übernehmen. Rufen Sie einen Wettbewerb an, um zu sehen, wer der „Schmutzigste“ in einem Film sein kann, der sich selbst als „eine Übung in schlechtem Geschmack“ darstellt, ein gewaltiges Inferno aus Müll voller Mord, Verstümmelung, Masturbation und mehr, das alles in einem berüchtigten realen Vorfall gipfelt -Lebenskoprophagie (googeln Sie es nicht).
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Amerikanische Teenie-Rom-Coms haben gelegentlich LGBTQ+-Charaktere in Nebenrollen gezeigt – aber das war nicht bis zu Greg Berlantis Liebe Simon dass sie der Protagonist sein müssen. Nick Robinson ist Simon, ein verschlossener Teenager, der sich per E-Mail an den anonymen Kommilitonen „Blue“ als schwul herausstellt. Als es zur Schule durchsickert, ist Simon gezwungen, die emotionalen Folgen zu bewältigen. Das Besondere an „Love, Simon“ ist, dass es absolut Mainstream ist – alle beliebten High-School-Film-Tropen sind hier, aber endlich durch eine nicht gerade Linse betrachtet. Es ist ein unglaublich charmanter, liebenswerter Film, getragen von einem herzzerreißenden Soundtrack von Jack Antonoff. Es sind noch bedeutende Sprünge zu machen – einschließlich eines offen LGBTQ+-Schauspielers, der eine Hauptrolle in einer schwulen Liebesgeschichte übernimmt. Aber für hier und jetzt ist Love, Simon ein mutiger, großherziger Schritt nach vorne. Wie Simon sagt: „Ich verdiene eine großartige Liebesgeschichte.“
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Mit Modedesigner Tom Ford auf dem Regiestuhl ist das nicht verwunderlich Ein einziger Mann strahlt Stil aus jeder Aufnahme aus. Basierend auf Christopher Isherwoods Roman zeigt es Colin Firth als George Falconer, einen Dozenten, der von Trauer betroffen ist, nachdem er seinen Partner Jim (Matthew Goode) bei einem Autounfall verloren hat. Der Film verbringt den Tag mit ihm, während er über Selbstmord nachdenkt und unterwegs eine Reihe von Charakteren trifft; Julianne Moore beschwört als beste Freundin Charley Gin-Glamour herauf, und Nicholas Hoult als verliebter Student Kenny hat blaue Augen und ein Babygesicht. Hauptsächlich in trostlosen Sepiatönen beleuchtet, nur wenn George etwas spürt, flutet wieder Farbe herein und passt die warmen Rückblenden zu seinen Erinnerungen an Jim – die gebräunte orangefarbene Haut und die vollen roten Lippen gutaussehender Männer erinnern ihn daran, dass es noch viel zu leben gibt .
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Über drei verschiedene Zeiträume hinweg, Die Stunden verwendet Virginia Woolfs Geschichte von Mrs. Dalloway, um drei weibliche Charaktere miteinander zu verbinden: Woolf selbst (Nicole Kidman), während sie den Roman schreibt; Laura (Julianne Moore), eine depressive Ehefrau und Mutter, die mit dem häuslichen Leben zu kämpfen hat; und Clarissa (Meryl Streep), eine lesbische Frau, die damit kämpft, eine Party für ihren alten Freund Richard (Ed Harris) vorzubereiten, der an AIDS stirbt. Die drei sind durch eine fließende Sexualität verbunden, aber es ist die Vorstellung, den Schein zu wahren, während sie sich innerlich auflöst, was sie wirklich verbindet. Jeder ringt damit, wie er ein Leben führen kann, das er eigentlich will, auch wenn es sich außerhalb dessen befindet, in dem er derzeit eingesperrt ist. Manchmal eine herausfordernde Uhr, fühlt es sich immer noch selten an, die dunkle Seite der inneren Erfahrungen von Frauen zu sehen, wenn man so viel Raum zum Erforschen hat.
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Als die erste verheerende Welle der AIDS-Krise abzuebben begann, zeigte Hettie MacDonalds warmherziger Brit-Streifen eine offenere und positivere Seite des schwulen Lebens in London, die weder mit Tod noch mit Tränen endete. Jonathan Harveys warmes und geistreiches Drehbuch folgt den verschlossenen jungen Männern Jamie (Glen Berry) und Ste (Scott Neal), die auf einer Sozialsiedlung in Thamesmead leben und sich langsam mit ihren Gefühlen füreinander abfinden und danach handeln – unterstützt von einer Reihe farbenfroher Charaktere , darunter Jamies liebevolle Mutter Sandra, und die hart feiernde Nachbarin Leah (Tameka Empson), deren Besessenheit von der Musik von Mama Cass und The Mamas And The Papas der ganzen Angelegenheit einen süßen, gefühlvollen Soundtrack verleiht. Wunderbare Sache fiel mit einer neuen Ära der Akzeptanz und Offenheit in Bezug auf Sexualität zusammen, eine Zeitkapsel eines Films, der bis heute Bestand hat.
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Es ist üblich, dass Filme über LGBTQ+-Charaktere in die Kategorie „Coming of Age“ eingeordnet werden; junge Menschen zu zeigen, die sich oft zum ersten Mal mit ihrer Sexualität auseinandersetzen. Der legendäre Regisseur Pedro Almodóvar Schmerz und Herrlichkeit verfolgt einen anderen Ansatz – dies ist ein schwuler Mann, der auf sein Leben zurückblickt, anstatt sich darauf einzulassen. Antonio Banderas liefert die beste Leistung seiner Karriere als Almodóvar Alter Ego Salvador Molla ab, ein alternder Filmemacher, der sich mit der Arbeit, der Liebe und den familiären Beziehungen seiner Vergangenheit versöhnt und von den schweren gesundheitlichen Problemen, die seinen Körper plagen, in den Ruhestand getrieben wird. Die sorgfältig abgestimmten, farbenfrohen Bilder sind ein Markenzeichen des Autorenregisseurs, und das Drehbuch schlendert in einem sanften Tempo dahin und liefert Spannung, Witz und Dramatik gleichermaßen. Außerdem ist die letzte Einstellung ein genialer Teppichzug, der einem bereits meisterhaften Stück Autofiktion eine ganz neue Bedeutung verleiht.
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Oder „Porträt eines Synchronschwimmers in Flammen“. Das Spielfilmdebüt der Drehbuchautorin und Regisseurin Celine Sciamma handelt von der jungenhaften Teenagerin Marie (Pauline Acquart), die von der älteren, scheinbar erfahreneren Floriane (Portrait-Darstellerin Adele Haenel, grandios), der Mannschaftskapitänin der Stade Francais Swimmers, gebannt wird. Es stellt sich heraus, dass das Großartige an Sciamma jetzt von Anfang an vorhanden und korrekt war – sie investiert eine banale Coming-of-Age-Geschichte mit Sensibilität und doch Intensität und erweckt ein greifbares Verlangen, wenn diese Jugendlichen herausfinden, wer sie sind sind wirklich. Wie Porträt , Wasserlilien ist ein Film von wohldosierter Zurückhaltung, sowohl in der Anziehungskraft seiner Hauptdarsteller – es dreht sich alles um flüchtige Blicke und schräge Gespräche – als auch in seiner perfekten malerischen Palette. Und die Synchronschwimm-Metapher – perfekt balanciert auf der Oberfläche, lauter Tumult und Aufgewühltheit darunter – könnte nicht passender sein. Ein kleines Meisterwerk und ein wesentlicher Einblick in einen der aufregendsten Filmemacher der Gegenwart.
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An der Schnittstelle von Punk, Glam und Kitsch finden Sie Die Rocky Horror Picture Show , Jim Sharmans Verfilmung der Bühnenshow, die uns Tim Currys nicht mehr ikonischen Auftritt als Dr. Frank-N-Furter, den süßen Transvestiten aus Transsexual, Transsilvanien, bescherte. Rocky Horror, ein Kulthit, der zum Maßstab für Vorführungen mit Publikumsbeteiligung wurde, ist eine parodistische Hommage an die Sci-Fi-Horror-B-Movies der 50er Jahre, durchdrungen von punkigem Geist, glorreichem Lager und unbestreitbar queerer Optik. Janet Weiss (Susan Sarandon) und Barry Bostwick (Brad Majors) sind die unschuldigen Liebenden, die in einer dunklen, regnerischen Nacht gestrandet sind und in einem Schloss Zuflucht suchen, das das genaue Gegenteil des reinen, weißen, verklemmten Amerikas darstellt. 45 Jahre später lebt sein aufrührerisches Vermächtnis weiter und inspiriert das Publikum, sein eigenes inneres Lager in lautstarken Mitsingvorführungen zu entfesseln, und lässt die Menge vor Vorfreude zittern… … … ….
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Klasse, Kapitalismus und saubere Kleidung stehen im Mittelpunkt von Stephen Frears' Mein schöner Waschsalon , der Film, der Daniel Day-Lewis als Schauspiellegende bekannt gab und sowohl eine BAFTA- als auch eine Oscar-Nominierung für Hanif Kureishis Drehbuch erhielt. Gordon Warnecke spielt Omar, einen jungen Londoner, der von seinem pakistanischen Onkel Nasser (Saeed Jaffery) eine Geschäftsmöglichkeit in Form eines schmuddeligen Waschsalons erhalten hat. Nachdem sie ihrem alten Freund Johnny (Day-Lewis) über den Weg gelaufen sind, lassen die beiden ihre Affäre wieder aufleben, während sie gemeinsam daran arbeiten, den Laden neu zu beleben. Überall gibt es Spannungen – zwischen rassistischen weißen Briten, die bei jedem Anzeichen von Erfolg als Einwanderer bestürzt sind, zwischen Omar und den Erwartungen seiner Familie an ihn, zwischen den beiden Liebenden, die mit Komplikationen in ihrer Vergangenheit konfrontiert sind –, aber das alles wird auf eine Art schelmische, verrückte Weise vorgetragen vereint sich zu einem typisch britischen Klassiker.
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Spiegel sind in Sebastian Lelios Oscar-gekröntem Film unausweichlich Eine fantastische Frau ; Protagonistin Marina (Daniela Vega) ist eine Transfrau und wird immer wieder mit ihrem eigenen Spiegelbild konfrontiert. Nach dem plötzlichen Tod ihres Partners Orlando (Francisco Reyes) muss sich Marina mit der Gewalt und Transphobie der Familie auseinandersetzen, die er vor ihr hatte. In einer knappen Begegnung sagt Orlandos Ex-Frau Sonia (Aline Küppenheim), dass sie, wenn sie Marina ansieht, 'eine Illusion sieht. Das ist es'. Leilo verwendet Illusionen und magischen Realismus, um das Geschichtenerzählen durchgehend zu verbessern – eine der Schwerkraft trotzende paillettenbesetzte Tanznummer in einem Nachtclub und eine Sequenz, in der Marina darum kämpft, gegen stürmische Winde zu laufen. Am einprägsamsten ist ein Spiegel zwischen ihren Beinen, der uns ihr Gesicht zeigt und nicht das, was darunter liegt – eine Erinnerung daran, dass es am wichtigsten ist, wie Marina sich selbst in ihrem Spiegelbild sieht.
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Der erste Film einer schwarzen lesbischen Regisseurin, Die Wassermelonenfrau dreht sich alles darum, seine eigene Geschichte zu erzählen und seine eigene Geschichte zu definieren, wenn es keine existierenden Beispiele gibt. Geschrieben, inszeniert und mit Cheryl Dunye als Version ihrer selbst in der Hauptrolle, vermischt der Film eine Standarderzählung mit falschen dokumentarischen Segmenten, erfundenem Archivmaterial und Interviews mit sprechenden Köpfen – ein Stil, der im Folgenden als „Dunyementary“ bezeichnet wird. Es zeichnet Cheryls Versuch auf, ihren ersten Spielfilm zu drehen, in dem sie die Identität von Fae Richards aufdeckt. Fae, eine fiktive schwarze Schauspielerin aus dem Hollywood der 1930er Jahre, war ebenfalls schwul und wurde im Filmtitel immer nur als „Wassermelonenfrau“ bezeichnet. Lustig, sexy, intelligent gestaltet und mit wunderschön authentischen Darbietungen fühlt sich Dunyes Debüt auch Jahrzehnte nach seiner Entstehung dringend, zeitgemäß und zeitlos an.
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Für einen Film, in dem es zum Teil darum geht, die Person zu finden, die Ihre ganze Welt auf den Kopf stellt, ist es passend, dass Park Chan-wooks epischer Erotikthriller mehrere massive Teppichzüge und Wendungen mitten in der Erzählung aufweist, die enthüllen, dass alles, was vorher war, war nicht ganz so, wie es schien. Basierend auf Sarah Waters' in Großbritannien spielendem Roman Fingersmith sieht die erste Handlung die verwaiste Taschendiebin Sookhee (Kim Tae-ri), die von Conman Count Fujiwara (Ha Jung-woo) angeheuert wird, um als Dienerin von Lady Hideko (Kim Min-hee) zu fungieren. und überzeugen Sie sie, den Grafen zu heiraten, damit er ihren Reichtum beanspruchen kann. Was für Sookhee nur als Job beginnt, wird viel komplizierter, als sie sich in ihr Ziel verliebt und Lust darauf hat – und wie sich herausstellt, sind sie und der Graf nicht die Einzigen mit einer geheimen Agenda. Höchst sinnlich, mit verträumten Bildern und dem typischen trockenen Witz des koreanischen Kinos, ist The Handmaiden ein episches Beispiel für einen Film, in dem die lesbische Romanze nur ein Rädchen in einer unglaublich unterhaltsamen Maschinerie ist.
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Es startete den Standom von Timothée Chalamet. Es hat alle dazu gebracht, einen Italienurlaub zu buchen. Und es sorgte dafür, dass das Publikum Pfirsiche nie wieder auf die gleiche Weise betrachtete. In Luca Guadagninos Geschichte über die Sehnsucht eines Teenagers spielt Chalamet Elio, der sich in den Forschungsassistenten Oliver (Armie Hammer) verliebt, als dieser mit seinem Vater (Michael Stuhlbarg) zur Arbeit kommt. Ihre Beziehung zerbricht zunächst, Elio ist verknallt und hat Mühe, seine Meinung zu sagen, aber bald fliegen die Funken, als klar wird, dass Oliver genauso empfindet. Voller ikonischer Bilder, herzzerreißender Nadeltropfen von Sufjan Stevens und Chemie, die so greifbar ist, dass Sie fast spüren können, wie sie die Hitze vom Bildschirm ausstrahlt, zeichnet diese Coming-of-Age-Geschichte den gesamten Zyklus der jungen Liebe nach, von der ersten Verliebtheit zu tränenreicher Trauer. So schade, dass der Sommer zwangsläufig enden musste.
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Nur wenige Filme der letzten Jahre waren so vital und lebendig wie Sean Bakers raues Comedy-Drama, das an einem sonnendurchfluteten Weihnachtsabend in Hollywood spielt. Frisch aus einem kurzen Gefängnisaufenthalt erfährt Sin-Dee (eine aufrührerische Darbietung von Kitana Kiki Rodriguez) von ihrer Freundin Alexandra (Mya Taylor), dass ihr Freund-Slash-Zuhälter Chester (James Ransone) sie betrogen hat. Führe eine verrückte, fast mythische Odyssee durch die Straßen von Hollywood ein, um ihn aufzuspüren und ihm gegenüberzutreten. Bakers vielgepriesene Methode, komplett auf dem iPhone 5S zu drehen (allerdings mit Spezialobjektiven), verleiht dem Geschehen ein Vérité-Feeling – aber sein Ansatz ist auch absolut filmisch und stilisiert, mit einem dröhnenden Synthesizer-Soundtrack und einer farbenfrohen Ästhetik, die dem Film ein erhöhtes Gefühl verleiht das ganze Ding. Rodriguez ist eine endlos unterhaltsame Hauptrolle, während die drittgrößte Figur des Films LA selbst ist – Baker beschwört ein Ortsgefühl herauf, das Sin-Dees Geschichte perfekt ergänzt. Eine totale Fahrt.
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An einer Stelle in der Dokumentation von Harri Shanahan und Siân A. Williams sagt einer ihrer Probanden: „Weißt du … wir waren sehr ungezogen.“ Mit Possen wie BDSM-Clubnächten, Abseilen ins House of Lords und Anketten an den BBC-Nachrichtentisch – ja, „ungezogen“ deckt es gerade so ab. Rebellendeiche ist ein kraftvolles, aufrührerisches Porträt der Aktivistinnen, die in den 1980er Jahren in London für die Rechte queerer Frauen kämpften und gegen Thatchers Anti-LGBTQ+-Politik und Homophobie vorgingen, die durch die AIDS-Epidemie angespornt wurden. Erzählt durch brillant offene Interviews, körniges Rohmaterial und kritzelnde Illustrationen, fängt es den Punk-Geist einer viel unterschätzten, äußerst bedeutenden Subkultur in der britischen queeren Geschichte hervorragend ein. Das muss man gesehen haben.

Eine beträchtliche Anzahl von LGBTQ+-Geschichten auf dem Bildschirm gipfeln in einer Tragödie. Wenn auch kein totales Märchen, Brit-Streifen Stolz ist nicht nur unglaublich erhebend – es geht auch darum, dass Menschen sich alle Mühe geben, sich gegenseitig zu erheben. Der Autor Stephen Beresford adaptiert die wahre Geschichte von Mark Ashton (hier gespielt von Ben Schnetzer) und der Kampagne „Lesbians And Gays Support The Miners“ – einer politischen Bewegung, bei der sich eine in London ansässige Gruppe von LGBTQ+-Aktivisten für eine kleine walisische Bergbaustadt einsetzte die Not der Bergarbeiterstreiks in Thatchers Großbritannien. Ihre Anwesenheit und Entschlossenheit überzeugt eine ehemals geschützte Gemeinschaft, die den Kampf für die Rechte von Homosexuellen unterstützt. Während es in der Geschichte schwierige Momente gibt, ist sie letztendlich herzerwärmend und oft urkomisch, wenn sie die Kraft der Organisation und Zusammenarbeit predigt, um für das Richtige zu kämpfen – alles unterstützt von einer unglaublichen Ensemblebesetzung mit George MacKay, Andrew Scott, Dominic West und Imelda Staunton , Bill Nighy und mehr.
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Musik dröhnt in einem Nachtclub in Paris. Stroboskoplichter flackern und verwandeln die Nachtschwärmer in Stop-Motion-Tänzer. Die Kamera fokussiert auf in der Luft schwebende Staubpartikel; es zoomt näher heran, bis sie sich in stachelige Moleküle des Virus verwandeln, das die LGBTQ+-Gemeinschaften in den 1980er und frühen 1990er Jahren verwüstet hat. 120 BPM folgt der AIDS-Aktivistengruppe ACT UP! da sie sowohl Regierungen als auch medizinische Unternehmen unter Druck setzen, Maßnahmen gegen das Virus zu ergreifen, und junge Schwule darüber aufklären, wie sie sich schützen können. Regisseur Robin Campillo war Mitglied, und das sieht man – die Gruppentreffen-Szenen sind besonders außergewöhnlich, mit dem unerbittlichen Dialog, der einen Einblick gibt, was es braucht, um Veränderungen herbeizuführen. Voller Leben, Tod und purer Euphorie, 120 BPM ist eine wichtige Erinnerung an die Macht des Protests.
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Es hätte die erste LGBTQ+-Liebesgeschichte sein sollen, die bei den Oscars als bester Film ausgezeichnet wurde. Aber wenn das viel geschmäht wird Absturz (der sich stattdessen durchsetzte) weitgehend aus dem Gedächtnis verschwunden ist, hat Ang Lees üppige, herzzerreißende, schmerzhaft schöne Romanze nur an Statur gewonnen. Jake Gyllenhaal und der verstorbene, großartige Heath Ledger zeigen sich von ihrer besten Seite als Jack Twist und Ennis Del Mar – Schafhirten, die in Brokeback Mountain, Wyoming, arbeiten und in den frühen 60er Jahren eine romantische und körperliche Verbindung entwickeln. Wenn sie getrennte Wege gehen, geht jeder einer heterosexuellen Beziehung nach, aber ihre Liebe zueinander hält Jahrzehnte und brodelt immer unter (und manchmal über) der Oberfläche. Das Drehbuch von Larry McMurtry und Diana Ossana ist zutiefst emotional, während Lee die stürmischen Gefühle von Jack und Ennis perfekt in die hinreißende ländliche Landschaft einpasst. Das Ergebnis ist eine unvergessliche schwule Liebesgeschichte, die die Herzen und Köpfe der ganzen Welt erobert hat, wo der bloße Anblick eines Hemdes Tränenfluten hervorrufen kann.
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Nachdem sie sich von der anderen Seite eines Kaufhauses aus angeschaut haben, entwickeln die bald geschiedene Carol (Cate Blanchett) und die aufstrebende Fotografin Therese (Rooney Mara) eine intensive Verbindung, die sich zu einer verbotenen Romanze entwickelt. Todd Haynes' Adaption von Patricia Highsmiths Roman Der Preis des Salzes ist ein Genuss für die Sinne; voller taktiler Berührungen von Lederhandschuhen und Wollmützen, seine warme Farbpalette und sanfte, melancholische Partitur verkörpern durch und durch das Vintage-Zeit-Setting. Die beiden Hauptdarstellerinnen sind anziehend und fühlen sich gleichberechtigt und gegensätzlich zugleich – Carol ist sicherer im Leben und in ihrer Sexualität, während Therese alles zum ersten Mal zu entdecken scheint. Obwohl sie 2015 nicht wirklich den Oscar als beste Hauptdarstellerin gewonnen hat, Carol gilt als eine von Blanchetts faszinierendsten Darbietungen.
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Im ländlichen Yorkshire, der kahlen, zerklüfteten Landschaft von Gottes eigenes Land wirkt wie eine dritte Hauptfigur in Francis Lees Debüt – man spürt förmlich die glühende Kälte an den Fingerspitzen, den matschigen Boden unter den Füßen. Johnny (Josh O'Connor) ist ein Farmer, der es gewohnt ist, seine Gefühle mit Alkohol und Gelegenheitssex zu betäuben, und fühlt sich unter Druck gesetzt, das Familienunternehmen weiterzuführen, da sein Vater (Ian Hart) krank wird. Als der rumänische Wanderarbeiter Gheorghe (Alex Secareanu) ankommt, kämpft Johnny darum, seine Anziehungskraft auf ihn zu akzeptieren – aber als sie sich näher kommen, überwindet Gheorghe Johnnys Verteidigung und ihre Beziehung entwickelt sich zu einer stillen Tat der Freundlichkeit. Das viszerale Äußere des Bauernlebens und der unterdrückten Männlichkeit des Films, das eine Pause vom typischen tragischen Ende von Geschichten wie dieser bietet, weicht schließlich einer zarten Hoffnung darunter.
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„Haben alle Verliebten das Gefühl, etwas zu erfinden?“, fragt Héloïse (Adèle Haenel) Marianne (Noémie Merlant), während sie Mariannes Gesicht sanft ihrem zuwendet. Mit Porträt einer brennenden Dame , es fühlt sich an, als hätte die Autorin und Regisseurin Céline Sciamma eine filmische Liebessprache erfunden, wie man sie noch nie zuvor gesehen hat. Marianne wird geschickt, um Héloïse zu malen, ohne dass sie es weiß, damit sie mit einem Mailänder Gentleman verheiratet werden kann, und verliebt sich schließlich selbst in das mysteriöse Thema ihrer Arbeit. Ihre Romanze baut sich leise auf, ausgedrückt durch gestohlene Blicke und die griechische Geschichte von Eurydike; Wie er entscheiden sie sich dafür, denjenigen anzusehen, den sie lieben, egal, was es kostet. Mit einem makellosen Drehbuch, einer umwerfenden Kinematografie von Claire Mathon und einer letzten Einstellung, die Sie nach Luft schnappen lässt, Porträt ist nichts weniger als ein Meisterwerk.
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Wirkung und Vermächtnis von Paris brennt und die Szene, die es darstellt, kann nicht unterschätzt werden. Jennie Livingstons Dokumentarfilm ist ein unauslöschliches Dokument, das die Höhe der New Yorker Underground-Ballsaalszene einfängt – eine Welt voller Glamour, Trophäen, Drama und Gemeinschaft, in der es einerseits Regeln gibt und andererseits alles erlaubt ist. Paris Is Burning enthält die Stimmen und Geschichten von wegweisenden Mitgliedern der LGBTQ+-Community – wie Pepper LaBeija, Angie Xtravaganza, Dorian Corey, Willi Ninja und mehr – die ihre eigene Form der Familie, Kultur und Feier des Selbst in einem geschaffen haben Welt, die sie weitgehend ablehnte, und während sie dem Höhepunkt der AIDS-Krise gegenüberstanden. Das Ergebnis ist sowohl eine absolute Momentaufnahme als auch etwas Unvergängliches – die Essenz von Paris brennt lebt heute weiter in der Art von Pose und RuPaul's Drag Race , Fernsehsendungen, die ihrerseits dem weltweiten Publikum mehr LGBTQ+-Geschichten bringen. Vogueing, Walking-Kategorien, Drag Houses, Schatten, Lesen – alles begann in den Ballsälen, und es ist alles da Paris brennt .
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Bei allem, was Barry Jenkins' atemberaubendes Oscar-gekröntes Drama zutiefst filmisch ist, Mondlicht ist vielleicht so nah wie der narrative Film der Poesie – unglaublich lyrisch in seiner Bildsprache, seinem Dialog und seiner Charakterisierung. Es erzählt die Geschichte von Chiron – einem jungen, schwarzen, schwulen Kind, das in Miami mit einer cracksüchtigen Mutter aufwächst, die als Kind „Little“ und als Teenager „Chiron“ genannt wurde , und schließlich als „Schwarzer“, wenn er erwachsen ist – zeichnet er seine Entwicklung, sein sexuelles Erwachen, seine Suche nach einer Vaterfigur, seine erste sexuelle Begegnung und darüber hinaus auf. Jenkins macht das Drama nie sensationell, aber während jedes Kapitel einem anderen Platz macht, sieht das Publikum, wie sich Chiron erheblich verändert, und enthüllt leise, wie diese zutiefst beeindruckenden Momente durch sein Leben nachhallen und sich in seiner sich ständig verändernden Identität manifestieren. Für alle Momente der Härte, Mondlicht ist ein unglaublich zärtliches Werk – zutiefst emotional, das geschickt durch die sich überschneidenden Kräfte von Männlichkeit, schwarzer Identität und Sexualität navigiert, die Chiron im Laufe seines jungen Lebens geprägt haben. Es wurde großartig von James Laxton gedreht und bietet ein Trio brillanter Darbietungen von Alex Hibbert, Ashton Sanders und Travante Rhodes als die drei Inkarnationen von Chiron. Mondlicht ist nicht nur ein Meisterwerk – es ist auch ein Hollywood-Game-Changer, der als erster LGBTQ+-Film den Oscar für den besten Film gewann. Mehr hätte es nicht verdient.
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