Galerie Filme des Jahrhunderts

Die 100 besten Filme des 21. Jahrhunderts

2004
Vor Das ist England kam Shane Meadows' brutales Rachedrama mit einer erschreckend überzeugenden Wendung von Paddy Considine als Richard, einem Fallschirmjäger, der in seine Heimatstadt Derbyshire zurückkehrt und sich den Drogendealern stellt, die seinen jüngeren Bruder gequält haben (Toby Kebbells brillantes Leinwanddebüt). Inspiriert von den realen Gräueltaten in Kleinstädten, die sich täglich der Justiz entziehen, wurde Dead Man's Shoes, das von Meadows und Considine gemeinsam geschrieben wurde, von echter Wut angetrieben, und es zeigt sich – dies ist ein Film, der mit Considine keine Gefangenen macht in wirklich beängstigender Form. Richard übt eine immense Macht aus, schüchtert normalerweise gruseligere Menschen mit bloßen Gesten ein und führt uns über ein bravouröses Versatzstück von Meadows durch die größte LSD-Sequenz des Kinos, ebenso urkomisch wie sadistisch. Wenn Sie mit den garantierten Alpträumen umgehen können, ist dies unerlässlich. Rohes Lo-Fi-Filmemachen vom Feinsten, mit einem herausragenden Soundtrack obendrein.
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2008
Vampire waren in den späten 00ern allgegenwärtig, die folkloristischen Blutsauger, die ihre Reißzähne in die allgemeine Populärkultur trieben. Im selben Jahr, das uns gab Dämmerung und True Blood lieferte der schwedische Filmemacher Tomas Alfredson eine ganz andere Sicht auf die Vampirlegende – etwas Ruhigeres und Kurioseres. Let The Right One In ist ein schwer einzuordnender Film, ein kühles Drama, durchdrungen von süßen romantischen Elementen und Coming-of-Age-Tropen, das vor Momenten blutigen Horrors nicht zurückschreckt. Kåre Hedebrant ist der gemobbte Junge mit den runden Haaren in der Mitte, ein Außenseiter, der sich zu seiner neuen Nachbarin (Lina Leandersson) hingezogen fühlt. Als sich die Leichen zu häufen beginnen, ist klar, dass sie keine gewöhnliche 12-Jährige ist – aber ihre Freundschaft geht über ihre vampirische Natur hinaus, was zu einem unheimlich süßen Ende führt, das lange in Erinnerung bleibt. Ein absolutes klangliches Unikat.
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2016
Caps letztes Solo-Abenteuer ist nicht wirklich ein Solo-Ausflug – oder ein traditioneller Abenteuerfilm. Stattdessen bot Civil War den Fans zu einer Zeit, in der sich die Marvel Studios einen Ruf für helle, farbenfrohe, unverschämt comichafte Toben erworben hatten, einen reiferen, emotionaleren MCU-Film, der sich mit diplomatischen Angelegenheiten, elterlichem Mord und den persönlichen Kosten der Unsterblichkeit auseinandersetzte Loyalität. Der Streit zwischen Steve Rogers und Tony Stark über die Sokovia-Abkommen (sollten die Avengers für Kollateralschäden und den Verlust unschuldiger Leben bei ihren weltrettenden Heldentaten zur Rechenschaft gezogen werden?) erwies sich als mehr als nur ideologisch – ein Riss, der tief in der Gesellschaft verwurzelt war Tragödie, weit entfernt vom Abspann. Auch wenn es sich um eine kühnere, dunklere Variante des MCU-Films handelt, ist es immer noch ein überwältigendes Spektakel – beleuchtet von einem donnernden Helden-gegen-Helden-Kracher am Flughafen und der freudigen Ankunft von Tom Hollands Spider-Man.
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2014
Für einen Film, der sich mit dem Begriff der künstlichen Intelligenz auseinandersetzt, hat Alex Garlands zerebrale Sci-Fi-Filme ein echtes eigenes Gehirn. Wie alle besten klassischen Science-Fiction-Filme wird er von Ideen angetrieben – was die zunehmende Besorgnis der Gesellschaft über den schnellen technologischen Fortschritt im selben Jahr widerspiegelt, das uns Amazons Alexa brachte. Was unterscheidet das menschliche Bewusstsein vom KI-Bewusstsein? Wie werden wir wissen, wann unsere Technologie intelligenter ist als wir? Und wenn wir eine KI erschaffen, erfinden wir unseren eigenen Untergang? Garland verwirbelt all diese Themen zu straffen dialoggetriebenen Konfrontationen, die durch die eisige Ästhetik des Films eine zusätzliche kühle Note erhalten. Mit fesselnden Darbietungen seines zentralen Trios – das Domhnall Gleeson und Oscar Isaac zusammenbringt, ein Jahr bevor sie in eine weit, weit entfernte Galaxie aufbrachen, plus einer magnetischen Alicia Vikander – und einem Höhepunkt, der nicht zuschlägt, ist Ex Machina deus -Level Zeug.
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2014
Beim Aufstieg der Marvel Studios drehte sich alles um große Umschwünge – von der Bekanntmachung von Iron Man bis hin zur Zusammenstellung der Avengers. Aber kein Swing war größer als Guardians Of The Galaxy, der Film, in dem das MCU wirklich Technicolor wurde. James Gunns sprudelnde Weltraumoper über eine zusammengewürfelte Gruppe schelmischer Antihelden (oder „Haufen A-Löcher“) strotzt nur so vor 70er-Pop, psychedelischen Bildern und Momenten überraschend einfühlsamer Emotionen – das vergisst man leicht Planetenhüpfen und witziges Weltraumgezänk, dass alles mit einem einsamen, erdgebundenen Jungen beginnt, der um den Tod seiner Mutter trauert. Guardians zählt einen einsilbigen Baum und einen klugen Waschbären zu seinen Charakteren und es fehlt weitgehend an Starnamen (obwohl es Chris Pratt zum führenden Mann als Anführer der Putzgruppe Peter Quill, auch bekannt als Star Lord, verholfen hat), bewies Guardians, dass Marvel Studios einen Blockbuster machen könnte zerschmettere fast alles.
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2009
So wie Breaking Bad dem Publikum des 21. Jahrhunderts einen kleinen Protagonisten bot, der immer tiefer in die Schurkerei hinabsteigt, während er in der kriminellen Unterwelt zu immer größeren Höhen aufsteigt, folgt Jacques Audiards langsam brennender französischer Krimi einer ähnlich heisenbergischen Flugbahn. Malik El-Djebena von Tahar Rahim ist der relativ bescheidene Rookie-Häftling, der sich vor Ihren Augen allmählich in einen Gangsterboss verwandelt – eine meisterhafte Charakterentwicklung, die so unmerklich ist, dass Sie kaum bemerken, dass sie in dem Moment passiert. Obwohl es sich einer langen Geschichte von Krimi-Epen verpflichtet fühlt, hat A Prophet eine eigene Identität – ein richtig zeitgenössischer Gefängnisfilm mit einem atmosphärischen sozial-realistischen Einschlag und einer Handlung, die über seine 155-minütige Laufzeit hinweg überzeugend bleibt. Außerdem wird Maliks Schnurrbart im Verlauf des Films etwas größer. Wie ist das für eine Transformation?
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2005
Wo Der dunkle Ritter hat uns einen Joker-Film für die Ewigkeit beschert, Christopher Nolans erster Bat-Film ging wirklich unter die Haut von Bruce Wayne. Inspiriert von Frank Millers Batman: Year One-Comics lieferte Nolan eine Charakterstudie mit großem Budget – was genau bringt ein verwaistes reiches Kind dazu, sich als riesige Fledermaus zu verkleiden und auf ahnungslose Kriminelle loszustürzen? Die Antwort, so Hollywoods psychologisch getriebenster Autor, ist Angst und die Notwendigkeit, sie zu überwinden. Das und in der Himalaya-Wildnis psychotropen Blüten ausgesetzt zu sein. Von Cillian Murphys horrormaskierter Vogelscheuche über Rückblenden eines jungen Bruce, der auf dem Grund eines Brunnens gefangen ist, bis hin zu Opernaufnahmen von wirbelnden Fledermäusen, verpflichtet sich Nolan zu einer vielschichtigen Erkundung dessen, was Christian Bales hinterbliebenen Milliardär – und die schwärende Schattenseite von Gotham – ausmacht. Tick. Batman Begins ist ein Film, der thematisch tief gräbt – und uns dennoch epische Ninja-Kämpfe beschert.
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2017
Wenn das wirklich der Schwanengesang von Daniel Day-Lewis ist, was für ein Film zum Ausgehen. Seine letzte Zusammenarbeit mit Paul Thomas Anderson ist ein berauschender Film darüber, was es bedeutet, von jemandem berauscht zu sein – während der britische Erzcouturier Reynolds Woodcock sich völlig verwirrt von seiner neuen Muse, Vicky Krieps' Alma, wiederfindet. Ihre Beziehung beginnt als etwas schmerzhaft Schönes, Andersons körnige analoge Fotografie (er diente als sein eigener Kameramann), die in windgepeitschte Ausblicke auf die britische Landschaft eintaucht. Aber in seinem letzten Akt wird Phantom Thread dunkler und gefährlicher – es demonstriert eine märchenhafte Faszination für giftige Pilze, schwelgt in mulmigen Kraftdynamiken, alles begleitet von Jonny Greenwoods betörendem Piano-Score. Optisch opulent und überraschend witzig dank spitzer Dialoge zwischen dem ärgerlich pingeligen Waldschnepfe und seiner herrischen Schwester Cyril (Lesley Manville).
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2017
Edgar Wright versäumt es nie, einen Killer-Soundtrack abzuliefern – und sein Überfall-Thriller Baby Driver ist von seinem Stapel an herausragenden Melodien (mit freundlicher Genehmigung von Jon Spencer Blues Explosion, The Damned, Run The Jewels und mehr) total verzaubert. Während des gesamten Films kuratiert Ansel Elgorts stoischer Fluchtfahrer akribisch seine eigene Themenmusik auf einer Reihe von iPods, während Wright im Takt aufnimmt und bearbeitet – ein zusätzlicher technischer Nervenkitzel für die adrenalingeladene Fahrzeugaction. Wie bei allen Filmen von Wright ist Baby Driver von einer Liebe zum Genre durchdrungen – einem Verfolgungsjagdfilm, dem er verpflichtet ist Der Fahrer , ein Raubüberfallfilm, der sorgfältige Pläne entwirft und sie alle schief gehen lässt, und ein Quasi-Musical, das durch die Augen seines melodienbesessenen Helden geliefert wird. In vielerlei Hinsicht ist es ein Liebesbrief an den iPod selbst – ein Gerät, das das frühe 21. Jahrhundert definierte und eine Verlagerung hin zu kuratierten Wiedergabelisten über Alben markierte, das selbst fast nicht mehr existierte, als Baby Driver in der Streaming-Ära auf die große Leinwand brüllte.
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2000
Wong Kar-Wais in Hongkong spielende Liebesgeschichte ist einer der schönsten Filme, die je gedreht wurden – mit exquisiter Kinematografie von Christopher Doyle und Mark Lee Ping Bin. Tony Leung und Maggie Cheung sind die Nachbarn von nebenan, die entdecken, dass ihre Partner Affären haben, und ihre eigene Verbindung aufbauen, wobei sie langsam Gefühle füreinander entwickeln. Gefilmt mit akribischer Präzision im Laufe von 15 Monaten – Wong machte sich nur mit einem skizzierten Drehbuch auf den Weg und erstellte spontan einige Sequenzen, während Doyle das Projekt verlassen musste, als der Zeitplan überlief – es ist eine makellos zusammengesetzte Stimmung -Stück, bei dem es auch auf die kleinsten Momente ankommt. Schmerzhaft traurig und hypnotisierend hinreißend, ähnlich wie Kurze Begegnung aber mit viel weniger Tassen Tee hat es nichts von seiner Kraft verloren und bleibt die transzendenteste Kreation des Regisseurs.
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2000
„Matrix“ mag chinesische Drahtkämpfe in den amerikanischen Sci-Fi-Mainstream gebracht haben, aber es war „Crouching Tiger, Hidden Dragon“ ein Jahr später, der das klassische Wuxia dem zeitgenössischen westlichen Publikum zugänglich machte. Vor dem Jahr 2000 war es größtenteils den unteren Regalen der Videotheken auf ungeschickt synchronisierten, unscharfen VHS-Bändern vorbehalten. Mit Crouching Tiger hat sich das alles geändert. Eine prestigeträchtige internationale Koproduktion mit einem respektierten Regisseur in Ang Lee, großartigen Breitbildfotografien von Peter Pau und basierend auf einem klassischen chinesischen Roman für zusätzliche literarische Glaubwürdigkeit. Der Erfolg des Films ebnete den Weg für ebenso spektakuläre wie international erfolgreiche Filme wie Zhang Yimou Held und Haus der fliegenden Dolche . Chow Yun-Fat und Michelle Yeoh hatten beide in Mainstream-Western-Actionfilmen ihre Schuld bezahlt, aber ironischerweise war es die Rückkehr zu ihrem Hongkonger Erbe, das beiden ihren größten internationalen Erfolg bescherte.
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2013
Her ist ein Film, der mehr als ein Jahr vor Alexa datiert und zu Beginn des neuen Jahrzehnts immer vorausschauender wirkt. Verankert in einer bewegenden, täuschend komplexen Performance von Joaquin Phoenix dreht es sich um seine Interaktionen mit unsichtbarem Co-Star Scarlett Johansson als Stimme der digitalen Assistentin Samantha (nebenbei eine aus einer Trilogie posthumaner Rollen für Johansson). Geist in der Muschel und Lucy ). Vielleicht ist Hers größte Stärke, dass man ihrer Beziehung ohne Frage glaubt – mit beeindruckender Geschicklichkeit stellt Regisseur Spike Jonze schnell und leise fest, wie sich diese Verbindung in der Gesellschaft der nahen Zukunft des Films normalisiert hat. Während Theodore und Samantha zusammenwachsen und sich dann unaufhaltsam voneinander trennen, ist es ein hartes Herz, das sich von der Notlage beider Charaktere nicht bewegen lässt.
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2007
Lange vor dem filmischen Musical-Revival Ende der 2010er Jahre brachte Tim Burton Stephen Sondheims halsbrecherische Show auf die große Leinwand – und erlaubte dem Spukautor, seinen blutigsten und theatralischsten Impulsen zu frönen. Mit seinen Zwillingsmusen Johnny Depp und Helena Bonham Carter als Dämonenfriseur bzw. Mitverschwörerin Mrs. Lovett ist es ein einzigartiges burtonisches Gebräu, eine Adaption, die sich weigert, beim Gesang oder den ernsthaft grafischen Morden Kompromisse einzugehen. Wie Mrs. Lovetts Pasteten ist es ein erworbener Geschmack – aber voller überraschender Freuden, vom verstorbenen, großartigen Alan Rickman, der das zarte Liedchen „Pretty Women“ singt, bis zu Sacha Baron Cohen, der es als rivalisierender Friseur Signor Pirelli aufführt, alles gegen einen stilisierten Vision von Victoriana. Zu einer Zeit, in der Burton sich auf familienfreundlichere Kost konzentrierte Charlie und die Schokoladenfabrik , Leichenbraut und Alice im Wunderland (alle immer noch von seinem Gothic-Flair durchdrungen) ist Sweeney Todd eine wunderbar brutale Ergänzung seines Katalogs – ein passendes Zuhause für Sondheims mitreißende Songs.
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2011
Es ist leicht, sich von der Bedeutung von Bridesmaids einfangen zu lassen – wie es eindeutig bewies, dass Hollywood-Filme, die von weiblichen Ensembles geleitet wurden, Kassenschlager sein konnten, was den Weg für den späteren Erfolg von ebnete Mädchenreise , Absolutes Gehör , Böse Mütter und mehr. Aber das wahre Wunder von Paul Feigs rauer Komödie ist der Film selbst – vollgestopft mit aufrührerischen Darbietungen, die Kristen Wiig, Maya Rudolph und Melissa McCarthy zu bekannten Namen gemacht haben, und liefert eine nuancierte Darstellung weiblicher Freundschaft, gespickt mit ekelhaften Heldentaten, die normalerweise nur Brüdern vorbehalten sind. fokussierter Frat-Tarif. Ob es der Anblick von Braut Lillian ist, die sich in einem Hochzeitskleid auf der Straße einscheißt, oder Wiigs Trauzeugin Annie, die unter Drogen gesetzt wurde und in einem Flugzeug Nazisalutierte, Feigs Film sprengte die Form dessen, was eine weibliche Komödie sein könnte – und bot sich an zutiefst fehlerhafte Charaktere, die man einfach lieben muss.
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2008
Heutzutage ist Iron Man als Ausgangspunkt des MCU bemerkenswert – der bedeutendsten neuen Filmreihe des 21. Für sich genommen präsentierte es eine ganz neue Art von Superhelden-Ursprungsgeschichte – eine ohne buchstäbliche Supermächte, die sich stattdessen auf einen amerikanischen Waffenhändler aus der Industrie konzentrierte, der zum selbstgemachten Helden wurde, der von Terroristen aus dem Nahen Osten zu einer Zeit gefangen genommen wurde, als der Irak-Krieg noch andauerte laufend. Während es später ein Mega-Franchise hervorbrachte, ist Iron Man ein absolut zufriedenstellendes Einzelstück, das einen vollständigen Erlösungsbogen für Tony Stark darstellt – einen Helden, der nicht so dunkel grüblerisch ist wie Bruce Wayne, noch so klar wie Superman oder Peter Parker. Es war auch erlösend für Robert Downey Jr. – das ehemalige Hollywood-Wildkind, das sich als echter Filmstar des 21. Jahrhunderts erwies, Stark mit seinen eigenen Meile-pro-Minute-Sprachmustern erfüllte und selbst heldenhaft aus einer Geschichte der Selbstzerstörung hervorging Verhalten. Ein faszinierender Kontrapunkt zum anderen monolithischen Comic-Film von 2008 (Sie kennen den einen).
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2007
Eine Zeit lang sah es so aus, als wäre der Western tot. Wenn das Genre post- unvergeben war weitgehend Tumbleweed, das änderte sich mit Beginn des Indie-Western-Revivals der 00er Jahre. Die Ballade von Jesse James war schon früher im Film gesungen worden – vor allem in Walter Hills mitreißendem The Long Riders im Jahr 1980 –, aber selten hatte sie so dramatisches Gewicht wie in Andrew Dominiks Adaption von Ron Hansens elegischem Roman. Brad Pitt verleiht der Titelrolle Starpower und ernsthafte dramatische Fähigkeiten, während Casey Affleck dafür sorgt, dass Sie Ford zwar nicht mögen, ihn aber zumindest verstehen. Roger Deakins' typisch wunderschöne Fotografie ist das perfekte Korrelat für die träge Prosa des Buches; Nick Cave und Warren Ellis liefern eine schöne, organische Partitur, und während The Assassination seine Länge über gemütliche drei Stunden Bildschirmzeit misst, zieht es sich nie. Wenn der Film gelegentlich in Aktion tritt – wie zum Beispiel in einer atemberaubenden, von Lampen beleuchteten Zugüberfall-Sequenz – verblüfft er.
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2017
In dem Jahr, in dem die Trump-Präsidentschaft begann, enthüllte Pixar seine zutiefst menschliche – und humanisierende – Darstellung einer mexikanischen Familie. Jeder Zentimeter von Coco ist von der Schönheit der mexikanischen Kultur durchdrungen, von der detailreichen Nachbarschaft von Santa Cecilia bis zum atemberaubenden Land Of The Dead – dem gewählten Spielplatz für ein typisches Pixar-Abenteuer, während der melodisch begabte Youngster Miguel nach seinem sucht Musikidol Ernesto de la Cruz am Día de Muertos. Zu sagen, dass es eine der erstaunlichsten visuellen Kreationen von Pixar ist, ist keine leichte Aufgabe – schauen Sie sich nur die orange leuchtende Blumenbrücke an, die die Länder der Lebenden und der Toten verbindet, oder die Skelettgesichter, die überall in der riesigen Unterwelt verborgen sind. Es behauptet sich auch eindrucksvoll als eines der emotionalsten Werke des Studios – während Miguel sich mit früheren Generationen wiedervereinigt und tragische Geheimnisse aufdeckt, ist Coco ein Film für alle Altersgruppen, der sensibel und reif mit Tod und Demenz umgeht. Es ist eine Ode an die Kraft von Musik, Erinnerung und Familie in einem – versuchen Sie einfach, „Remember Me“ zu hören, ohne in Tränen auszubrechen.
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2012
Greta Gerwigs zweite Zusammenarbeit mit Noah Baumbach war ihr Durchbruch – als Star und Co-Autorin von Frances Ha zementierte sie sich als liebenswerte neue Stimme im amerikanischen Indie-Kino. Frances Ha ist eine äußerst charmante, süßlich unbeholfene Darstellung des New Yorker Lebens in den Zwanzigern im 21. Jahrhundert und packt so viel in seine unter 90-Minuten-Laufzeit – die Freude und Lähmung, sich ins Erwachsenenleben zu stürzen, so wie langjährige Freundschaften sind herausgeforderte Post-Adoleszenz, die Entwurzelung des zeitgenössischen Großstadtlebens zur Generationenmiete. Es trägt seine Einflüsse auf der Zunge – Schwarz-Weiß-Fotografie in Anlehnung an Woody Allens Manhattan, eine fröhliche „Modern Love“-Sequenz, die Leos Carax’ Mauvais Sang huldigt –, fühlt sich aber auch ganz nach dem Moment an. Das ist zum Teil Gerwig selbst zu verdanken, deren einnehmende, leicht witzige Darbietung sich so unverwechselbar anfühlt, unterstützt durch die Ankunft von Adam Driver auf der großen Leinwand. Lustig-Ha und eigenartig-Ha.
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2012
Nach der rohen Neuerfindung von Casino royale und vom Streik der Schriftsteller betroffen Quantum Trost kam der milliardenschwere Bond. Skyfall, ein sanfter Neustart mitten in Daniel Craigs Smoking-Amtszeit, war sowohl eine Weiterentwicklung des düsteren Post-Bourne 007 als auch eine Feier zum 50-jährigen Jubiläum des Vermächtnisses der Franchise. Unter der Leitung von Sam Mendes fühlt er sich autoritärer an als Bonds von einst – ein Symptom der Post-Dark-Knight-Blockbuster-Landschaft, in der das Action-Franchise-Filmemachen wichtiger wurde und gefeierte Dramatiker anzog. Das Ergebnis ist ein James-Bond-Film, der adrenalingeladene Action (die Eröffnungsverfolgungsjagd, die zu einer Schießerei wurde, zu einer Verfolgungsjagd auf dem Dach, zu einer Zugschlägerei wurde, ist ein Hammer) mit thematischen Erkundungen dessen, was Bond im 21. bedeutet Jahrhundert. Außerdem wurden neue Inkarnationen von Moneypenny und Q eingeführt, die sich bereits im Mittelpunkt der Craig-Ära befinden, ein emotionaler Abschied von Judi Denchs M und ein bedrohlicher Bösewicht in Javier Bardems Raoul Silva.
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2009
Mit seinem Spielfilmdebüt hat der südafrikanische Filmemacher Neill Blomkamp die Segregation der Apartheid in einen Science-Fiction-Actionfilm übersetzt, in dem außerirdische „Garnelen“ in Flüchtlingslagern festgehalten werden, nachdem ihr Schiff im Himmel über Johannesburg gelandet ist. Über 20 Jahre nach der außerirdischen Ankunft vermeidet Blomkamp Invasionstropen, um sich auf die Nachwirkungen des Erstkontakts zu konzentrieren – und verleiht ihm eine visuelle Schärfe in einer Kombination aus faux-dokumentarischen Clips, CCTV-Aufnahmen und Handheld-Kinematografie. Sein Paralleluniversum fühlt sich bewohnt an, mit futuristischer Technologie, die abgenutzt und rostig ist – eine greifbare, viszerale Textur, die sich bis zu Momenten von entsetzlichem Körperhorror erstreckt, wenn Sharlto Copleys bürokratischer Deskjockey nach einer Lagerrazzia eine transformative Erfahrung macht. Trotz all seiner sozialen Kommentare spart Distrikt 9 nicht an Action – Mech-Kämpfe, Gravitationskanonen, explodierende Schweine und so weiter. Er erschien, bevor der Superhelden-Boom wirklich Einzug hielt, und ist ein seltener Original-Sommer-Blockbuster des 21. Jahrhunderts – und, noch seltener, ein internationaler Mainstream-Actionfilm, der auch eine Nominierung für den besten Film bei den Oscars einheimste. Das reicht, Garnelen. Das wird gehen.
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2013
Richard Linklaters drittes Date mit Jesse (Ethan Hawke) und Celine (Julie Delpy) ist eine etwas scharfkantigere Angelegenheit als die kurze Begegnung von Gen-X Vor Sonnenaufgang und sein neun Jahre späterer Nachfolger Before Sunset. Jetzt, in ihren 40ern und mit der Erziehung von Töchtern, hat sich das Paar in eine grenzwertig zerbrechliche Routine eingelebt: das Geschäft, sich nicht zu verlieben, sondern dort zu bleiben. Diesmal liegt Reizbarkeit unter dem Badinage, auch wenn es Wärme in der wunderschönen mediterranen Umgebung gibt: ein weiteres Beispiel dafür, wie die Trilogie Beziehungsknoten in einer sonnenverwöhnten Umgebung herauspickt. Aber Jesse und Celine bleiben eines der sympathischsten Paare im modernen Kino, und das Engagement der Co-Leads und Co-Autor/Regisseur Linklater, diese Partnerschaft immer wieder zu überdenken und sich sowohl auf ihre Mängel als auch auf ihre Flauschigkeit zu konzentrieren, bleibt faszinierend und beeindruckend . Jede Fortsetzung erschien wie ein Risiko – aber beide verdienten unsere Zuneigung.
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2006
Little Miss Sunshine, ein absoluter Sundance-Hit, sticht in der amerikanischen Indie-Crossover-Szene der 00er Jahre hervor – ein Comedy-Drama mit unkonventionellen Charakteren, das beim Mainstream-Publikum zu einem unverhohlenen Publikumsmagneten wurde. Wenn die Charaktere, die sich in den ikonischen knallgelben VW-Wohnmobil des Films quetschen, um einen Schönheitswettbewerb für Kinder in Kalifornien zu erreichen, komplex sind – Steve Carells selbstmörderischer proustianischer Gelehrter, Paul Danos sprachscheuer Möchtegern-Pilot, Alan Arkins unflätigiger Großvater – es ist Plot ist alles andere als. Little Miss Sunshine ist ein geradliniges Roadmovie, das eine dysfunktionale, unkonventionelle Familie in enge Haft zwingt, um ihre Probleme zu lösen. Die Unebenheiten auf der 800-Meilen-Reise sind unkonventionell – Leichenschmuggel, durch den Farbenblindheitstest verursachte Ausraster –, aber alles endet mit einem kathartischen, urkomischen Festumzugsfinale, das die explosiven emotionalen Ausbrüche auf dem Weg besänftigt eine großherzige Leistung von Youngster Abigail Breslin.
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2007
Dieses dornige Drama der Rechts- und Wirtschaftsspionage balanciert mühelos Thriller-Beats mit tiefgründigen Charakterstudien aus, verankert in drei wohl karrierebesten Darbietungen von George Clooney, Tilda Swinton und Tom Wilkinson. Das Regiedebüt des Bourne-Drehbuchautors Tony Gilroy bewies, dass er mit Schauspielern genauso effektiv arbeiten konnte wie allein an einem Textverarbeitungsprogramm (Denzel Washington, der sich vor einem Neuling hinter der Kamera fürchtete, lehnte den Film ab, gab aber später seinen Fehler zu). Clooney ist der höfliche, aber erschöpfte „Fixierer“ in seiner Mitte, der darum kämpft, zusammenzuhalten, während die Dinge um ihn herum auseinanderfallen. Wilkinson und Swinton können ein bisschen mehr loslassen, während sich die Charaktere auf ihre unterschiedliche Weise entwirren – letztere nimmt verdientermaßen einen Oscar für ihre vielschichtige Darstellung einer mächtigen Frau mit nach Hause, die beide gegen das Hochstapler-Syndrom kämpft und zunehmend von der spiralförmigen Situation um sie herum überwältigt wird.
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2017
Selbst bei seinem wahren Kriegsfilm musste Christopher Nolan mit der Zeit herumspielen. Dünkirchen ist einer seiner einfachsten Filme – ein 100-minütiges Survival-Drama mit einer buchstäblich tickenden Uhr in Hans Zimmers ticktackender Partitur – die einer vielsträngigen Erzählung einen zusätzlichen narrativen Schauder verlieh. Nolan präsentiert mehrere Perspektiven der Rettungsmission, bei der eine zusammengewürfelte Flotte britischer Zivilboote Tausende gestrandeter Soldaten in Dünkirchen rettete, und versetzt uns mit einer Gruppe junger Soldaten auf den Boden, in die Luft mit der RAF und auf See mit Mark Rylance in einem Pullover – jeder Faden entfaltet sich in verschiedenen Zeitrahmen, die schließlich wie eine fein abgestimmte Uhr ineinandergreifen. Unter einer Besetzung von Nolan-Favoriten – Tom Hardy, Kenneth Branagh, Cillian Murphy – waren die gestrandeten Soldaten weitgehend unbekannt (plus Harry Styles in seinem Leinwanddebüt), was die Unvorhersehbarkeit nur noch verstärkte. Eine knochenerschütternde Übung in Spannung, die sowohl Ihr Gehirn als auch Ihre Adrenalindrüse einbezieht.
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2017
Zwei Jahre zuvor Rächer: Endspiel , lieferte James Mangold einen emotionalen Abschied von der anderen Comic-Hauptstütze des Kinos des 21. Jahrhunderts – Hugh Jackmans manchmal X-Man, Wolverine. Den letzten Film des Adamantium-beschichteten Mutanten nach seinem menschlichen Namen zu titeln, ist eine Absichtserklärung – Logan ist ein verletzter, elegischer Schwanengesang, der mehr von der Ära der klassischen Western inspiriert ist als von den Superheldengeschichten, die Hollywood in den letzten Jahrzehnten ähnlich überwältigten. In Anlehnung an die Comicserie „Old Man Logan“ springt Mangolds Film in eine düstere, staubige Zukunft – mit einem grauhaarigen Logan, dessen Heilkräfte schwinden, der in selbst auferlegter Einsamkeit lebt und sich um einen demenzkranken Charles Xavier kümmert . Logan ist gezwungen, sich seiner eigenen gewalttätigen Vergangenheit zu stellen und wurde zum unwissenden Wächter des zweiklauigen Youngsters X-23 (einer unglaublich beeindruckenden Dafne Keen). würdige R-bewertete Schrotte, die in einem Post- Totes Schwimmbad Kassenlandschaft.
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2001
'Rookies. Ja, du willst Scheiße erledigen, du musst es selbst erledigen', knurrt Alonzo von Denzel Washington, als er ein Loch durch Scott Glenns Unterleib sprengt. Es ist ein böses Erwachen für den idealistischen Neuling Jake (Ethan Hawke), genau wie der Film es für uns alle war. „Training Day“ hat alle überrascht – ein Cop-Thriller mit fetten Genreklängen und brutalen Traumata, der schnell zum Maßstab für Anfängergeschichten wurde. Es war ein Wendepunkt für Hawke – er hat seitdem gesagt, dass er das Gefühl hatte, dass er fertig war, bevor Training Day ihm eine zweite Rolle als Schwergewichts-Dramatiker gab und für seine Arbeit eine Oscar-Nominierung für die beste Nebenrolle erhielt, während Washington, ganz brüllend, rechtschaffene Wut , verdientermaßen als bester Hauptdarsteller gewonnen. Fast zu angespannt für menschliche Herzen, bringt Training Day alle zu Höchstform und liefert uns mit Abstand das beste Drehbuch von David Ayer und den besten Film von Antoine Fuqua – die nachfolgende Arbeit von beiden würde damit verglichen werden. Es ist eine Menge zu leben.
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2003
Das extreme asiatische Kino bekam mit Park Chan-wooks außergewöhnlicher Rache-Saga, dem zentralen Stück seiner Vengeance-Trilogie, einen weiteren Crossover-Hit. Gesegnet mit einer brisanten mysteriösen Prämisse – der koreanische Geschäftsmann Oh Dae-su (Choi Min-sik) wird eingesperrt und 15 Jahre lang in einem schmutzigen Hotelzimmer gefangen gehalten, ohne zu erfahren, warum oder von wem, bevor er wieder in die Welt entfesselt wird, um seines zu suchen Entführer – es ist eine charakteristische, eindeutig nicht aus Hollywood stammende Geschichte, die von augenzärtlicher Ultra-Gewalt unterbrochen wird. Vollgepackt mit hypnotischen Bildern – alptraumhafte Tapeten, die es mit dem Overlook Hotel aufnehmen können, Dae-sus Befreiung aus einer riesigen Kiste in einem sattgrünen Feld, ein lebendiger Oktopus, der mit sich windenden Tentakeln niedergefressen wurde – und mit einer stellaren Schlägerei, bei der unser rücksichtsloser Protagonist ein Ganzes zerschmettert Korridor von Idioten mit einem Hammer, es ist ein stilvoller und beeindruckender Thriller mit einem vernichtenden Höhepunkt, den man nicht so leicht vergisst.
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2019
Mit seinem selbsternannten neunten Film (does Bill töten zählen wirklich nur als ein Film?), beruhigte sich Hollywoods hyperaktiver Autor. Das Excoring weiterverfolgen Die hasserfüllten Acht , Quentin Tarantino kehrte für einen sensiblen (nach QT-Maßstäben) und seltsam süßen Hangout-Film, der in den sterbenden Tagen des Goldenen Zeitalters Hollywoods spielt, in die sonnenverwöhnten Sechziger seiner Jugend zurück. An den Rändern herrscht Dunkelheit – von Leonardo DiCaprios Western-TV-Star Rick Dalton, der darum kämpft, den Sprung auf die große Leinwand zu schaffen, über Cliff Booths (Brad Pitt) unheimlichen Besuch auf der Spahn Ranch bis hin zu dem erschütternden Schicksal, das Margot Robbies Sharon Tate als die zu erwarten scheint Manson-Morde drohen. Aber wie der Titel schon sagt, handelt es sich hier um ein Tarantino-Märchen – eine Kehrtwende zu historischen Schrecken, die letztendlich die OTT-Gewalt austeilt, für die der Filmemacher bekannt ist, im Dienste eines glücklichen Endes. Nicht ohne Kontroversen – insbesondere die Darstellung von Bruce Lee in einem kontextuell fragwürdigen Rückblick – aber es ist eine gefühlvollere Variante von QT.
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2013
Zwei Jahre später Avengers vereint euch Alejandro G. Iñárritu, der die Comic-Verfilmung zu immer größerer Popularität an den Kinokassen verholfen hat, lieferte mit seiner satirischen Komödie eine augenzwinkernde Antwort auf das Superheldenkino. In einem frechen Meta-Casting spielt Michael Keaton Riggan Thompson, einen Schauspieler, der fest entschlossen ist, seine Spandex-Tage hinter sich zu lassen, während er ein anspruchsvolles Theaterstück aufnimmt, und dennoch von der gespenstischen Präsenz der geflügelten Heldenrolle verfolgt wird, der er niemals entkommen wird . Präsentiert als eine ununterbrochene Einstellung von Kameramann Emmanuel Lubezki und angetrieben von einer juckenden, ratternden Jazzmusik, ist es eine meisterhafte Leistung des Filmemachens – mit schwindelerregenden Tagträumen, schwindelerregenden Momenten der Panik, während Riggan mit dem Nageln kämpft seine neue Rolle, und Edward Norton, der mit konstanter Flüssigkeit ein Paar stramme Weißhosen verschrottet. Am aufregendsten ist, dass Keaton eine wilde Performance hinlegt, die die ungebundene Grafik ergänzt. In einer zusätzlichen Metaebene spielte er den Comic-Bösewicht Vulture mit Vogelmotiven Spider-Man: Heimkehr nur drei Jahre später.
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2011
Als außergewöhnlicher Action-Adrenalin-Kick stürzte The Raid scheinbar aus dem Nichts in die Kinos. Sein besonderes Erbe – eine indonesische Kampfkunst-Extravaganz des walisischen Regisseurs Gareth Evans – trug nur zu seiner Mystik bei. Die Handlung, in der sich Breakout-Star Iko Uwais einen Hochhausblock voller schlagkräftiger Krimineller hinauf- und wieder hinunterkämpft, ist so einfach wie es nur geht – aber alles dient einem der reinsten, freudigsten Blutergüsse des Jahrhunderts. Em-up-Setpieces, die in ausgedehnten Handheld-Aufnahmen abgespielt werden. Die Kompliziertheit und Energie der Choreographie bleibt atemberaubend, ihr Einfluss hallt noch ein Jahrzehnt später durch das Action-Genre wider und ist in allem zu sehen, von den John-Wick-Filmen bis hin zu Netflix’ Daredevil. Es ist selten, dass ein Film wirklich als makellos bezeichnet werden kann, aber The Raid ist eine perfekt gearbeitete Kampfmaschine.
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2009
Im Vorfeld von James Camerons mehreren lang erwarteten Avatar-Fortsetzungen scheint das Internet im Großen und Ganzen seinem ersten Blue-Cats-in-Space-Epos den Rücken gekehrt zu haben. Auch wenn sich die Welt von Pandora jetzt vertraut anfühlt, war ihre anfängliche Wirkung erschütternd – der außerirdische Planet, reich an tagheller Flora und verworrener Fauna, erwies sich als so eindringlich und visuell anregend (insbesondere in revolutionärem, selten verbessertem 3D), dass das Publikum immer wieder zurückkehrte . Es gab sogar Berichte von Zuschauern, die deprimiert waren, nachdem sie eine so schöne Welt „besucht“ hatten. Die außergewöhnliche Umgebung beherbergt eine vertraute, aber effektive Atmosphäre Tanzt mit Wölfen -inspirierte Geschichte, als der menschliche Ex-Soldat Jake Sully (Sam Worthington) sich dem einheimischen Alien-Stamm auf dem Planeten anschließt, den die Erdkolonien nach Ressourcen berauben. Subtil? Nein. Aber seine schiere Tapferkeit und B-Movie-Dialoge fügen sich zu einem Original-Breitbild-Abenteuerfilm mit Mech-Kämpfen, Vogeldrachen und Zauberbäumen zusammen, der ein Jahrzehnt lang als größter Kassenschlager aller Zeiten regierte. Unterschätze niemals James Cameron.
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2001
Hier ist alles: das Puppenhaus-Layout; die anspruchsvolle Rahmung und Farbpalette; die spielerische Erzählstruktur (die vorgibt, auf einem Roman zu basieren, der eigentlich nicht existiert); der trockene und schelmisch humorvolle Dialog; die absurden Situationen; der Zusammenprall von Ernst und Laune; eine außergewöhnliche Wunschliste einer Besetzung, die in diesem Fall Gene Hackman, Ben Stiller, Anjelica Huston, Owen und Luke Wilson, Danny Glover und Andersons Glücksbringer Bill Murray umfasst; und ein vielseitiger Jukebox-Soundtrack mit so vielen makellosen Nadeltropfen, dass es zwei Alben brauchte, um sie alle zu sammeln. Wes Anderson macht unverkennbar Wes-Anderson-Filme, und sein dritter hat den Maßstab für den Rest seiner Karriere gesetzt. Flaschenrakete vielversprechend gezeigt. Rushmore markierte ihn als Autor und Regisseur, den man im Auge behalten sollte. Aber es waren The Royal Tenenbaums, die Andersons Status als eigenwilliger Indie-Autor festigten, der sie alle beherrschte.
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2006
Was auch immer Sie heutzutage von Mel Gibson halten, es ist schwer, die reine Gonzo-Blödsinnigkeit von Apocalypto nicht zu bewundern: ein 40-Millionen-Dollar-Dschungel-Action-Abenteuer aus dem 16. Jahrhundert ohne erkennbare Stars mit dem Untertitel Yucatec Mayan. Im Wesentlichen eine Verfolgungsjagd auf einem Fuß, die Rudy Youngbloods unglücklicher Jaguarpfote immer mehr Mühen aufbürdet, wirft nichtsdestotrotz typische Gibsonsche philosophische Fragen über die Rolle der Gewalt in der „Zivilisation“ auf. Angesichts der schieren viszeralen Wirkung dessen, was auf der Leinwand passiert, haben wir keinen Zweifel an der Position des Regisseurs und Co-Autors in der Debatte. Und doch bleibt Apocalypto trotz seines oberflächlichen Nihilismus eher spannend als strafend und letztendlich hoffnungsvoll. Exzentrisch an der Grenze zu völlig verrückt, widersprüchlich, gelegentlich ärgerlich, immer fesselnd: eine Vision, die sowohl weitreichend als auch zutiefst persönlich ist. Wir werden so etwas nicht wieder sehen – es sei denn, Gibson bringt jemals sein altnordisches Wikinger-Epos zum Laufen.
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2007
Nachdem Edgar Wright und Simon Pegg in Shaun Of The Dead das Londoner Leben der 30-Jährigen aufgespießt hatten, richteten sie ihr Augenmerk auf ländliche Kleinstädte – eine liebevolle Parodie und Hommage an das kleine Großbritannien (komplett mit einem echten Mini-Modelldorf) und große amerikanische Action Kino. Angetrieben von einer stellaren komischen Wendung von Nick Frost als Buddy-Cop-besessener Polizeibeamter Danny Butterman, einem köstlichen Timothy Dalton als wolfsgrinsendem Supermarktmanager Simon Skinner und einer Reihe von Comedy-Größen (Olivia Colman! Adam Buxton! Alice Lowe! Bill Bailey !), ist es wahrscheinlich der absolut lustigste Film in der Cornetto-Trilogie – und das ist, bevor Wright schwindelig seinen Michael Bay aufsetzt, wenn Simon Pegg im letzten Akt als Heldenpolizist Nick Angel auftritt. Hot Fuzz ist eine Schnellfeuer-Gag-Kanone mit tadellosem Schnitt, der die Stimme des Filmemachers weiter zementiert, mit einem langjährigen Erbe als Film, an dem man in endlosen ITV2-Wiederholungen nicht vorbeiscrollen kann. Es ist auch vorausschauend – versuchen Sie es im Jahr 2020, ohne sich die ältere Neighborhood Watch als einen Haufen blutrünstiger Brexiteers vorzustellen.
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2006
Bevor The Dark Knight ihn nach Gotham zurückbrachte, folgte Christopher Nolan Batman Begins mit einem betörenden Drama-Thriller über kriegführende Illusionisten im viktorianischen London. The Prestige ist ein Film, der selbst beeindruckend illusorisch ist, seine nicht chronologische Erzählung entfaltet sich auf die gleiche Weise wie die Tricks von Hugh Jackman und Christian Bale – a Pledge (das Set-up), gefolgt von a Turn (eine Transformation) und The Prestige ( eine zusätzliche Wendung). Für einen Filmemacher, der sich oft mit konzeptionellem Bombast beschäftigt, findet The Prestige Nolan in einem Taschenspielermodus, der die Fäden zieht, um eine unheimliche endgültige Enthüllung vorzubereiten – aber der Grund, warum es funktioniert, liegt darin, wie gut gezeichnet die Charaktere sind. Bales Borden ist ein kantiger Kontrapunkt der Arbeiterklasse zu Hugh Jackmans auffälligerem, kälterem Angier – letzterer wird zu immer extremeren Maßnahmen getrieben und kompromittiert letztendlich seine Menschlichkeit, um die beeindruckendste Tat seines Rivalen zu wiederholen. Für einen zurückhaltenden Nolan-Film ragt er heraus – und rühmt sich der Freude von David Bowie, der Nikola Tesla spielt.
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2010
Die perfekte Trilogie näher, bis es nicht mehr war. Toy Story 3 ist Pixar mit Spitzenleistung, das Tränen und Lachen gleichermaßen hervorruft. Zu der Zeit, als die Serie endete, die dem Animationsstudio den Namen gab, begeisterte der Abschied von Woody und Buzz Kinder und reduzierte Erwachsene (insbesondere diejenigen, die buchstäblich mit den Titelspielzeugen aufgewachsen waren) mit seinen scharfsinnigen Grübeleien über das Ende der Kindheit auf ein blubberndes Durcheinander. Ob es diese Verbrennungsszene ist, die drohte, unsere Helden in Flammen aufzugehen, oder die endgültige Übergabe seiner geliebten Spielsachen durch den College-gebundenen Andy an die kleine Bonnie, es ist unbestreitbar emotional – aber es gibt auch Freude in seiner von Great Escape inspirierten Kindergartenpause. Dazu kommen neue Top-Charaktere wie Timothy Daltons melodramatischer Igel Mr. Pricklepants und das ruppige Einhorn Buttercup. Außerdem hatte es mit dem heimtückischen, nach Erdbeeren duftenden Bären Lotso eine weitere heimlich zwielichtige, geliebte männliche Autoritätsfigur, die trotz ihrer knuddeligen Persönlichkeit als Bedrohung entlarvt wurde – Jahre bevor der ehemalige Pixar-Chef John Lasseter selbst in der #MeToo-Bewegung blamiert wurde.
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2000
Erinnern Sie sich an die Tage, als Musikjournalisten wochenlang mit Rockbands touren konnten, nur um eines einzigen Interviewstücks willen? Cameron Crowe tut es und fiktionalisiert seine eigene Jugenderfahrung als Autor für den Rolling Stone in ein glühendes Nostalgiestück, das die Rockszene der 70er Jahre und die Kultur, die sie begleitet, feiert – Drogen, „Pflaster“, Langform-Journalismus und alles. Fast berühmt ist aufrichtig – sei es die Szene, in der der junge William einen Stapel Schallplatten von seiner älteren Schwester erbt („Schau unter dein Bett – es wird dich befreien“, sagt sie ihm) oder der Stillwater-Tourbus zum Mitsingen zu Elton Johns „Tiny Dancer“ ist Crowes tiefe Liebe zur Musik und die Kraft, die sie in der Jugend hat, unausweichlich. Voller Emotionen, zitierbarer Dialoge („Die einzig wahre Währung in dieser bankrotten Welt ist, was Sie mit jemand anderem teilen, wenn Sie uncool sind“) und fesselnden Darbietungen von Kate Hudson, Billy Crudup und Philip Seymour Hoffman ist es ein Film der reinsten , unverfälschte Zuneigung.
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2013
Jonathan Glazers emotional leerer, fast wortloser Science-Fiction-Film ist eine lockere und schräge Adaption von Michel Fabers Roman – in dem Maße, dass fast nichts explizit die Übersetzung über die zentrale Prämisse von Scarlett Johanssons Woman Who Fell To Earth hinaus überlebt. Johansson spielt den Außerirdischen mit einer perfekten Aura jenseitiger Neugierde und verankert die abstrakte Erzählung mit einer ebenso mutigen wie zurückhaltenden Darbietung, während er durch eine Besetzung schottischer Amateure schwebt, die – wenn Sie der Erzählung hinter den Kulissen glauben – es oft getan haben. Ich wusste nicht, dass sie gefilmt wurden und erkannten sie irgendwie nicht. Faszinierend, brutal, ohne wirklich so gewalttätig zu sein, gelegentlich aufwühlend und an einem bestimmten Punkt am Strand aktiv erschütternd, ist es keine einfache Beobachtung. Aber es ist eine lohnende: eine desorientierende Sinneserfahrung; rein filmisch trotz seines literarischen Ausgangspunktes.
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2004
Wie man es von einem Regisseur erwartet, dessen Karriere mit begann Wahl und dazu geführt Nebraska , Sideways wird genau beobachtet und feinfühlig gespielt, lustig und ergreifend. Eine ähnliche Sadsack-Erkundung wie in seinem vorherigen Film, der Jack Nicholson-Hauptdarsteller Über Schmidt , dreht sich Alexander Paynes weinzentriertes Roadmovie um Miles, (ein niemals besserer Paul Giamatti), den schlabbrigen, depressiven, kürzlich geschiedenen, gescheiterten Romanautor und stöhnend anmaßenden Weinbohrer im Herzen des Films. Auf dem Papier ist er ein Arschloch, und es gibt nicht viele Schauspieler, die Sie dazu bringen könnten, ihn anzufeuern – wenn Sideways uns etwas sagt, dann, dass wir Giamatti nicht als selbstverständlich ansehen sollten. Aber Miles wird durch das Ensemble um ihn herum, bestehend aus Thomas Haden Church, Sandra Oh und insbesondere Virginia Madsen, zur Erlösung verholfen, mit der er die am schönsten geschriebene Szene des Films teilt: Miles beschreibt sich unwissentlich selbst, indem er einen wartungsintensiven Wein mansplaint.
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2004
Edgar Wrights Spielfilmdebüt war nur der Anfang, zeigte aber alles, was ihn großartig macht: eine Besessenheit von Genres, einen ausgeprägt britischen Sinn für Humor und einen ehrgeizigen Dreh- und Schnittstil, der ihn von der Küchenspüle unterscheidet, die Großbritannien lange Zeit definierte Film. Von der ununterbrochenen Aufnahme, die einem ahnungslosen Shaun zu seinem örtlichen Laden und zurück inmitten der sich entfaltenden Apokalypse folgt, bis hin zu dem Soundtrack von „Don’t Stop Me Now“, dem Zombie-Beatdown, der vor Baby Drivers Shoot-to-the-Beat-Ansatz entstand, gibt es eine Go-for-broch Sinn für das Filmemachen, das unmöglich zu ignorieren ist. Jenseits des Rom-Zom-Com-Genre-Mashings ist viel los – Shaun handelt vom Erwachsenwerden und Entschleunigen der Generation X und von den Veränderungen im Leben, die mit dem Alter in den Dreißigern einhergehen: die Notwendigkeit, jugendliche Freundschaften aufzugeben, sich auf Beziehungen einzulassen, und bereite dich auf den Tod deiner Eltern vor. Aber am wichtigsten ist, dass es atemlos lustig ist und Simon Pegg und Nick Frost zu Recht bekannte Namen macht.
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2015
Phyllis Nagys Drehbuch zu „Carol“, das auf Patricia Highsmiths pseudo-autobiografischem Roman „Der Preis des Salzes“ von 1952 basiert, steckte 20 Jahre lang in der Entwicklungshölle. Aber in den Händen von Todd Haynes und mit Cate Blanchett und Rooney Mara als Co-Leads hat sich das Warten mehr als gelohnt. Weitaus romantischer als Highsmiths mörderische Ripley-Romane, ist es nicht weniger subversiv, weil es eine lesbische Beziehung darstellt, die von verschiedenen Vertretern der breiteren „Gesellschaft“ belagert wird. Und es ist daher eine natürliche Ergänzung für Haynes, dessen gesamter Kanon sich auf die Erforschung von Nonkonformität konzentriert hat. Das akribisch entworfene und fotografierte Noir-Melodram ist ein perfektes Schaufenster für Blanchett in ihrer theatralischsten Form, die performative Carol, die alle Zigaretten und Haare wirft, und erinnert an Blanchetts KO-Runde als Katharine Hepburn in Scorseses Der Flieger . Es ist eine perfekte Übereinstimmung von Schauspielerin und Rolle.
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2012
Nachdem er den Zweiten Weltkrieg in Inglourious Basterds umgeschrieben hatte, tauchte Quentin Tarantino für sein nächstes Stück revisionistische Geschichte weiter zurück – er schuf einen von Blaxploitation inspirierten Helden, der gegen die amerikanische Sklaverei kämpft. Mit großzügigem Gebrauch des N-Wortes und verstörend grafischen Auspeitschungen und „Mandingo“-Kämpfen schwelgt Django wohl in seiner unerschrockenen Darstellung des Antebellum-Südens in einem unangenehmen Maße. Aber es saniert auch nicht die Grausamkeit – und wenn Django anfängt, Kopfgelder zu jagen, Sklavenhalter und Rassisten mit einem breiten Grinsen niederzumachen, wird die rachsüchtige Gewalt angemessener fröhlich. Jamie Foxx brilliert in der Titelrolle (Will Smith lehnte bekanntermaßen ab, eine verpasste Gelegenheit, neben seiner Ablehnung von The Matrix zu rangieren), aber es ist Samuel L Jackson, der sich am besten einträgt – sein institutionalisierter Sklave Stephen, der Leonardo DiCaprios unerbittlich böser Plantage äußerst treu ergeben ist Eigentümer Calvin Candie, entpuppt sich als eine der komplexesten Kreationen von Tarantino. Vielleicht unterhaltsamer als ein Film über Sklaverei sein sollte, aber der Candyland-Höhepunkt ist glorreich.
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2008
Der Eröffnungsakt von Wall-E könnte Pixars größte Leistung sein – ein atemberaubendes Stück nahezu wortloser postapokalyptischer Science-Fiction, das einen verspielten Chaplin-artigen Slapstick auf eine spektakulär düstere zukünftige Erde setzt. Während der namensgebende müllverdichtende Androide durch die Abfallberge einer längst vergangenen Menschheit trudelt, erfreut er sich an den Kuriositäten, die er entdeckt (ein Zauberwürfel! Ein BH! Ein Feuerlöscher!), während wir an der Logik verzweifeln Endpunkt unseres verschwenderischen Konsumverhaltens. Eine lächerlich charmante Romanze mit dem Apple-ähnlichen fortgeschrittenen Roboter Eve gleicht die Trostlosigkeit aus – der interstellare Tanz des Paares ist erstaunlich in seiner Schönheit). Wenn sich die zweite Hälfte der Abenteuersuche nach dieser mutigen Eröffnung ein wenig sicher anfühlt, greift die Mission, ein einzelnes lebensfähiges Stück Pflanzenleben zu retten, direkt auf die Ängste um die globale Erwärmung ein ganzes Jahrzehnt, bevor sie zum Leitthema des 21. Jahrhunderts wurde.
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2011
Das gleiche Jahr, das brachte Schnelle Fünf lieferte auch sein tonales Gegenteil – ein Arthouse-Autofilm, der eine Übung in purem Stil ist. Leicht Nicolas Winding Refns zugänglichste Arbeit, es gibt eine klare Vision, die sich durch alles an Drive zieht: die Musik, die stilisierten Kostüme (wer hat nicht davon geträumt, diese Bomberjacke mit silbernem Skorpion-Patch auszuziehen?) und das absichtlich gedämpfte Aufführungen. Ryan Goslings stoischer Getriebekopf ist eine absichtliche Leere in seinem Zentrum, seine Emotionen erwachen, als Carey Mulligans kämpfende Mutter Irene dringend benötigte Menschlichkeit in seine Welt (und den Film selbst) bringt. Der perfekt ausgewählte Soundtrack – von Kavinskys „Nightfall“ bis zu Colleges „A Real Hero“ – fühlt sich wesentlich an seinem Erfolg und seiner anhaltenden Anziehungskraft an, so sehr, dass ein Experiment der BBC, den Film mit alternativen Songs neu zu vertonen, nicht helfen konnte aber fühle mich überflüssig. Eiskalt und neonbeleuchtet spielt Drive absolut cool – und bleibt auch Jahre später absolut cool.
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2004
Neun Jahre nach dieser Nacht in Wien kommen Celine und Jesse in Paris wieder zusammen; Julie Delpy und Ethan Hawke schlüpfen in einer ungezwungenen, völlig organischen Fortsetzung mühelos in ihre jeweiligen romantischen Persönlichkeiten zurück. Diesmal ist es komplizierter: Das Paar kommt mit einem Jahrzehnt mehr Gepäck, und Celine ist nicht ganz beeindruckt von dem nachlässigen autobiografischen Roman, den Jesse basierend auf ihrer ursprünglichen Begegnung geschrieben hat. Wie zuvor findet die Erzählung fast in Echtzeit statt: in diesem Fall in den paar Stunden, bevor Jesse ein Flugzeug erwischen muss. Und nach wie vor ist eine Generation von Zuschauern bereit, am Ende nicht getrennte Wege zu gehen. Wie unauslöschlich verführerische Bilder gehen, tanzt Delpy in ihrer Wohnung zu Nina Simone ist dort oben mit Anita Ekberg im Trevi-Brunnen. Das darauffolgende Before Midnight, weitere neun Jahre später, bestätigt, dass Jesse auch so dachte.
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2014
Durch seine ersten beiden MCU-Ausflüge – Captain America: Der erste Rächer und Avengers Assemble – Steve Rogers stand klar umrissenen Feinden gegenüber. Aber in The Winter Soldier, einem Film, der Cap zwingt, sich der Komplexität des Amerikas des 21. Jahrhunderts zu stellen, gibt es keine offenkundigen Nazis oder marodierenden Außerirdischen. Der Film enthüllt, dass das „Gute“ von SHIELD und das Böse von HYDRA miteinander verflochten sind, und ist praktisch ein Blockbuster-Politthriller, der seinen zentralen Helden herausfordert, rein und wahr zu bleiben, wenn er von Korruption und verborgener Schurkerei umgeben ist. Als Superheldenfilm ist er aufregend geerdet – die neuen Regisseure Anthony und Joe Russo (damals am besten bekannt als Regisseur von Sitcom-Episoden) liefern knallharte Nahkampf-Kampfszenen, die die Grenzen von 12A sprengen. Vom Schrott aus nächster Nähe bis zur Verfolgungsjagd mit Nick Fury liefert es auf ganz andere Weise das fantastischere Ende des MCU-Spektrums. Außerdem kamen seine Warnungen vor ruhenden Kräften des Faschismus Jahre vor dem Aufstieg der Alt-Right Ende der 2010er Jahre.
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2005
Ein Film über schwule Cowboys hatte das Potenzial zur Parodie, aber Brokeback Mountain umging das, um massives Festival-Buzz und einen ultimativen Preisrausch zu erzielen – ein Beweis für seine tiefe Aufrichtigkeit, die Empathie seines Drehbuchs (von Larry McMurtry und Diana Ossana, aus Annie Proulx’ Kurzfilm Geschichte) und Regie (von Ang Lee, der sich nach der Tortur von rehabilitiert Hulk ) und die engagierten, von Herzen kommenden zentralen Auftritte von Jake Gyllenhaal und Heath Ledger. Lee sagt, er habe nur die Kamera gerichtet und seine Schauspieler arbeiten lassen. Das traut man sich selbst zu wenig zu, aber es stimmt, es gibt keine stilistischen Ticks, kein dramatisches Getue oder große Gesten, nichts Grelles oder Gefälliges. Es ist schlicht und einfach ein Film über genau beobachtete Charaktere und atemberaubende Landschaften, und er fühlt sich nie weniger als wirklich, emotional authentisch an.
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2002
Der Mittelteil zu sein, ist nicht einfach. Und doch, ohne einen definitiven Anfang oder ein Ende, übertrifft The Two Towers in jeder Hinsicht den zentralen Teil der Der Herr der Ringe-Trilogie – er erweitert Mittelerde und fordert die zerbrochene Gefährtenschaft auf neue Weise als das schiere Gewicht ihres Monuments heraus Aufgabe wird deutlich. Wenn die Geschichte von Frodo und Sam manchmal in den Sümpfen stecken bleibt, ist der Faden, der Aragorn, Legolas und Gimli nach Rohan schickt, absolut überzeugend. Auf technischer Ebene erlebte es mit Andy Serkis' ikonischem Gollum den Beginn der Bewegungserfassung – ein visueller Effekt, der bis heute größtenteils anhält, besonders wenn er auf originalen 35-mm-Drucken zu sehen ist, getragen von Serkis' fesselnder Leistung. Und dann ist da noch Helm's Deep – die erstaunliche Kampfsequenz, die als die beste der Trilogie gilt. Es definierte neu, was Fantasy-Kämpfe auf der großen Leinwand sein könnten, indem es meisterhaft Miniaturen und epische Sets für eine greifbar regengepeitschte Belagerung mischte. Versuchen Sie sich vorzustellen, dass Game Of Thrones ohne es existiert.
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2009
Nach Schleifhaus Finanziell enttäuscht, schlug Quentin Tarantino mit einem Epos aus dem Zweiten Weltkrieg zurück, das mit einer mutigen Prahlerei endet: „Ich denke, das könnte mein Meisterwerk sein.“ Unabhängig davon gewinnt sein Film Inglourious Basterds (in Anlehnung an den Namen des weitgehend unabhängigen italienischen Kriegsfilms The Inglorious Bastards von 1978) immer mehr an Bedeutung – ein Film mit deutlich erweiterten Kapiteln, von denen viele nicht einmal den titelgebenden Nazi-Film enthalten. Jagd auf jüdische Soldaten. Ob es darum geht, sich auf Christoph Waltz' hypnotisierenden, rücksichtslosen Nazi-Oberst Hans Landa (ein Anwärter auf den allzeit großartigen QT-Charakter) zu konzentrieren oder eine halbe Stunde einem halsbrecherisch angespannten Kneipenspiel hinter den feindlichen Linien zu widmen, Basterds ist 150 Minuten pure Unterhaltung – a Mittelfinger auf die Geschichtsbücher, der es französischen Kino-Nerds und südamerikanischen Helden ermöglicht, den Krieg zu gewinnen. Es ist Tarantino in seiner verspieltesten, endlos zitierbaren Form („Das ist ein Bingo!“), mit selbst für seine Verhältnisse brillantem Schreiben und großartigen Darbietungen obendrein (Waltz, Brad Pitt und Mélanie Laurent, um nur einige zu nennen). Verdammt, es könnte immerhin sein Meisterwerk sein.
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2017
'Wenn wir freundlich und höflich sind, wird die Welt in Ordnung sein.' Das zentrale Sprichwort von Paddington 2 könnte sich gerade jetzt nicht notwendiger anfühlen und verkörpert perfekt den Optimismus, die Reinherzigkeit und die schöne Einfachheit, die Paul Kings Fortsetzung zu einem so reinen Vergnügen machen. Paddington 2 verdoppelt alles, was den ersten Film so entzückend gemacht hat, und ist ein Film, dessen kuscheliges Äußeres vielleicht seine erstaunliche Handwerkskunst verbirgt: die Wes-Anderson-ähnliche pastellperfekte Palette, akribische Spielzeugkistenästhetik und sorgfältig kalibrierter Slapstick. Mit exzellenten Darbietungen von Sally Hawkins, Brendan Gleeson und insbesondere Hugh Grant – der in Bestform den schurkischen Luvvie Phoenix Buchanan spielt und sich dabei eine BAFTA-Nominierung einbrachte – ist es an jeder Front eine Peinlichkeit des Reichtums, die umso liebenswerter ist völliger Mangel an Zynismus. Wie der erste Film wirft er einen harten Blick auf regressive Einstellungen in Bezug auf Rasse und Einwanderung und schwelgt in einfachen Akten der Liebe und Freundlichkeit. Und Marmeladen-Sandwiches.
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2016
Niemand außer Taika Waititi hätte Hunt For The Wilderpeople machen können. Obwohl er auf Barry Crumps Roman „Wild Pork and Watercress“ basiert, ist die Stimme des Kiwi-Filmemachers in jedem Teil des Films zu spüren – seine klangliche Ausgewogenheit von ausdruckslosem neuseeländischem Humor und leiser Tragödie, Momenten visueller Fantasie und einem allgegenwärtigen Sinn für Menschlichkeit. Newcomer Julian Dennison ist unendlich liebenswert als 13-jähriger „böser Igg“ Ricky Baker, der versehentlich mit seinem neuen Vormund „Onkel“ Hec (einem herrlich schroffen Sam Neill) auf die Flucht geht, was zu einem bittersüßen Abenteuer mit ungleichen Paaren führt vermeidet süßliche Launen und wurzelt in echten Emotionen. Zusammen mit „What We Do In The Shadows“ war es der Film, der Waititis internationale Anziehungskraft festigte und ihn zum MCU und darüber hinaus trieb, um eine prominente und unverwechselbare Stimme in der aktuellen Filmlandschaft zu werden. Richtig majestätisch.
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2008
Zu sagen, dass der Humor in „In Brügge“ derb ist, bedeutet zu sagen, dass das Zentrum der Sonne „ein bisschen heiß“ ist – Martin McDonaghs Drehbuch für seinen existentialistischen Gangsterfilm ist beeindruckend bissig und lässt Sie oft verblüfft zurück, wenn die Worte aus dem Mund kommen der versteckten Killer Ray (Colin Farrell) und Ken (Brendan Gleeson). Nachdem ein Job schief gelaufen ist, warten die beiden in einem malerischen Fegefeuer auf weitere Anweisungen ihres Chefs in der malerischen belgischen Stadt des Titels („Es ist wie ein verdammtes Märchen oder so“) -Suchen in gleichem Maße wie das Gewicht ihrer Handlungen zusammenbricht. Die Witze mögen halsbrecherisch sein, aber es ist fast unmöglich, nicht zu lachen. Vor allem Farrell liefert eine fröhliche Darbietung ab, von der man später merkt, dass sie in totaler Tragödie und Selbsthass verankert ist. Es ist ein wilder Balanceakt, den McDonagh perfekt hinbekommt – und eine seltsam wirkungsvolle Werbung für Brügge.
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2015
Um die Brillanz von The Force Awakens zu verstehen, muss man sich daran erinnern, wo Star Wars vor 2015 war – das Erbe der Prequels, das noch immer nachklingt, der Sinn für Abenteuer und Vitalität, der längst vergangen ist. Der Film von JJ Abrams belebte die Skywalker-Saga mit einer buchstäblichen Suche nach der Wiederentdeckung des lange verlorenen Herzens der ursprünglichen Trilogie und predigte gleichzeitig, wie wichtig es ist, die Legende für eine neue Generation fortzusetzen. An dieser Front haben Sie Rey von Daisy Ridley und Finn von John Boyega – eine Frau und ein schwarzer Mann, die einen nicht mehr gigantischen Hollywood-Blockbuster moderieren, der immer noch überraschend selten ist – unterstützt von Adam Drivers faszinierendem Bösewicht Kylo Ren. Wenn es oft beschuldigt wird, auf Nummer sicher zu gehen, hat es auch Momente erzählerischer Chuzpe, die bei der ersten Veröffentlichung die Kinnlade herunterfallen ließen. Das Erwachen der Macht ist in vielerlei Hinsicht ein Rückfall – aber es ist auch absolut zeitgemäß und beweist, dass Star Wars für absolut jeden etwas sein könnte und sollte.
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2010
Wo Shaun Of The Dead und Hot Fuzz Edgar Wright als britischen Filmemacher mit einzigartigem Stil entlarvten, brachte Scott Pilgrim seine von der Popkultur geprägte visuelle Sensibilität auf Hochtouren. In Anlehnung an Bryan Lee O'Malleys beliebte Comicserie – über einen 20-jährigen Slacker aus Toronto, der sich in buchstäblichen Faustkämpfen dem Ex-Beziehungsgepäck seiner neuen Freundin gegenübersieht – kanalisiert Wrights dritter Film stilistische Ticks aus Videospielen, Comics, Anime, Sitcoms und mehr Musikvideos zu einem schillernden Ganzen. Es erweist sich als kurioses Gegenstück zu Spaced, dessen Leben der kulturbegeisterten Charaktere durch die Linse ihrer nerdigen Obsessionen gefiltert wurde – hier rast Michael Ceras Scott durch Seinfeld-Tagträume, Dance-Dance-Revolution-Kämpfe und Bassgitarrenschlachten mit übermächtigen Rockstar-Veganern. Es sind zwei Stunden ununterbrochene Stimulation mit makelloser Liebe zum Detail, revolutionär in der Art und Weise, wie abstrakte Bilder in Live-Action übersetzt werden – ein technisches Wunderwerk mit erstaunlichen Kampfszenen, einer erstaunlichen Besetzung, die ihrer Zeit voraus ist (Chris Evans! Brie Larson! Anna Kendrick! Aubrey Plaza!), Originalmusik unter anderem von Beck und Metric und eine Litanei berühmter Drehorte in Toronto. KO!
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2013
Die Aufmerksamkeit der Coen Brothers auf die New Yorker Folkszene der frühen 60er Jahre, mit einem Soundtrack, der wiederum von T-Bone Burnett betreut wurde, führte offensichtlich zu der Erwartung, dass Inside Llewyn Davis etwas in der Art eines anderen sein könnte Oh Bruder, wo bist du? . Es stellte sich heraus, dass es alles andere als einer ihrer eher düsteren, nachdenklichen Filme war, der sich auf Oscar Isaacs kämpfenden, oft ärgerlichen Musiker konzentrierte, da er nicht viel erreichen konnte. Versuche, diesen Soundtrack im Sinne von O Brother zu verkaufen, schienen den Punkt zu übersehen, dass viele der Songs absichtlich albern waren (Justin Timberlakes urkomisch düstere Pop-Auswahl über das Weltraumrennen ist das offensichtlichste Beispiel). Es ist Barton Folk, wenn Sie so wollen. Und für diejenigen, die es verstehen, ist es so gut, wie es sich anhört – einschließlich einer weiteren monströsen Wendung von John Goodman. Eines der besten der Coens, ein knochentrockenes Zitatenfest. Es wird Sie interessieren.
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2017
Denis Villeneuves späte Fortsetzung von Ridley Scotts Science-Fiction-Meisterwerk ist weniger ein Film als ein Wunder. Wie oft kommt es tatsächlich zu einem lang ersehnten Nachfolger eines Kultklassikers, geschweige denn zu einem eigenen Meisterwerk, das sich wie eine berechtigte Fortsetzung anfühlt? In Anbetracht von Scotts eigenen Bladerunner wurde bei der Veröffentlichung nicht geliebt, die gedämpften Kinokassen von 2049 sind weniger besorgniserregend – sein Vermächtnis ist sicher in den unauslöschlichen Bildern, die von Kameramann Roger Deakins heraufbeschworen wurden (der endlich einen längst überfälligen Oscar für seine Arbeit gewann), seinen beeindruckenden Subversionen des „Auserwählten“. ' Erzählungen und sein Universum, das sich wie ein Stück mit dem Original anfühlt, während es Neuland betritt. Abgesehen von Ryan Goslings neuem Blade Runner „K“ und der Rückkehr von Harrison Fords Rick Deckard wird es als der Film in die Geschichte eingehen, der die zukünftigen Stars Mackenzie Davis und Ana de Armas zu größerer Aufmerksamkeit brachte. Es ist ein Wunder, dass es existiert und dass es so brillant geworden ist. Bringen Sie Blade Runner 2079 irgendwann in den 2040er Jahren auf den Markt.
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2018
Der mexikanische Regisseur Alfonso Cuarón hatte sich in die Tiefen des Weltalls gestürzt Schwere und die Zaubererwelt in Harry Potter und der Gefangene von Askaban , aber für Roma erforschte er etwas noch Ehrgeizigeres: sein eigenes Gedächtnis. Der achte Spielfilm des Filmemachers ist sowohl zart nach innen als auch umwerfend weitläufig und erzählt eine einfache Geschichte in kühnen, brillanten Pinselstrichen. Cuarón – stets bestrebt, die Grenzen der Technologie auszureizen – verleiht Schwarzweißfilmen ein aufregend modernes Gefühl, indem die digitale High-Dynamic-Range-Fotografie jegliche Körnung entfernt, um gestochen scharfe, wunderschön umgesetzte Bilder zu hinterlassen. Die akribische, chaotische Nachbildung des Mexiko-Stadt der frühen 1970er Jahre fühlt sich unterdessen reich und menschlich an, vor allem dank zweier einfühlsamer Darbietungen von Marina de Tavira und Yalitza Aparicio (letztere hatte noch nie zuvor gespielt). Als Liebesbrief an eine Zeit, einen Ort und ein Gefühl ist es praktisch unschlagbar.
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2003
Nach zwei erstaunlichen Fantasy-Epen brachte Peter Jackson seine Mittelerde-Adaption zu einem donnernden Ende – oder mehreren donnernden Enden. Auch wenn es nicht so ordentlich ist wie Gefährtenschaft, so ist es doch eine erstaunliche Errungenschaft, die von reinen, ununterbrochenen Emotionen durchdrungen ist – sei es Frodos und Sams letzter Aufstieg auf den Schicksalsberg, Aragorns Auftritt als König von Gondor oder Eowyns Kampf gegen den Hexenkönig (' Ich bin kein Mann!'), treten seine schaurigsten Momente auf menschlicher (oder Hobbit-) Ebene auf, für einen in Feuer und Blut geschmiedeten Höhepunkt. Mit seinen Geisterarmeen und alptraumhaften Versatzstücken in Spinnenhöhlen ist „Die Rückkehr des Königs“ der Rings-Film, der es Jackson am besten ermöglichte, sich in dem Horrorterritorium zu versuchen, für das er seit langem bekannt war – und während Frodo weiter nach Mordor stapft, lastet der Eine Ring immer schwerer auf ihm ihm geht es weiter in ein unheimliches Psychodrama. Erstaunlicherweise setzt er auf ungefilterte Fantasy – und überzeugte trotzdem die genre-averse Academy, erhielt 11 Oscar-Nominierungen und gewann jede einzelne von ihnen, den besten Film eingeschlossen. Es verneigt sich vor niemandem.
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2006
Mit seinem unsichtbaren Auto, zwielichtigem CGI-Kitesurfen und fechtender Madonna, Stirb an einem anderen Tag machte deutlich, dass sich das James-Bond-Franchise ändern musste. Nach zwei Bourne-Filmen erhielt die Serie ihren bemerkenswertesten Neustart – sie tauschte nicht nur Pierce Brosnan gegen den damals umstrittenen Daniel Craig aus (erinnern Sie sich an die Aufregung um „Blonde Bond“?), sondern warf diesen witzigen, kampflustigen Ton für knallhartes Parkour ab, Nussklopfende Folter und ein Mangel an Geräten. Am bemerkenswertesten ist, dass es auf der Seite zu den Wurzeln von Bond zurückkehrte – indem es Ian Flemings ursprünglichen 007-Roman für eine engmaschige, fundierte Erzählung mit emotionalem Gewicht adaptierte. Beeindruckenderweise fühlte sich Casino Royale wie erstklassiger James Bond an und war gleichzeitig völlig neu – von seiner Schwarz-Weiß-Eröffnung, in der er seinen 00-Status verdient, bis zu seiner weit mehr als nur einer Bond-Girl-Rolle für Eva Green's Vesper Lynd – und gilt immer noch als der beste Ausflug im Craig-Kanon. Berücksichtigen Sie Mads Mikkelsen als blutrünstigen Bösewicht, und es ist ein Royal Flush.
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2019
Die Landung durchzuhalten ist unglaublich wichtig – fragen Sie einfach einen Game of Thrones-Fan. Dass Endgame 11 Jahre Blockbuster-Storytelling mit solch einer Emotion und Liebe zum Detail sowie einem Gänsehaut-Action-Spektakel verbunden hat, bleibt absolut bemerkenswert. Es enthält Threads aus dem gesamten MCU und konzentriert sich hauptsächlich auf die ursprünglichen sechs Avengers, darunter Tony Stark und Steve Rogers. Es ist ein Comic-Finale mit echten Einsätzen, ein Zeitreisefilm, der zur Siegesrunde für ein bahnbrechendes Kinouniversum wird, und ein mitreißender Abschied von den Helden, die lange seine zentralen Säulen waren. Von Moment zu Moment scheinen die Russo-Brüder und Autoren Christopher Markus und Stephen McFeely versessen darauf zu sein, jede einzelne Sekunde zählen zu lassen – von Moment zu Moment ringen sie Drama, Nervenkitzel, Lachen und emotionale Bauchschläge. Und wenn sich Captain America als würdig genug erweist, Mjolnir auf das Schlachtfeld zu rufen und sich Thanos zu stellen? Reines Kino.
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2009
Die ersten 10 Minuten von Pixar's Up sind so absolut und herzzerreißend menschlich, dass man den bevorstehenden vielfarbigen Wahnsinn leicht vergisst – ein weit entferntes Fantasy-Abenteuer mit sprechenden Hunden, einem großen Vogel mit Käferaugen namens Kevin und Luftkämpfen mit zwei Flugzeugen . Am anderen Ende der Skala haben Sie die Montage, die das gemeinsame Leben von Carl und Ellie entfaltet – ein Paar, das sich als Kinder kennenlernt, zusammen aufwächst, heiratet, mit einer Fehlgeburt, Unfruchtbarkeit und unheilbaren Krankheit konfrontiert ist und nie die Zeit findet oder Geld für die Paradise Falls-Expedition, von der sie lange geträumt haben. Es ist diese Mischung aus dem Ernsten und dem Surrealen, die Up zu einem solchen Wunderwerk macht, das einmal mehr die Kraft von Pixar sowohl in der Vorstellungskraft als auch in den Emotionen beweist und Trauer, Alterung, Erinnerung und die Bedeutung des Loslassens in einen Film einbezieht, in dem Heliumballons ein Haus tragen hinüber nach Südamerika. Wenn die erste Sequenz die ganze Aufmerksamkeit bekommt, kommt der eigentliche Kick später – als Carl erkennt, dass Ellie ihr „Abenteuerbuch“ mit Fotos ihres gemeinsamen Lebens ausgefüllt hat. Eine Ode an die alltäglichen Abenteuer, die ein Leben ausmachen.
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2019
Die Entstehungsgeschichte von Todd Phillips für Gothams Clown Prince Of Crime ist ein Paradoxon. Ein Comic-Film, der nicht wirklich auf einem bestimmten Comic basiert. Ein Kunstfilm vom Regisseur des Kater Trilogie, die die Art-Movie-Menge spaltete. Ein nihilistisches Spektakel, das die meisten Oscar-Nominierungen des Jahres einbrachte. Passenderweise ist es genauso schwer festzunageln wie der Joker selbst. Joker begeistert und bestürzt das Publikum in Scharen und leiht sich großzügig Anleihen bei etablierten Troubled White Man-Erzählungen, um einen Superschurkenfilm zu liefern, der Martin Scorsese mehr zu verdanken hat Taxifahrer und Der König der Komödie als bei Christopher Nolans Dark Knight-Trilogie. Phoenix ist aufschlussreich als erbärmlicher, bemitleidenswerter Arthur Fleck, dessen wachsende Unzufriedenheit und Größenwahn sich in eine reale Schurkerei verwandeln – eine Übung in psychologischem Horror, die zu Recht unbequem ist. Nach Logan stellte es eine weitere ausgereifte Entwicklung für den Comicbuchfilm dar – und bewies, dass DC-Anpassungen außerhalb der Universumsstruktur im Marvel-Stil gedeihen können.
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2014
Wes Andersons Filme waren schon immer schön – aber The Grand Budapest Hotel ist nicht nur sein vielleicht schönster Film, sondern handelt auch von der Wertschätzung der Schönheit in einer immer hässlicher werdenden Welt. Ralph Fiennes' schicker Frauenheld Gustave H lebt umgeben von gekünstelter Pracht, aber da die aufstrebenden Kräfte des Faschismus zunehmend auf die üppige Umgebung des Grand Budapest einwirken, fühlt sich seine Wertschätzung für Luxus zunehmend politisiert an. Die akribische Konstruktion des Films zeigt Anderson auf dem Höhepunkt seines Live-Action-Handwerks, seine wachsende Truppe regulärer Schauspieler wird immer absurder (Jeff Goldblum! Tilda Swinton! Saoirse Ronan!), sein skurriles Drehbuch ist vielschichtiger und nuancierter. Eine Geschichte innerhalb einer Geschichte innerhalb einer Geschichte, die in kunstvollen Schichten mit jeweils unterschiedlichen Seitenverhältnissen erzählt wird, sie ist gleichermaßen großartig und zart.
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2001
Richard Kellys brillant undurchsichtiger Donnie Darko, der Zeitreisen, tangierende Universen und finstere Kaninchen in Form eines Highschool-Dramas aufnimmt, war vom Moment seiner Veröffentlichung an ein absoluter Kultklassiker. Wie es bei diesen Dingen üblich ist, hat es bei seiner ersten Enthüllung praktisch nichts getan, aber später auf DVD eine phänomenale Anhängerschaft gewonnen, Jake Gyllenhaal eine Karriere beschert und Patrick Swayze außergewöhnlich gegen Typen eingesetzt. Kelly hat 2004 einen unnötigen Director's Cut zusammengestellt, aber beide Versionen sind im Kern eine besonders düstere Umkehrung von Es ist ein wunderschönes Leben , wobei Donnie erlebt, wie die Welt schlechter dran ist, wenn er das Düsentriebwerk überlebt, das auf mysteriöse Weise auf sein Schlafzimmer stürzt. Die Tatsache, dass der Schluss des Films eher transzendent optimistisch als ein massiver Wermutstropfen wirkt, ist Teil seines verdrehten Genies. Wir finden es irgendwie lustig, wir finden es irgendwie traurig.
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2017
Greta Gerwigs Spielfilmdebüt als alleinige Autorin und Regisseurin war dank ihrer Zusammenarbeit mit Noah Baumbach und Rollen in Filmen der Duplass Brothers, Whit Stillman, Mike Mills und anderen bereits eine Indie-Ikone und übertraf alle hohen Erwartungen. Gerwigs Coming-of-Age-Geschichte von Christine „Lady Bird“ McPherson, die ihre eigenen Teenager-Emotionen als Material nutzt, ist warmherzig und zutiefst einfühlsam und dreht sich um eine komplexe und glaubwürdig zerstrittene Mutter-Tochter-Beziehung. Laurie Metcalf ist hervorragend als Lady Birds verzweifelte Mutter, die die Liebe verkauft, die ihre ständigen Auseinandersetzungen und Missverständnisse untermauert, während Beanie Feldstein als beste Freundin Julie für große Lacher sorgt. Aber das ist Saoirse Ronans Film – ihr Lady Bird ist frühreif, narzisstisch, gelegentlich irritierend und total liebenswert. Gerwigs Liebesbrief an ihre Jugend, ihre Mutter und ihre Heimatstadt zeigt ihre Ersatzfigur, die verzweifelt versucht, all diesen Dingen zu entfliehen – was einem größtenteils lustigen und herzlichen Film eine bittersüße, melancholische Note verleiht. Lady Bird hat alles, was Coming-of-Age-Filme so fesselnd macht, erzählt von einer vitalen neuen Stimme.
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2016
Science-Fiction-Filme sind so oft das Kino der Ideen, dass sie oft kalt und verkopft wirken. Arrival ist ein äußerst intelligentes Filmemachen, aber es ist das seltene Sci-Fi der Emotionen, eines, dessen Begegnung mit Außerirdischen sich zu einer intimen persönlichen Geschichte summiert. Kurz vor Beginn der Trump-Präsidentschaft veröffentlicht, ist es ein Film über die Schönheit und Notwendigkeit der Kommunikation, die Notwendigkeit, sich um ein besseres Verständnis mit „Anderen“ zu bemühen – insbesondere mit denen, mit denen wir uns nicht instinktiv verbinden. Der Film von Denis Villeneuve ist in vielerlei Hinsicht außergewöhnlich – nicht nur wegen seiner zyklischen Erzählweise, sondern auch, weil er ein seltener Weltraum-Eindringling-Film ist, in dem die Invasion nicht konfrontativ ist, einer, der außerirdische Bilder heraufbeschwört, die sich zu Recht ungewohnt und unheimlich anfühlen. Und dann ist da noch Amy Adams, absolut herzzerreißend als trauernde Mutter, deren Rolle als Linguistin die emotionale Erlösung und Perspektive bieten könnte, die sie braucht, um ihr Leben fortzusetzen. Wie die Akademie sie vermisste, werden wir nie verstehen.
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2007
Einen der großartigsten Serienmörderfilme aller Zeiten abgeliefert zu haben Sieben , David Fincher hat es wieder mit einem Fall aus dem wirklichen Leben getan – dem Zodiac-Killer, der über ein Jahrzehnt lang in San Francisco zuschlug und nie gefasst wurde. Finchers Herangehensweise lässt sich mit dem herausragenden Slogan des Films zusammenfassen: „Es gibt mehr als einen Weg, sein Leben an einen Mörder zu verlieren“. Jake Gyllenhaal, Robert Downey Jr. und Mark Ruffalo sind der Karikaturist, Reporter bzw. Detektiv, die in den Versuch verwickelt sind, die kryptischen Briefe zu entschlüsseln, die der die Presse aufstachelnde Täter geschickt hat, dessen zunehmende Besessenheit und Hingabe an die Lösung des Problems Fall, der sein Leben enträtselt, während Antworten gerade außer Reichweite liegen. Finchers kühles Filmemachen passt perfekt zu dem schaurigen Fall – und die Morde, die sich manchmal am hellichten Tag abspielen, werden auf alptraumhafte Weise dargestellt. Zodiac ging dem True-Crime-Boom um mehrere Jahre voraus, eine äußerst befriedigende Uhr, trotz des inhärenten, ärgerlichen Mangels an Abschluss der Geschichte.
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2017
Es ist ehrlich gesagt verwirrend, dass es so lange gedauert hat. Während Marvel bereits 15 Filme tief in seinem filmischen Universum steckte, überholte DCEU es mit Wonder Woman, dem ersten Superheldenfilm mit weiblicher Front der Neuzeit – ein ungeheuer überfälliges Action-Abenteuer, das keinen Hehl aus der offenkundigen Weiblichkeit seines Helden machte , noch ihre immense Kraft. Alles an dem Film ist ernst und unverschämt – seine lebendige mythische Kulisse von Themyscira, dem reinen Herzen von Gal Gadots Diana Prince (so viel besser bedient als sie in ), die langsam brennende Beziehung zu Chris Pines lächerlich betiteltem Steve Trevor. Während es für das Genre ein notwendiger Schritt nach vorne ist, ist Wonder Woman auch angenehm altmodisch, von seinem überlegten Tempo bis zu seinem von Serien inspirierten Action-Adventure-Ton. Die wahre Wunderfrau ist natürlich die Regisseurin Patty Jenkins – die gefeierte Filmemacherin, die sich als unwahrscheinliche, aber ideale Wahl erwiesen hat, um diese Geschichte zu erzählen. Sie hat einen Film geschaffen, der wirklich für jeden etwas ist – aber der sich direkt an ein weibliches Publikum richtet, das im Blockbuster-Maßstab so stark unterversorgt ist. Her mit WW84 .
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2012
In den Tagen von Iron Man schien alles wie ein Wunschtraum zu sein. Und dann, vier Jahre später, war er da – ein Avengers-Film, der Tony Stark mit Captain America, Thor, Hulk, Hawkeye und Black Widow vereinte, Loki schlug und Chitauri-Aliens schlug, alles orchestriert von Autor und Regisseur Joss Whedon. Was für eine Welt. Es wirkt fast urig nach Endgame, aber damals war es fast undenkbar, dass ein Film so viele zentrale Charaktere unter einen Hut bringen konnte. Nachdem er jahrzehntelang Ensembles im Fernsehen bekämpft hatte, navigierte Whedon mit Leichtigkeit durch das Gewirr – er lieferte einen breiigen, farbenfrohen Blockbuster mit einem Gefühl der Leichtigkeit, der direkt im Widerspruch zu The Dark Knight Rises stand, das im selben Sommer veröffentlicht wurde. Indem das damals entstehende Marvel Cinematic Universe in ein lukratives, erzählerisch befriedigendes Crossover-Event eingebunden wurde, veränderte es das Blockbuster-Modell zum Guten (und Bösen) – und obwohl das MCU von diesem Zeitpunkt an nur größer wurde, ist es immer noch eine erstaunliche Leistung und eine ausgelassen gute Zeit. Stecken Sie diese Multi-Helden-Tracking-Aufnahmen in unsere Adern, im Captain America-Stil!
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2001
Jean-Pierre Jeunets vierter Spielfilm – sein zweiter als von Marc Caro geschiedener Solokünstler – ließ ihn die Dunkelheit hinter sich lassen Delikatessen , Die Stadt der verlorenen Kinder und Alien: Auferstehung , und treten Sie hinaus in den herrlichen Sonnenschein von Amelies skurrilem Fantasie-Paris. Es ist möglich, den Film so zu lesen, dass er sich um einen verrückten Stalker dreht: Audrey Tatous monomanische Titelfigur, die unerbittlich den unglücklichen Matthieu Kassovitz um einen halluzinatorischen Montmartre verfolgt (der wegen seiner überwältigenden Weiße einige berechtigte Kritik auf sich zog). Aber sein Platz auf der Liste spiegelt wider, dass der Geist des Films wie beabsichtigt bleibt: eine süße, nostalgische, sentimentale, herrlich sommerliche Comedy-Romanze, die sich inmitten von Jeunets außergewöhnlicher Designästhetik und regelmäßiger Repräsentanten (einschließlich Dominique Pinon, Ticky Holgado und Rufus) abspielt. Zu seiner langen Liste zufälliger Freuden gehören Amélies eigene Listen von Dingen, die sie mag und nicht mag, eine Idee, die aus Jeunets ebenso wunderbarem Kurzfilm Foutaises von 1989 entwickelt wurde.
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2017
Ein Film widersprüchlicher Natur und Emotion: Wut und Liebe, Aggression und Zärtlichkeit, Gelegenheitssex und tiefe emotionale Bindungen. God's Own Country konzentriert sich auf eine interkulturelle schwule Beziehung, ist Yorkshire-pragmatisch, ohne mürrisch zu sein, und bewahrt ein sinnliches, Heaney-artiges Gefühl für das Land und die bahnbrechende Arbeit, die es braucht, um es zu erhalten. Jeder, der bei Hardcore-Kälberaktionen zimperlich ist, sollte sich vielleicht wappnen. In vielerlei Hinsicht ist es Andrea Arnold nicht unähnlich Sturmhöhe – die Antithese zum postkartenhaften, exportfreundlichen britischen Kino. In der Vision von Regisseur Francis Lee und Kameramann Joshua James Richards sind die Dales so düster und unversöhnlich wie schön. Es ist ein emotional gebildeter Film über Charaktere, denen es leichter fällt, nicht zu kommunizieren – vieles bleibt unausgesprochen, aber dank der zentralen Auftritte von Josh O'Connor und Alec Secareanu spürt man es trotzdem: roh, engagiert und wahrhaftig, ganz wie der Film selbst .
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2014
Inzwischen kennt sicherlich jeder die bemerkenswerte Einbildung von Boyhood: Zwölf Jahre lang stellte Regisseur Richard Linklater jeden Sommer eine kleine Besetzung und Crew zusammen, um ein Kapitel dessen zu drehen, was ein episches Teenagerdrama werden sollte, eigentlich ein Coming-of-Age-Film zeigt das Alter auf dem Bildschirm an; der sechsjährige Mason (Ellar Coltrane), der sich vor unseren Augen in einen mürrischen Teenager verwandelt. Nach der Veröffentlichung lag der Fokus verständlicherweise auf dieser Einbildung. Aber trotz (oder vielleicht wegen) seines zentralen „Gimmicks“ ist die wahre Errungenschaft von Boyhood die tiefe Weisheit, die es darüber vermittelt, was es bedeutet, ein Mensch zu sein. Linklater hatte sich zuvor an langen, nachlässigen Filmen über nichts und alles versucht, aber hier fängt er irgendwie das Unaussprechliche, die nicht greifbare Essenz des Lebens ein, in all seinem Klang und seiner Wut, chaotische Menschen, die gegen ein teilnahmsloses Universum schlagen. 'Was ist der Punkt?' Mason fragt seinen Vater Mason Sr. (Ethan Hawke) gegen Ende des Films. 'Ich weiß es verdammt noch mal nicht', gesteht Mason Sr.. „Wir sind alle nur Flügel.“ Das ist Boyhood – und Leben – auf den Punkt gebracht.
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2019
Martin Scorsese hat viele Gangsterfilme gedreht – aber keinen wie The Irishman. Die Mischung aus dem mehrere Jahrzehnte umfassenden Storytelling von Goodfellas mit dem ruhigen, nachdenklichen Ton von Schweigen , Scorsese brachte Robert De Niro, Joe Pesci und Harvey Keitel wieder zusammen und brachte sogar Al Pacino in die Mischung für die ultimative Gangsterfilmbesetzung. Wenn die Geschichte – eine Biografie von De Niros Killer Frank „The Irishman“ Sheeran, der das mögliche Schicksal des verschwundenen Gewerkschaftsführers Jimmy Hoffa postuliert – den kriminellen Untergrund und die amerikanische Politik aufgreift, ist es unter der Oberfläche ein Film über Sünde, über Abwesenheit, die Erdrückendes Gewicht und schiere Isolation, die aus einem Leben voller Verbrechen resultieren. Es wurde viel Wert auf den minimalen Dialog gelegt, der Anna Paquin als Sheerans Tochter gewährt wurde – aber ihre Präsenz ist schneidend, ihre Stille ohrenbetäubend und verweigert ihrem Vater die Vergebung, die er sucht, wenn er mit seiner Sterblichkeit konfrontiert wird. Als Netflix-Originalfilm signalisierte er die wachsende Schlagkraft von Streaming-Diensten bei der Produktion von Prestige-Filmen – und erhöhte die erheblichen Produktionskosten, die traditionelle Studios nicht hätten.
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2003
Nach dem Herunterwählen der QTisms ganz leicht an Jackie Brown , trat Tarantino in das 21. Jahrhundert ein, indem er seine Sensibilität für seinen rasenden Rachefeldzug auf Hochtouren brachte. Vol. 1 ist der Indie-Autor im vollen Popcorn-Modus, eine lebendige und schillernde popkulturelle Odyssee, die Kung-Fu-Filme, japanische Animes und Grindhouse-Ausbeutung umfasst. Uma Thurman haucht Tarantinos akribisch entworfener Hyperrealität als The Bride, deren brutale Schläge an ihrem Hochzeitstag einen blutigen Racheakt entfachen, grausame Menschlichkeit ein – und sie wurde auch sofort zu einer ikonischen Actionheldin, dem Showdown von Crazy 88 im House Of Blue Leaves bleibt ein aufsehenerregendes Kino, auch wenn es abrupt auf Schwarzweiß umschaltet. Fans von Tarantino-Dialogen bevorzugen vielleicht die gesprächigeren, launischeren Vol. 2 , aber dieser Eröffnungsakt macht so viel Spaß wie QT – der Filmemacher genießt eindeutig die Chance, mit Form, Chronologie und, was noch wichtiger ist, Samurai-Schwertern zu spielen.
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2000
Ernsthaft kluges Zeug. Das Folgende war vielleicht sein offizielles Spielfilmdebüt, aber Memento ist der Film, der Nolan wirklich als eine intellektuelle filmische Kraft ankündigte – der Kern von allem, was in den kommenden Jahren zu seinem Markenzeichen werden sollte. Es danach aufzulösen ist nervig – man braucht ein Whiteboard, mehrere Garnknäuel und einen Stapel eigener Polaroids, um es wirklich zu kartieren – aber im Moment ist es unglaublich fesselnd, herausfordernd, ohne unverständlich zu sein. Als Detektivgeschichte mit Kurzzeitgedächtnisverlust aufgebaut, entfaltet Nolan die Handlung rückwärts, sodass der Zuschauer immer nur so viel weiß wie Guy Pearces amnesischer Witwer, und hinterlässt sich selbst Hinweise in Form von Tätowierungen und Polaroidfotos, um das seiner Frau zu lösen Mord. Aber bevor er diese großen Budgets hatte, faszinierte Memento allein mit seinem Drehbuch, einem Film, in dem der Anfang das Ende ist und die Wahrheit nur das ist, was man glauben soll. Heutzutage beschwört Christopher Nolan schillernde Blockbuster-Visuals herauf, um sein chronologisch komplexes Geschichtenerzählen aus Puzzleboxen zu ergänzen. (Lesen Sie dies nun rückwärts, Satz für Satz.)
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2017
Der Film, den Luca Guadagnino als Lückenbüßer inszenierte, bevor er in den Ballett-Hexen-Horror einstieg Seufzer wurde schließlich sein beliebtestes Werk. Von James Ivory nach dem Roman von André Aciman adaptiert (und die expliziteren Elemente des Buches abgeschwächt), ist es eine träge Tondichtung über beunruhigende Anziehung und emotionale Desorientierung: eine Coming-of-Age-Geschichte aus einer Richtung und einer homoerotischen Lolita von der anderen. Gefilmt bei natürlichem Licht in der italienischen Region Lombardei, können Sie fast die Sonne spüren und sich in der verführerischen Atmosphäre eines gemächlichen Sommers der 1980er Jahre sonnen, in dem es nichts zu tun gibt, als zu lesen, Fahrrad zu fahren, zwischen den Obstbäumen spazieren zu gehen und sich in den Hunky Ihres Vaters zu verlieben Amerikanischer postgrad. Romantisch, sinnlich und herzzerreißend zu gleichen Teilen.
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2016
Whiplash-Regisseur Damien Chazelle folgte seinem klaustrophobischen Thriller mit klaustrophobischen Beckenschlägen mit einem ganz anderen Jazzfilm. La La Land ist ein alles singendes und tanzendes Original-Filmmusical, das in den weitläufigen Weiten von Los Angeles schwelgt – ein Hollywood-Film über Hollywood, inspiriert vom Goldenen Zeitalter Hollywoods. Es ist spielerisch mit seinen Beschwörungen der Vergangenheit, liefert Retro-Technicolor-Visuals, Szenen, die auf dem Warner Bros-Backlot spielen, und ein Traumsequenz-Soundstage-Finale, das Leuten wie Hommage erweist Im Regen singen zu Die Regenschirme von Cherbourg . Wenn es absichtlich ein Rückfall ist, ist es auch zeitgenössisch – ein Film, in dem iPhone-Klingeltöne Stepptanznummern unterbrechen, Emma Stones Möchtegern-Schauspielerin Mia einen Prius fährt und Ryan Goslings Jazzpianist Keytar in einer 80er-Coverband spielt. Das Paar versprüht Charme, zwei wunderschöne Menschen, die sich vor der Kulisse von L.A. im Dauer-Golden-Hour-Modus ineinander verlieben. Sie halten auch bei den musikalischen Nummern beeindruckend mit – eine Reihe von herzzerreißenden Hits, die oft in herausragenden Einzelaufnahmen aufgenommen werden. Zusammen mit Hamilton machte es Musicals wieder cool und löste einen Kassenboom bei Musicalfilmen aus.
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2002
Bei Fernando Mereilles erstem Film als Soloregisseur fragt man sich, wie jemand jemals die Kamera mit jemandem mit solch einem Weitblick geteilt hat. Es ist ein intensiver, spannender, viszeraler Blick aus der Kinderperspektive auf den brutalen Bandenkrieg in den brasilianischen Favelas; die Stadt des Titels. Die Erzählung umfasst etwas mehr als ein Jahrzehnt auf den Straßen, die die Bullen – eigentlich nur eine weitere Bande – zu betreten fürchten: ein Ghetto, das bewusst sozial geplant wurde, um die Armen von Rios Stränden und Stadtzentren fernzuhalten. Die Stadt ist ein Ort, an dem Kriminalität praktisch die einzige Option für die weitläufige Besetzung ist, aber Mereilles bittet nie um Mitgefühl und ist niemals abgedroschen. Eine außergewöhnliche Sequenz folgt dem Leben einer Wohnung vom Familienheim bis zur Drogenhöhle. In einem anderen führt ein entkommendes Huhn die Kamera in ein Kriegsgebiet. Es ist ein sensorischer Angriff; fast eine Tortur. Aber es gibt auch Humor inmitten des ungestümen Ansturms von Lärm, Farbe und Gewalt.
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2000
Bist du nicht unterhalten? Wie könnte jemand nicht von Ridley Scotts Gladiator mitgerissen werden – einem geradlinigen Schwerter-und-Sandalen-Historienepos, das sich fünf Oscars schnappte und blutbespritzte Enthauptungen zeigt? Scott drehte den Film zu einer faszinierenden Zeit – in den letzten Tagen von Studiofilmen, die auf riesigen praktischen Sets gedreht wurden, und zu den Anfängen von CGI-Verschönerungen. Durch die Kombination der beiden ist das Ergebnis ein Film, der sich greifbar und taktil anfühlt und immer noch mit seinen Kampfszenen, Showdowns im Amphitheater und der Beschwörung des römischen Apergo auf seinem Höhepunkt beeindruckt. Russell Crowe spielt Maximus Decimus Meridius – Vater eines ermordeten Sohnes, Ehemann einer ermordeten Frau und so weiter – den Militärgeneral, der in den Gladiatorenkampf gezwungen wird, der den Ring regiert und Rache gegen Joaquin Phoenix' verweichlichten, väterlichen Commodus plant . Bemerkenswert für seine Emotionen – große Requisiten für Hans Zimmers prächtige Partitur – sowie für seine bombastischen Produktionswerte, Gladiator steht Kopf und Schultern über den Nachahmern ( Troja , Alexander ) es inspiriert.
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2006
Die düstere Zukunft Londons, die Alfonso Cuarón in seinem dystopischen Drama heraufbeschwört, ist so glaubhaft, dass man noch immer kaum ausschließen kann, dass sie eines Tages eintreten könnte. Seine fesselnde Eröffnungsszene, in der ein Café ausgebombt wird, wobei Clive Owens Theo knapp verfehlt wird, ist eine Absichtserklärung für den Realismus, die erweiterten Einstellungen und das düstere Weltgebäude, das Cuarón für die verbleibende Laufzeit erweitert. Entstanden inmitten des Wirbels des Irakkriegs, als die Angst vor Terroranschlägen auf einem Allzeithoch war (ein halbes Jahrzehnt nach dem 11. September und mit den Bombenanschlägen vom 7. Juli in London, die noch unglaublich frisch in Erinnerung sind), ist es ein Film über Angst und Chaos und moralisch fragwürdige Militärinterventionen. In der Darstellung einer Welt, in der die Menschheit unfruchtbar geworden ist und kurz vor dem Aussterben steht, gibt es Hoffnung in Form der auf mysteriöse Weise schwangeren jungen Frau Kee (Clare-Hope Ashitey) – und wenn der letzte Moment eine einsame, flackernde Flamme des Optimismus weckt, bietet er sich nie vollständig an die Katharsis, nach der du dich sehnst. Spannend und kompromisslos.
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2014
Christopher Nolan-Filme neigen nicht dazu, emotional zu sein. Aber als er an den Rand eines schwarzen Lochs schoss, lieferte der Filmemacher sein aufrichtigstes Werk ab – eine Vater-Tochter-Geschichte vor dem unendlichen Kosmos, über die Art und Weise, wie Liebe Zeit und Raum transzendiert. Wenn man bedenkt, wie intergalaktisch und metaphysisch alles wird, ist der Eröffnungsakt – der eine von Dust Bowl inspirierte zukünftige Erde darstellt, auf der Mais die letzte lebensfähige Ernte ist – aufregend geerdet, was es umso wirkungsvoller macht, als der NASA-Pilot und Farmer Coop (a Peak-McConaissance Matthew McConaughey) begibt sich auf die Suche nach einer lebensfähigen neuen Heimat für die Menschheit zu den Sternen. Von seinem Planeten mit klippenhohen Wellen bis hin zu seinen erstaunlichen Beschwörungen von lichtbrechenden Wurmlöchern (komplett mit realistischer Physik) ist Interstellar Nolan in seiner expansivsten Form – aber ob es diese transdimensionale Bücherregalszene oder der herzzerreißende Moment ist, in dem Coop seine Kinder beobachtet In einer Montage von Videobotschaften aufzuwachsen, die aus einer Planetenexpedition hervorgegangen sind, die aus bloßen Stunden Jahrzehnte von Erdenjahren gemacht hat, ist wunderbar menschlich. Ein Nolan-Film, der Ihre Tränendrüsen anzapft, während er Ihre grauen Zellen testet.
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2013
Das Oeuvre von Martin Scorsese hängt weitgehend von Gaunern und Erforschungen der Religion ab. The Wolf Of Wall Street ist beides – ein Film über einen Gauner, der ein evangelikaler Prediger von Amerikas einzig wahrer Religion ist: dem Kapitalismus. Die Geschichte von Jordan Belfort ist eine Geschichte von unerträglichem Reichtum und zügellosem Exzess, die Scorsese in einen dreistündigen Kopfrausch aus Gier, Drogen, Sex, nackten Marschkapellen und Börsentricks verwandelt, wobei der Filmemacher sich dem gesamten Schnitt hingibt und stilistische Tricks in ihrer auffälligsten Form. Weitläufige Kamerafahrten, die vierte Wand durchbrechend, Rat-a-Tat-Voiceover? Sie sind alle hier und warten darauf, wie eine riesige Reihe filmreifer Kokaine hochgehupt zu werden. Wenn der Film selbst in all der Dekadenz schwelgt, ist es eine vernichtende Anklage gegen Belfort – eine neue Art amerikanischer Gangster, ein Wirtschaftskrimineller der nächsten Stufe, der nicht einmal die Ehre hat, sich selbst einen Dieb zu nennen – und die ganze Nation bietet ihm eine so leichte Erlösung. Aber deshalb funktioniert The Wolf Of Wall Street so gut – es verkauft Ihnen einen hohlen Albtraum, der so glatt und glänzend ist, dass Sie fast versucht sind, ihn zu kaufen.
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2015
Es gibt emotional intelligentes Geschichtenerzählen und dann gibt es Inside Out – eine intelligente Geschichte über Emotionen, die in einem Abenteuer für alle Altersgruppen bemerkenswert scharfsinnige Einblicke in die Conditio Humana bietet. Indem er die Gefühle des fast jugendlichen Riley – Freude, Traurigkeit, Wut, Angst und Ekel – in einer Zeit der Turbulenzen vermenschlicht, kombiniert Regisseur Pete Docter die Schärfe von Up mit dem fantasievollen Weltaufbau von Monster AG. und trifft auf etwas Reales über die Art und Weise, wie wir Erinnerungen und Emotionen verarbeiten. Es ist unmöglich, nicht davon betroffen zu sein – von dem Moment an, in dem Riley geboren wird und pure Freude verspürt, als sie ihre Eltern zum allerersten Mal sieht, bis zu ihrem abschließenden Argument, dass es in Ordnung, ja sogar notwendig ist, Traurigkeit zu fühlen und anzunehmen. Inside Out ist so psychologisch scharfsinnig wie ein Christopher-Nolan-Film, selbst nach Pixar-Maßstäben umwerfend kreativ (Dream Productions! Abstraktion! Der Gedankengang!) und dazu bestimmt, Generationen von Zuschauern ein besseres Verständnis ihrer eigenen innersten Gefühle zu vermitteln. Was auch immer Sie tun, erwähnen Sie Bing Bong nicht.
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2001
Aus dem Pilotfilm für eine aufgegebene TV-Serie erweitert, hat Mulholland Drive das Gefühl, dass die Erfindung aus der Notwendigkeit gesponnen wird – aber was für eine Erfindung. David Lynchs bedrückender Hollywood-Albtraum ist eine endlose Erzählschleife, in der Naomi Watts zwei Charaktere spielt, die jeweils den anderen träumen. Christopher Nolan und Wes Craven haben ikonische Filme gedreht, die sich um Träume drehen, aber es ist fast ausschließlich Lynch, der zu verstehen scheint, wie Traumlogik tatsächlich funktioniert, und in der Lage ist, sie auf die Leinwand zu übertragen. Eigenartige Ereignisse werden so präsentiert, als wären sie die normalsten Dinge der Welt – und obwohl die Bedeutung da ist, fühlt es sich an, als wäre sie einfach unerreichbar. Seltsame Charaktere tauchen ein und aus, verhalten sich seltsam und machen gnomische Äußerungen. Disparate, scheinbar unverbundene Szenen fügen sich irgendwie zu einer Art zusammenhängendem Ganzen zusammen. Sie sind sich nicht sicher, was Sie überhaupt gesehen haben, da der Film an seinem Anfang endet.
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2018
Im Jahr 1995, Spielzeuggeschichte den Mainstream-Animationsfilm neu erfunden, und Hollywood blieb dort hängen. Es dauerte über 20 Jahre, bis ein weiterer großer Studiofilm das Paradigma veränderte – treten Sie in Into The Spider-Verse ein und erfanden praktisch einen völlig neuen Animationsstil, um seine Erzählung von aufeinanderprallenden Universen und mehreren Spider-People zu erzählen. Durch das Mischen von 2D- und 3D-Frames mit Comic-Papiertexturen, das Zusammenführen unterschiedlicher Frameraten in derselben Aufnahme und das Versehen von Hintergründen mit einem unscharfen Rot- und Blau-3D-Farbton unterscheidet es sich völlig von allem anderen da draußen - und das ist, bevor Sie einen Anime Peni Parker bekommen, der den Bildschirm mit dem von Looney Tune inspirierten Spider-Ham und einem schwarz-weißen Spider-Man Noir aus den 1930er Jahren mit Nic Cage-Stimme teilt. All dies wäre beeindruckend genug, aber die Geschichte selbst – die dem Afro-Latino-Fanliebling Miles Morales endlich einen filmischen Auftritt beschert – bekennt sich nachdrücklich zu seiner Prämisse „Jeder kann die Maske tragen“. Die offensichtlichen Fingerabdrücke der Produzenten Phil Lord und Christopher Miller (der ehemalige Co-Drehbuchautor) stellen sicher, dass der Film ebenso urkomisch wie einfallsreich ist, vollgepackt mit selbstreferenziellen Gags, die die erzählerischen Curveballs ergänzen. Die ultimative Hommage an Steve Ditko und Stan Lee.
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2001
Für eine westliche Welt, die mit Disney-Filmen aufgewachsen ist, war Spirited Away eine erfrischende Abwechslung – reines, ungeschnittenes Studio Ghibli. Mit Badehäusern, Geistern der Shinto-Folklore und Moral ohne klare Unterscheidung von Gut und Böse ist Hayao Miyazakis größter Crossover-Hit eindeutig japanisch. Sein Erzählbogen und seine Charaktere fühlen sich deutlich anders an als konventionellere britische und amerikanische Animationen – vom unheimlichen, unergründlichen No-Face bis zum antagonistischen Badehausbesitzer Yubaba. Aber das ist auch ein Hauptgrund, warum es verbunden ist – Spirited Away ist zugänglich, aber nichts daran fühlt sich verwässert an. Es ist natürlich auch absolut schön – grenzenlos fantasievoll, in prächtige Farben getaucht und von Joe Hisaishi umwerfend vertont. Zu den kulturellen Besonderheiten gehört eine Universalität des Erwachsenwerdens in der jungen Heldin Chihiro, die gezwungen ist, für sich selbst zu sorgen, als ihre Eltern in Schweine verwandelt werden, und ihren Einfallsreichtum und ihre Freundschaft mit dem Jungen-Drachengeist Haku nutzt, um sich ihre Freiheit vom Geist zu verdienen Welt. Es ist der Film, der Studio Ghibli – und Anime im Allgemeinen – dem westlichen Mainstream-Publikum näher gebracht hat, ein Einfluss, der sich zunehmend in der Art von bemerkbar macht Vaiana und Gefroren II .
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2004
Die einzige High-Concept-Sci-Fi-Idee, die Michel Gondrys zerebralem zweiten Merkmal zugrunde liegt, ist die Löschung der Erinnerung. Beschrieben als „technischer Hirnschaden“, dient es dennoch als Vehikel für eine Meditation über romantische Verbindungen, Kommunikation und die Rolle des Erinnerns in unserer Menschlichkeit und Persönlichkeit. Dies ist Drehbuchautor Charlie Kaufman in seiner verspieltesten und kompliziertesten, aber auch diszipliniertesten Form. Eternal Sunshine ist kein Film, der funktionieren würde, wenn seine Struktur nicht wasserdicht wäre, was es umso beeindruckender macht, dass die Geschichte, obwohl sie in Bezug auf ihre Zeitlinien gewunden komplex ist, niemals undurchdringlich ist. Es ist auch eine Hommage an Gondrys geschickte Regie und Valdis Oskarsdottirs geschickte Bearbeitung sowie an die Darbietungen von Jim Carrey (der seine Reichweite gewinnbringend erweiterte, wie er es in getan hat Die Truman Show und Mann im Mond ) und Kate Winslet. Sie kennen das alte Schema: Ein Introvertierter und ein Extrovertierter gehen in einen Zug …
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2014
So straff wie eine Snare, so belebend wie ein Beckenkrachen und mit einer Spannung, die Ihr Herz wie eine Bassdrum schlagen lässt – Damien Chazelles Regiedebüt bewies, dass die Welt des Jazz-Schlagzeugs wirklich die Quelle eines sofortigen klassischen Thrillers sein könnte. Miles Teller ist Andrew, der Schüler, der bereit ist, es auf dem Schlagzeug zu verprügeln, bis seine Hände bluten, und JK Simmons ist Terence Fletcher, der Lehrer, der fest entschlossen ist, ihn durch die Hölle zu treiben, um Größe zu erreichen – eine hektische und wilde Erforschung giftiger Männlichkeit Generationen. Während sich eine Reihe von psychologischen Batterien in einen Willenskampf verwandelt, steigert Chazelle die rasende Intensität mit totaler Kontrolle – und liefert einen erstaunlichen letzten Akt ab, der ebenso kathartisch ist wie einen Herzstillstand auslöst. Kommt von Blumhouse, der Produktionsfirma, die eher mit gut ausgefeilten Jump-Scare-Filmen in Verbindung gebracht wird Heimtückisch und Unheimlich , es fühlt sich nicht unangebracht an, Whiplash einen Beinahe-Horrorfilm zu nennen. Nie hetzen, nie schleppen – das ist genau unser Tempo.
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2007
No Country For Old Men gilt als der beste Film, den die Coen-Brüder nach der Jahrtausendwende gedreht haben – was angesichts der Karriere, die Joel und Ethan in den letzten 20 Jahren hatten, etwas aussagt. Ihre Adaption des Romans von Cormac McCarthy ist in jeder Hinsicht ein Dauerbrenner, und nachdem man sie ein Jahrzehnt oder länger verdauen ließ, ist völlig klar, dass es sich um das Hauptwerk der Brüder handelt: ein langsames, seltsames, nihilistisches Meisterwerk. Die dunklen, gewalttätigen Tendenzen der Coens passen perfekt zu McCarthys düsteren, existentiellen Themen. Erzählt mit Roger Deakins' kalter, fesselnder Kameraarbeit und einem Trio der besten Leistungen seiner Karriere von Tommy Lee Jones, Javier Bardem und Josh Brolin (die fast nie den Bildschirm teilen, sich aber in unterschiedlichem Maße verfolgen), fühlt es sich an wie ein ruhiges, angespanntes Ringen für die Seele der Menschheit. Und wie Sheriff Bells Traum, der am Ende des Films in Erinnerung gerufen wird, ist dies eine dunkle, mysteriöse Geschichte ohne glückliche Lösung.
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2007
Die Bildsprache von Paul Thomas Andersons Quasi-Western könnte nicht eindrucksvoller sein: Öl, Feuer, Blut und Daniel Day-Lewis, der sich mit einem Grinsen einer Cheshire-Katze durch all das krallt, die Übel des Kapitalismus in Person. Es beginnt mit einigen Minuten, in denen sein Daniel Plainview in einem Loch herumkrabbelt und von da an nur noch kompromissloser wird – er hält Sie fast drei Stunden lang mit seinem hasserfüllten, amoralischen, aber absolut hypnotischen Bösewicht fest. Day-Lewis ist transzendent als aufstrebender amerikanischer Teufel, ein schlurfender, schreiender Horror von einem Mann („Ich habe dir gesagt, ich würde dich essen!“), der alles und jeden um sich herum als etwas sieht, das er ausbeuten kann, einen Milchshake, den er trinken kann – eine Kraft der Austrocknung und des Konsums, die nicht aufgehalten werden kann und will, die Folgen sind im wahrsten Sinne des Wortes verdammt. Es ist eine Aufführung und ein Film, der dich zerkaut, bevor er dich erschöpft und mit tintenschwarzem Öl durchtränkt mit zwei einfachen Worten ausspuckt: „Ich bin fertig“.
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2003
So wie Wes Anderson es in The Royal Tenenbaums getan hatte, nutzte Sofia Coppolas Lost In Translation einen zerknitterten, müden, schiefen Bill Murray. Aber es war Scarlett Johansson, die hier die Offenbarung war: Ihr dreizehnter Film fühlte sich wie ihre echte Ankunft an. Der Aufbau – ein ungleiches Paar, das in einer unbekannten Stadt zusammenlebt – hätte sich für eine konventionellere Fisch-auf-dem-Wasser-Romantikkomödie eignen können, aber Coppolas ausdruckslose Anti-Romantik lehnt sich stattdessen an die emotionale Verwirrung seiner beiden Hauptfiguren an in einem (für sie) fremden Tokio. Es ist, als hätte der Film selbst einen Jetlag: eine Mumblecore-Sensibilität, die in eine formellere Ästhetik übersetzt wird, mit dem abschließenden Witz, dass wir nicht verstehen können, was Murray Johansson ins Ohr flüstert. Wir wissen nur, dass es nicht „Ich liebe dich“ war. Dies ist kein Film über zwei Seelen, die sich finden, sondern über zwei Fremde, die zusammen einsam sind. Fast magisch, es ist trotz sich selbst romantisch.
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2006
Guillermo del Toros Meisterwerk ist teils Fantasy, teils historischer Kriegsfilm – in dem die fantastischen Sequenzen kaum eine Atempause von den faschistischen Schrecken sind, die die reale Welt belagern. Mittendrin gefangen ist die junge Ofelia (Ivana Baquero), die sich tagsüber um ihre schwangere Mutter kümmert und dem Zorn ihres brutalen Stiefvaters, Sergi López' Kapitän Vidal, aus dem Weg geht, und nachts drei jenseitige Aufgaben übernimmt, um Unsterblichkeit und Unsterblichkeit zu erlangen Kehren Sie in das Feenreich zurück, von dem der knarrende Faun Pan glaubt, dass sie stammt. del Toro beschwört das Reale und das Unwirkliche mit gleicher Sorgfalt und Vitalität herauf und schafft einen Film voller unvergesslicher Bilder – sei es Vidal, der von einem Rebellen ein Joker-Lächeln erhält, oder der erschreckende bleiche Mann mit den Augen, der Feen die Köpfe abbeißt Er jagt Ofelia durch seinen Bankettsaal. Es ist eindringlich schön, das beste Beispiel dafür, wie del Toro die Monströsität des menschlichen Bösen mit echten Fantasy-Monstern verstärkt, mit einem tragischen, transzendenten Höhepunkt, der schwer zu erschüttern ist.
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2017
'Wenn ich könnte, hätte ich für eine dritte Amtszeit für Obama gestimmt.' Mit messerscharfen Dialogen und scharfsinnigen Beobachtungen kündigte Jordan Peeles Debütfilm als Autor und Regisseur ihn als meisterhaften Filmemacher an – der an der Oberfläche des vermeintlich liberalen Amerikas kratzte, um den schwärenden Rassismus aufzudecken, der sich direkt unter einer progressiven Fassade verbirgt. Durch die Mischung von Satire mit Genre-Tropen gelang ihm mit Get Out etwas Besonderes – ein Film über die Schrecken von Vorurteilen und die soziale Angst, die Afroamerikaner in überwiegend weißen Räumen erleben, geliefert mit packenden Wendungen, laut lachenden Gags und resonante visuelle Metaphern. Daniel Kaluuya wurde ein internationaler Star für seine Rolle als Chris, der Fotograf, der die Stadt verlässt, um die Eltern seiner weißen Freundin zu treffen – und entdeckt, dass es mehr gibt, als man denkt. Unheimlich, äußerst unterhaltsam, mit einer allzeit klassischen Szene, in der Chris in den „Versunkenen Ort“ hinabsteigt, hat „Get Out“ alles, was einen großartigen Horrorfilm ausmacht – und er knackte sogar die Oscars, gewann das beste Originaldrehbuch und den besten Film , Regisseur und Schauspieler Nomen. Peele leitete eine neue Ära des sozialen Horrors ein – eine Wirkung, die in den kommenden zehn Jahren zunehmend zu spüren sein wird.
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2018
Der Höhepunkt des gesamten Marvel Cinematic Universe, das jeden Winkel von den kosmischen Guardians Of The Galaxy bis zum erdgebundenen Captain America zusammenbringt, hätte ein Triumph sein sollen – und das ist er auch, aber es ist auch eine epische Tragödie, die gewagt genug ist, es zuzulassen Bösewicht gewinnt und löscht 50 % des gesamten bekannten Lebens aus. Infinity War ist vielleicht der seismischste Mega-Blockbuster des 21. Jahrhunderts und ein stromlinienförmiger Gigant purer Unterhaltung – bombastische Action, gespickt mit Charaktererkundungen (ein gebrochener Thor, der jedes Familienmitglied erzählt, das er an Rocket verloren hat, ist herzzerreißend und bittersüß) und große, richtige Lacher . Kurz gesagt, es ist die Apotheose von allem, was zum Markenzeichen der Marvel Studios wurde – ein helles, farbenfrohes, spritziges Spektakel mit einer echten Zuneigung für seine Heldenliste – die es schafft, sowohl lebhaft als auch universumsbedrohlich episch zu sein. Und mit diesem atemberaubenden Finale schuf es einen echten kulturellen Moment – ​​ein ikonisches Stück populärer Unterhaltung, das eine Generation beeinflusste. Was für ein Vermächtnis.
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2010
Nur wenige außer Aaron Sorkin hätten eine klassische Tragödie in der Entstehungsgeschichte von Facebook gesehen. Aber das macht The Social Network so spektakulär – eine nicht mehr zeitgenössische Geschichte mit all den ältesten Grundsätzen des Geschichtenerzählens: Freundschaft, Revolution, Gier und Verrat. David Finchers Film, der auf Trent Reznors und Atticus Rosss dröhnender elektronischer Partitur hämmert, erfreut sich an dem Paradoxon, dass ein Mann ohne eigene soziale Fähigkeiten das digitale Werkzeug geschaffen hat (oder hat er es getan?), das die gesamte Online-Welt vereinte, und dabei sein einsames Personal opferte Verbindungen auf dem Weg, um ein Tech-Milliardär zu werden. Jesse Eisenberg spielt den zittrigen, eiskalten Mark Zuckerberg perfekt – ein durch und durch moderner Machiavelli, der die Seite so einrichtet, dass er Frauen (in jeder Hinsicht) punktet, jeden, den er trifft, mit halsbrecherischer Geschwindigkeit herabwürdigt und Andrew betrügt Garfields Eduardo Saverin aus seinem Anteil am Geschäft. Es wäre beeindruckend genug, diesen Film im Nachhinein am Ende eines Augenblicks zu machen – aber ein Jahrzehnt später fühlt sich The Social Network zunehmend vorausschauend, als sich der Schmetterlingseffekt von Facebook („Lassen Sie das ‚the‘, es ist sauberer“) einschlug Cambridge Analytica, der Aufstieg der Alt-Right und eine ganze Generation, die in den sozialen Medien aufgewachsen ist. Fincher und Sorkin schafften es mittendrin – filmerische Wahrsager des digitalen Zeitalters.
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2016
Obwohl es absolut filmisch ist, kommt Moonlight der Poesie am nächsten – es ist ein so kraftvoll konzentriertes, impressionistisches Werk, dass jeder Moment darin eine Menge enthält. Die Geschichte von Little (alias Chiron, alias Black), einem jungen schwarzen schwulen Mann, der in Florida aufwächst, wird in drei verschiedenen Kapiteln erzählt – seiner Jugend, seiner Jugend und seinem jungen Erwachsenenalter –, die sich stark voneinander unterscheiden, wobei jedes Segment das Kleine enthüllt sondern seismische Momente, die durch sein Leben hallen und ihn in den Jahren, in denen wir ihn nicht sehen, völlig verändern. Durch die Einbeziehung von Kindheitserinnerungen des Drehbuchautors und Regisseurs Barry Jenkins und des Dramatikers Tarell Alvin McCraney, auf deren unproduziertem Theaterstück der Film basiert, fühlt sich der Film wie eine Erinnerung an – sinnlich und taktil, eindrucksvoll und gelebt. Wenn Mahershala Ali bei der Veröffentlichung verdientermaßen viel Lob für seine Rolle als Juan bekam, den Dealer, der als Vaterfigur für den jungen Little fungiert, sind die drei Schauspieler, die Chiron im Laufe der Jahre spielen, vorbildlich – die Verletzlichkeit von Alex Hibbert, die gehetzten Augen von Ashton Sanders , die undurchdringliche Männlichkeit von Trevante Rhodes, die sich alle gegenseitig informieren. Moonlight ist zerschrammt, bemerkenswert zart, völlig erschütternd, ohne jemals großartig zu sein – es ist ein Wunder, dass die Oscars es belohnt haben.
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2010
Wie verfolgt man einen Gamechanger wie The Dark Knight? Sie nutzen Ihre Schlagkraft an den Kinokassen, um einen gigantischen, originellen, erzählerisch komplexen Blockbuster zu machen, wie es nur Christopher Nolan kann. Inception, ein Sommerfilm, der im wirbelnden Unterbewusstsein spielt, ist ein Film über die Macht der Ideen, der viele eigene hat – er postuliert einen schlafenden Geist als Schauplatz für einen Anti-Überfall und stellt menschengemachte Traumlandschaften dar, die wie James-Bond-Filmsets aussehen , und eine schwindelerregende Einbildung von Träumen in Träumen in Träumen aufzubauen, wobei jeder mit unterschiedlichen Geschwindigkeiten arbeitet. Dass es klar genug ist, um mitzuhalten, ist beeindruckend – dass es auch ein Stück Achterbahn-Unterhaltung ohne Ende ist, ist phänomenal. Der Architekt all dieses schönen Chaos ist Leonardo DiCaprios Dom Cobb, dessen eigenes unterdrücktes Trauma die gesamte Operation zu stürzen droht. Aber für alle Filmstars im Spiel – Tom Hardy, Ellen Page, Joseph Gordon-Levitt, Michael Caine – ist hier das Filmemachen der wahre Star. Erstellen Sie riesige praktische Sets, verwenden Sie Miniaturen, bauen Sie faltbare Städte mit VFX, nichts fühlt sich außerhalb von Nolans Reichweite an. Ein sofortiger Klassiker mit einer mehrdeutigen letzten Einstellung, die dazu bestimmt ist, sich für die kommenden Jahrzehnte auf unbestimmte Zeit (oder wird es?) im Kopf der Zuschauer drehen.
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2008
Nachdem Christopher Nolan mit „Batman Begins“ den ultimativen Bruce-Wayne-Film abgeliefert hatte, stellte er seinen dunklen Ritter auf die Probe – und stieß mit Heath Ledgers schlurfendem Anarchisten Joker zusammen. Alles an The Dark Knight fühlt sich großartig und mythisch an – nicht nur seine Bilder (der Joker, der Geldhaufen in Brand setzt, die Two-Face-Enthüllung, das schimmernde Stadtbild von Gotham), sondern auch seine mitreißenden Erzählbögen, die Helden zu Bösewichten, Liebende zu Märtyrern machen, und Gangster in Monster. Nolans Film spiegelt ein Amerika wider, das darum kämpft, das Trauma des 11. September zu verarbeiten – und zeigt den Joker als urbanen Terroristen, dessen Motivation einzig und allein darin besteht, Angst und Dissens unter den Einwohnern von Gotham zu verbreiten. Er nennt sich selbst einen „Kriminellen der besseren Klasse“ – und The Dark Knight ist mehr als ein Superheldenfilm, eine Krimi-Saga, direkt von diesem erstaunlichen Eröffnungs-Banküberfall. Hier gibt es Action-Sequenzen, darunter eine adrenalingeladene Batmobil-Verfolgungsjagd, aber selbst seine Versatzstücke – vom Rennen um die Rettung von Rachel oder Harvey Dent bis zum Showdown mit zwei Booten – sind eher moralische Zwickmühlen, die groß geschrieben werden. Es ist eine bessere Klasse von Blockbustern, eine bessere Klasse von Comic-Filmen und eine bessere Klasse von Joker – Ledgers endlos faszinierende Interpretation wird mit der Zeit immer ikonischer.
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Es gab noch nie eine filmische Fantasy-Saga wie Der Herr der Ringe – und ihr Eröffnungskapitel bleibt ihre Krönung. Es ist eine Reise, die Sie immer wieder besuchen möchten, und wir empfehlen die erweiterte Ausgabe.
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2015
30 Jahre vergingen zwischen der Ankunft von Mad Max jenseits der Donnerkuppel und Mad Max: Fury Road. Das sind drei Jahrzehnte, in denen der vierte Teil von Max Rockatanskys Geschichte im Kopf des Filmemachers George Miller scheinbar herumwirbelte und brodelte, ein staubiger, öliger Fiebertraum, der ein gestörtes Eigenleben annahm, bevor er sich in seiner vollen Gestalt auf die Erde ausbreitete Bildschirm. Es gibt eine Reinheit der Vision von Fury Road, die direkt in den Scheitellappen eindringt – es fühlt sich völlig ungefiltert an, völlig kompromisslos, absolut verrückt in seiner Konzeption und Ausführung, keine Idee zu verrückt oder unhandlich, kein praktischer Effekt zu schwierig, um es durchzuziehen. Auch wenn seine Konstruktion verblüffend ist, so ist seine Prämisse herrlich einfach – ein geradliniger, fast ununterbrochener Verfolgungsfilm durch das postapokalyptische Ödland, mit Tom Hardys grunzendem Max, der buchstäblich an der Vorderseite festgeschnallt ist Das Auto von War Boy Nux, während ihm das Leben entzogen wird. Wenn sein Name im Titel steht, gehört der Film gleichermaßen Charlize Therons Imperator Furiosa – einem rebellischen Leutnant des Kriegsherrn Immortan Joe (Hugh Keays-Byrne), der sich mit seinem Haufen brütender Bräute davongemacht hat. Sie ist eine absolute Naturgewalt, das Gesicht von Asche erstickt, ihr mechanischer Arm nie direkt angesprochen, eine feministische Actionheldin für die Ewigkeit, die den Film buchstäblich lenkt. Die Fahrsequenzen sind elektrisierend, in aller Klarheit inszeniert in all dem Chaos, Miller schafft ein totales räumliches Bewusstsein, während die Fahrzeugflotte durch die Wüste donnert. Nichts an Fury Road ist mittelmäßig – es ist ein aus den Fugen geratenes Kunstwerk, ein erstaunliches Stück Action-Kino, ein visionäres Stück Filmemachen. Jeder Tag, an dem man es sich ansieht, ist wirklich ein schöner Tag.
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